Parabólica do Blum

Férias sem direito a preguiça

2012-02-02T10:00:00.000-02:00

Nem todo mundo consegue desfrutar de seu direito a férias. Para isso, é preciso estar trabalhando, com carteira assinada em uma empresa que respeite as leis trabalhistas. Uma combinação cada vez mais rara.
Por outro lado, mesmo quem conta com essa possibilidade nem sempre a utiliza para descansar. Como sabemos, a raiz da palavra “negócio” é a negação do ócio. Mas no mundo em que vivemos, os negócios vêm invadindo o espaço do ócio sem pedir licença.
Como em tempos de guerra, podemos ser convocados a qualquer momento. São os celulares e outras formas de comunicação em permanente alerta. É a prontidão para responder ao cliente, ao chefe, ao patrão.
Não bastasse isso, férias também se tornaram sinônimo de momento para a qualificação profissional. É o que mostra a matéria “Férias podem ser oportunidade de investir na carreira”, de Letícia Arcoverde, publicada no Valor em 27/12/2011.
Segundo a reportagem, durante as férias do começo do ano muitas escolas “oferecem cursos de curta duração para profissionais que querem se atualizar, fazer uma especialização ou até mudar de área”.
Entre os cursos oferecidos, está o de “voice training”, voltado para “disfarçar o sotaque”. Diante disso, só faltam aulas que nos ensinem a manter o tom de voz calmo e tranquilo nas situações profissionais mais desesperadoras.
Quanto àquela esperança de conhecer pessoas que não falem apenas de trabalho, esqueça. Segundo a reportagem de Letícia, o descanso remunerado pode ser aproveitado para aumentar seu “networking”. Aquela rede de pessoas que pode possibilitar contatos profissionais proveitosos.
Só faltam cursos para nos convencer do improvável prazer de passar as férias “carregando pedras”.

Arquivos do Megaupload poderão ser apagados na quinta-feira 02/02/2012

2012-02-01T08:20:00.010-02:00

Serviço de compartilhamento de arquivos foi fechado pela Justiça dos Estados Unidos
Foto: AFP

Os arquivos armazenados pelo site de compartilhamento de arquivos Megaupload, fechado em uma operação do FBI sob acusação de pirataria, podem começar a ser apagados na quinta-feira. Segundo reportagem da agência AP, uma carta arquivada na sexta-feira pela Procuradoria dos Estados Unidos afirma que as empresas Carpathia Hosting Inc. e Cogent Communications Group, contratadas pelo Megaupload para armazenamento, têm permissão para começar a apagar os dados nesta semana.

A carta diz que o governo copiou alguns dados dos servidores, mas não os tomou fisicamente. Segundo o documento, agora que os mandados de busca foram executados, os dados não poderão ser acessados. O Megaupload afirma que milhões de usuários têm dados pessoais armazenados no serviço, como fotos de família e documentos. O advogado da companhia afirma que a empresa está trabalhando com os promotores para manter os dados. Além disso, o Megaupload espera manter as informações para que possa se defender das acusações na Justiça.

O Megaupload contrata servidores externos para armazenar seus próprios dados, mas paga uma taxa para isso. Mas o avogado da companhia, Ira Rothken, afirma que o governo congelou as contas da empresa, e por isso o Megaupload não está conseguindo pagar pelos datacenters.

Segundo a AP, os porta-vozes das duas empresas e da Procuradoria dos EUA não se pronunciaram sobre o caso.

Entenda o caso
As autoridades dos Estados Unidos, incluindo o FBI (polícia federal americana), tiraram o Megaupload e outros 18 sites afiliados do ar na noite do dia 19 de janeiro (horário de Brasília) por considerar que o site faz parte de "uma organização delitiva responsável por uma enorme rede de pirataria virtual mundial". O Megaupload teria causado mais de US$ 500 milhões em perdas ao transgredir os direitos de propriedade intelectual de companhias. As autoridades norte-americanas consideram que por meio do site, que conta com 150 milhões de usuários registrados, e de outras páginas associadas, ingressaram cerca de US$ 175 milhões.

Em resposta ao fechamento do Megaupload, o grupo de hackers Anonymous bloqueou temporariamente o site do Departamento de Justiça, do FBI e o da produtora Universal Music, entre outros na noite de 19 de janeiro, horário de Brasília. De acordo com os hackers, foi o maior ataque já promovido pelo grupo, com mais de cinco mil pessoas ajudando.

No dia 20 de janeiro na Nova Zelândia, noite de 19 de janeiro no Brasil, a polícia neozelandesa realizou uma operação na qual confiscou dos detidos e do Megaupload bens avaliados em US$ 4,8 milhões, além de US$ 8 milhões depositados em contas abertas em diversos bancos do país. Nesta operação, Kim Schmitz, mais conhecido por Dotcom, fundador do Megaupload, e os outros três envolvidos, foram presos. Desde então, outros acusados de participar do negócio, alguns fugitivos, vêm sendo presos ao redor do mundo. Dotcom, que teve o pedido de fiança negado, está preso desde o dia 20 de janeiro na Nova Zelândia e deve permanecer até o dia 22 de fevereiro, quando termina o prazo do pedido de extradição para os Estados Unidos.

Megaupload Ltd., e outra empresa vinculada ao caso, a Vestor Ltd, foram indiciadas pela câmara de acusações do Estado da Virgínia (leste) por violação aos direitos autorais e também por tentativas de extorsão e lavagem de dinheiro, infrações penalizadas com 20 anos de prisão. Embora tenham participado da operação, as autoridades da Nova Zelândia não devem apresentar acusações formais contra o site.

O anúncio do fechamento do Megaupload ocorreu em meio a uma polêmica nos Estados Unidos sobre dois projetos de lei antipirataria, o Sopa (Stop Online Piracy Act), que corria na Câmara dos Representantes, e o Pipa (Protect Intelectual Property Act), que era debatido no Senado, contra as quais se manifestou, entre muitos outros, o site Wikipédia, interrompendo seu acesso no dia 18 de janeiro, e o Google mascarando seu logo. O protesto foi chamado de apagão ou blecaute pelos manifestantes.

Por isso, infelizmente todos os links do Megaupload na parabólica cairam. Mas fizemos o download de muitos arquivos, obrigado Megaupload, esperamos que recupere seus servidores e volte a fazer a alegria de quem compartilha conhecimento na internet.

Minhas Férias no Sul do Brasil - On The Road

2012-01-30T10:00:00.184-02:00

Nas nossas vidas passadas, no século XIX, eu e minha esposa fomos colonos em RS, descobrimos quando tiramos essa foto antiga em Gramado com o fotógrafo Mario Bertolucci - mariobertolucci@yahoo.com.br

Ahh, férias, tão bom como viajar é voltar pra casa. Viajei com minha esposa Suzy para o Sul do Brasil, on the road, só de estrada rodamos ida e volta 2.572 km. Saimos de São Bernardo do Campo - SP e fomos diretos para Joinville-SC.

Passamos a noite lá, de dia fomos pra Blumenau - SC, passamos a noite lá, dia seguinte fomos de Blumenau para Gramado - RS, onde passamos 3 noites e conhecemos a cidade e a vizinha Canela. Na volta, fomos de Gramado até Pouso Redondo - SC, onde passamos a noite, depois novamente em Blumenau e uma rápida passagem em Pomerode - SC, a cidade mais alemã do Brasil, seguimos viagem e passamos a noite em Tijucas do Sul - PR, cidade antes de São José dos Pinhais - PR e Curitiba - PR, e finalmente de lá, voltamos pra SBC - SP.

Foi a minha primeira viagem ao Sul, minha esposa Suzy viajou com sua mãe e tia em janeiro de 2007 passando 28 dias no Sul e conheceram mais cidades, mas eu fiquei maravilhado com a região.

Ao contrario do que dizem, não pegamos dias frios no Sul, no máximo uma chuvinha bate e volta quando passamos pelo Paraná.

No caminho pra Blumenau - SC, pensei que estava chegando em New York City, vendo essa réplica da estátua da Liberdade num shopping Havan.

Em Joinville, ficamos no Hotel XV de Novembro, um hotel de padrão legal, TV a Cabo, internet Wi-fi, atende muitos representantes comerciais em viagem de trabalho e fomos jantar na Churrascaria na frente. O buffet não era tão variado, mas a nobreza das carnes, hummmmm!!!, comi cordeiro, javali (como diria Asterix o Gaulês, por Tutatis!), filé mignom no queijo, alho e óleo, picanhas deliciosas. Quando fui pagar, percebi o quanto custa tanta carne nobre: 41 reais por cabeça, deixei R$97,90 lá, foi a nossa maior extravagância gastronômica da viagem.

Em Blumenau - SC, ficamos no tradicional Hotel Glória, hospedagem muito boa, atendimento nota 10 e o CafeHaus ao lado, hummmm! que delicia de doces e salgados, como vocês podem conferir nas fotos abaixo.

Em Gramado - RS chegamos tarde, próximo das 21h, depois de 10 horas de estrada, fomos olhar um Hotel pouco depois do portal de entrada de Gramado, o Sky, era muito caro, na frente dele tinha a Pousada Vovó Carolina, fui olhar, consegui um quarto de casal pequeno num preço legal, e ficamos, a pousada tinha até piscina térmica, onde relaxei por duas tardes.

Hotel Sky e Sopas da Serra

Pousada Vovó Carolina

O centro de Gramado é lindo, ainda tinha a decoração do Natal.

A cidade tem muitas atrações, gostei de ver o prédio do Festival de Cinema de Gramado, onde se premiam os filmes com o Kikito, a entrada do museu à Vapor no caminho pra cidade vizinha Canela, a Terra Mágica Florybal, a cachoeira vista do teleférico. Uma coisa interessante em Gramado é que não tem semáforo no centro, tem um sistema de rotatórias onde os motoristas param quando um pedestre vai atravessar, adorei essa educação gaúcha no transito, se fosse aqui em São Paulo passavam por cima da gente.

Na volta pra São Paulo, passamos na cidade de Pomerode - SC, 35km de Blumenau - SC, a cidade mais alemã do Brasil, escolas bilingues municipais, cerca de 80% da população fala português e alemão.

Minha esposa Suzy não precisa fingir ser alemã em Pomerode, ela é filha de pai alemão, já eu me tornei meio alemão com ela.

Estava no último dia da 29a.Festa Pomerana e infelizmente, estávamos sem tempo para visitar, deveriamos viajar durante o dia e não ficamos pra conferir a comida e as cervejas artesanais. Mas levamos algumas coisas do Sul pra consumir em SP, macarrão caseiro, queijo colonial, vinho tinto suave e branco, suco de uva, chocolate de Joinville e Pomerode, e como não tomei no Rio Grande do Sul, comprei um pacote de 1kg de chimarrão Ximango pra experimentar em São Paulo, qualquer dia vou numa churrascaria e depois vou ver se o chimarrão é mesmo um bom digestivo pras carnes.
Bem, minha primeira viagem ao Sul só teve dois momentos ruins em função de falta de estrutura e atendimento. Na volta, passando pelo Paraná, pelo cansaço tivemos de ficar num hotel de posto, o Monte Carlo em Tijucas do Sul, foi a diária mais barata, sem café da manhã incluso, mas também era um quarto bom pra caminhoneiro não exigente tomar banho, dormir numa cama de madeira, colchão ruim, sem internet wifi, um tv pequena com antena parabólica, controle que não funcionava, um jantar do lado do posto com um buffet com quase nada, comida sem tempero e um bife horrivel pra acompanhar. Só ficamos lá pois o cansaço e a noite não nos deixava ir adiante. Na divisa com o Paraná e SP, almoçamos na rodovia num lugar chamado Melhor Parada e que o buffet e as carnes com churrasco estavam longe de ter a qualidade num lugar que pretende se chamar Melhor Parada, minha mulher odiou.
Não estou pedindo que o Paraná tenha estabelecimentos na estrada com o padrão da rede Graal de SP e RJ, mas o Paraná ficou devendo melhores serviços. Já Santa Catarina e Rio Grande do Sul estão de parabéns, pela beleza natural desses Estados, conservação das cidades e rodovias, infraestrutura boa, bons serviços, atendimento de padrão internacional, povo simpático e educado. Aguardo visitar esses Estados futuramente.

Estrada de hortências em Gramado, a caminho do teleférico

Então, esse foi um breve relato e fotos de minhas férias, estarei voltando a escrever regularmente no blog, é bom estar de volta!
Grande abraço do Blum

FELIZ 2012 - ESTOU DE FÉRIAS!

2012-01-01T14:00:00.002-02:00

FÉRIAS MERECIDAS -
ATÉ QUEM É MEIO DE FERRO COMO DARTH VADER QUER VIAJAR

Quero agradecer a minha audiência de todos, obrigado, thank you very much, é por isso que continuo escrevendo no blog com paixão, sem fins lucrativos, meu objetivo final é a Cultura.
Como esse mês estou de férias, quero aproveitar para viajar e descansar junto com minha esposa Suzy.
Desta forma, postarei menos de 1 post por semana, espero voltar em fevereiro com uma média de um post novo dia sim dia não.
Feliz 2012 a todos. Um grande abraço do Blum

Novo Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras - estreia em Janeiro

2011-12-31T08:00:00.008-02:00

Ator Robert Downey Jr. interpreta o detetive mais famoso em "Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras", que estreia em 13/1

"Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras" estreia nas salas brasileiras em 13 de janeiro. O filme é sequência de "Sherlock Holmes", lançado em 2009.
Dirigido por Guy Ritchie, o longa conta com Robert Downey Jr., interpretando o detetive mais famoso do mundo, e Jude Law, no papel do colega Dr. Watson.
A atriz sueca Noomi Rapace, que fez parte do filme "Os Homens que Não Amavam as Mulheres", também está no elenco e é a misteriosa cigana Sim, aliada de Holmes e Watson contra o vilão Moriarty, interpretado por Jared Harris ("O Curioso Caso de Benjamin Button").

ASSISTA AO TRAILER DE "SHERLOCK HOLMES: O JOGO DE SOMBRAS"

Os Vingadores ( The Avengers) - 2012 será o ano da Marvel Studios

2011-12-30T09:15:00.006-02:00

Esse será um dos filmes mais aguardados de 2012, a Marvel também vai dar o reboot na franquia do Homem-Aranha, em The Amazing Spiderman.

Os Vingadores chegam com tudo, num elenco que conta com Robert Downey Jr. como Homem de Ferro, Samuel L. Jackson como Nicky Fury, Scarlett Johansson como Viúva Negra, Chris Hemsworth como Thor, Mark Ruffalo como Hulk, Jeremy Renner como Gavião Arqueiro e Chris Evans como o atual Capitão América (antigamente era o Tocha Humana do Quarteto Fantástico), Os Vingadores é roterizado e dirigido por Joss Whedon. Os últimos filmes da Marvel sempre tem uma sequencia após os créditos, que interligam as hístórias dos heróis, para a reunião deles nos Avengers.

Os Vingadores são um grupo de super-heróis de história em quadrinhos publicados nos Estados Unidos pela editora Marvel Comics. O grupo é em certo sentido uma resposta da Marvel para a Liga da Justiça, editada pela DC Comics. Na histórica ficcional do grupo somente em HQ, seus membros fundadores são heróis consagrados da editora: Thor, Homem de Ferro, Hulk, Vespa, Wolverine, Homem-Aranha e Homem-Formiga.

O filme está previsto para 2012. Se seguir o cronograma acima, será em 05 de Abril de 2012.

"O Romance Histórico" de György Lukács

2011-12-28T10:24:00.000-02:00

Escrito em 1936-37, "O Romance Histórico" de György Lukács é considerado o trabalho mais significativo do filósofo nos anos de exílio na União Soviética. Publicado pela Boitempo Editorial, inédito em português, o livro traz textos preparatórios para uma “estética marxista”. Nele o filósofo húngaro amadurece os fundamentos da sua teoria dos gêneros literários com uma abordagem materialista da história da literatura moderna e investiga a natureza da interação entre o espírito histórico e a grande literatura: correntes, ramificações e pontos de confluência que, do ponto de vista da teoria, são característicos e imprescindíveis. “E isso apenas em relação à literatura burguesa; a mudança provocada pelo realismo socialista ultrapassa os limites de meu estudo”, delimita o autor.

O livro, que conta com apresentação de Arlenice Almeida da Silva e orelha de Carlos Eduardo Ornelas Berriel, mostra como a gênese e o desenvolvimento, a ascensão e o declínio do romance histórico são consequências necessárias das grandes convulsões sociais dos tempos modernos. “Estamos diante de um ensaio feito de deslocamentos e aproximações que entrelaçam literatura, experiência e figuração do tempo. Ele [...], sobretudo, enuncia de lugar improvável uma crítica corajosa contra o pensamento socialista ortodoxo, dito vulgar”, afirma Arlenice.

Com esses estudos Lukács também pôde amadurecer sua teoria sobre o realismo, que para ele não corresponde a uma escola literária, mas sim a uma forma literária que reconstitui o homem na sua totalidade – o que seria particularmente perceptível na obra de Walter Scott, o “grande poeta da História”, que introduziu na literatura épica o retrato dos costumes e das circunstâncias dos acontecimentos, o caráter dramático da ação e, em estreita relação com isso, o novo e importante papel do diálogo no romance, como assinala o filósofo.

Em um capítulo especialmente dedicado à obra scottiana, Lukács sublinha o surgimento do romance histórico na Inglaterra como resultado do despertar da sensibilidade para a história, a consciência do desenvolvimento histórico, em meio às enormes convulsões políticas e sociais das décadas anteriores à revolução burguesa. Nesse contexto, afirma ele, Walter Scott permanece muito fortemente ligado às camadas da sociedade arruinadas pelo rápido desenvolvimento do capitalismo, mas sempre procurando um “caminho do meio” entre os extremos em luta: não fazia parte nem dos entusiastas do desenvolvimento nem de seus apaixonados contestadores. Paradoxalmente, como reforça o filósofo, a grandeza de Scott reside em seu conservadorismo, ao esforçar-se para demonstrar sua realidade histórica pela figuração ficcional das grandes crises da história inglesa. Seus personagens não possuem a profundidade psicológica das figuras humanas individuais, mas o autor é capaz de dar vida humana a tipos sociais históricos com concisão e univocidade, o que se aplica a seus “heróis medianos” insuperáveis no modo realista da “classe média” inglesa. Lukács cita o comentário do crítico russo Vissarion Belinski sobre o caráter épico do romance de Scott, a totalidade histórica presente na figuração e nas personagens coadjuvantes, que em sua maioria é mais interessante e importante que o herói mediano principal. Diz Belinski:

É assim que deve ser em uma obra de caráter puramente épico, em que a personagem principal serve somente de centro em torno do qual os acontecimentos se desdobram e no qual ela se deixa descrever apenas por traços gerais que merecem nossa simpatia humana, pois o herói da epopeia é a própria vida, e não o homem. Na epopeia, o homem é, por assim dizer, submetido ao acontecimento; este, com sua grandeza e importância, encobre a personalidade humana, desvia nossa atenção do homem pela própria diversidade e quantidade de suas imagens, bem como pelo interesse que despertam.

Na obra, além de elucidar aspectos essenciais da obra de Walter Scott – para Lukács, jamais alcançados em sua grandeza por outro escritor –, o filósofo analisa o papel de outros grandes nomes do romance histórico, como Balzac, Stendhal, Goethe, Púchkin, Gógol, Górki e Tolstói.

Sobre o autor

Nascido em 13 de abril de 1885 em Budapeste, Hungria, György Lukács é um dos mais influentes filósofos marxistas do século XX. Doutorou-se em Ciências Jurídicas e depois em Filosofia pela Universidade de Budapeste. No final de 1918, influenciado por Béla Kun, aderiu ao Partido Comunista e no ano seguinte foi designado Vice-Comissário do Povo para a Cultura e a Educação. Em 1930 mudou-se para Moscou, onde desenvolveu intensa atividade intelectual. O ano de 1945 foi marcado pelo retorno à Hungria, quando assumiu a cátedra de Estética e Filosofia da Cultura na Universidade de Budapeste. Estética, considerada sua obra mais completa, foi publicada em 1963 pela editora Luchterhand. Já seus estudos sobre a noção de ontologia em Marx, que resultariam oito anos depois na Ontologia do Ser Social, iniciaram-se em 1960. Faleceu em sua cidade natal, em 4 de junho de 1971. Do autor, a Boitempo já publicou "Prolegômenos para uma ontologia do ser social: questões de princípios para uma ontologia hoje tornada possível" (2010) e "O Romance Histórico" (2011).

Ficha técnica

Título: O Romance Histórico
Autor: György Lukács
Tradução: Rubens Enderle
Apresentação: Arlenice Almeida da Silva
Orelha: Carlos Eduardo Berriel
Páginas: 440
Preço: R$ 63,00

Lou Reed & Metallica: Crítica do álbum 'Lulu' (2011)

2011-12-27T10:00:00.001-02:00

Nota: 8

Não espere uma audição fácil ao dar play em Lulu, álbum da parceria entre a maior banda de heavy metal do planeta – Metallica – e um dos ícones do rock “com cérebro” - Lou Reed. Concebido para ser uma espécie de trilha-sonora para o teatro de vanguarda, preenchendo o espaço que antes era ocupado por trilhas orquestradas e clássicas, o disco soa como uma espécie de ópera, alternando momentos mais “visuais” com outros mais palatáveis ao ouvinte “normal” de música.

Conceitual, o trabalho conta a história de Lulu, personagem criada pelo ator e dramaturgo alemão Benjamin Franklin Wedekind, uma jovem dona de um desejo sexual infinito e sem restrições que a conduz através de uma jornada repleta de prazer e sangue. Reed havia escrito as letras das canções há alguns anos atrás para uma montagem nos EUA da peça, que acabou não saindo. Agora, essas mesmas letras ganharam o acompanhamento instrumental do Metallica, alcançando um resultado final, no mínimo, controverso.

Pra começo de conversa, é preciso deixar claro que Lulu não é o novo álbum nem do Metallica nem de Lou Reed. O disco é a estreia da parceria entre ambos, portanto não espere encontrar aqui o que o Metallica fez em Death Magnetic (2008), por exemplo. Grande parte da força do trabalho está nas letras de Reed, que serão ignoradas pela imensa parcela dos ouvintes que não domina a língua inglesa. Assim, o que importa, para grande parte do público, é a música propriamente dita.

O Metallica soa de maneira inédita em Lulu. No lugar dos riffs thrash, temos a predominância de jams, ruídos e passagens construídas a partir de feedbacks. Não há o formato clássico do heavy metal, e nem do rock, na parte instrumental do disco. Salvo algumas exceções - como “Mistress Dread”, onde a banda soa mais próxima do que os seus fãs estão acostumados -, a maioria das músicas caminha por sons que causarão estranhamento ao ouvinte tradicional de heavy metal. Isso, aliado à maneira peculiar de cantar de Reed – recitando as letras, como se estivesse falando -, realça ainda mais essa sensação. Pra fechar, a duração das músicas – todas longas -, faz com que se feche um casulo em torno dos músicos, impenetrável na maioria das vezes.

Ainda assim, algumas faixas funcionam. É o caso de “The View”, primeiro single, onde o Metallica soa bastante similar aos álbuns Load e Reload. Já em “Iced Honey” o que temos é um hard rock interessante, que remete ao ótimo New York, lançado por Lou Reed em 1989.

O que torna a audição do álbum difícil é o excesso de experimentalismo de algumas faixas. Entendendo o objetivo dos músicos – criar uma trilha para uma peça de teatro, traduzindo nas faixas os diferentes momentos e emoções do roteiro -, fica mais fácil absorver as composições. No entanto, algumas delas simplesmente não funcionam sozinhas, sem o acompanhamento de atores em um palco imaginário, por mais fértil que possa ser a imaginação de quem está escutando o disco. É o caso de “Pumping Blood” e “Frustration”.

Entretanto, em alguns momentos a transição é feita de maneira suave, sem a exigência de uma barreira intransponível entre a música e o ouvinte. Quando isso acontece, somos brindados por boas faixas como “Cheat On Me” - uma tour de force de mais de 11 minutos -, “Dragon” e “Junior Dad”, que não só encerra o trabalho como funciona como um fechamento de tudo o que ele propõe.

Lulu não é um disco fácil. Ele não foi feito para ser ouvido de maneira casual. É preciso se concentrar, deixar-se levar pelas mãos de Hetfield e Reed através de suas composições. Desafiador, erra em alguns momentos e acerta em outros. É uma espécie de sinfonia repleta de pretensão, que, definitivamente, não será assimilada por quem vive em um universo musical formado somente por rock e heavy metal. Os ouvintes mais curiosos e já habituados com a música clássica, por exemplo, absorverão muito melhor as ideias propostas, já que elas estão muito mais próximas dos conceitos e variações desenvolvidos pelo gênero do que do formato padrão do metal e do rock.

Vai gerar discussão? Vai. Vai receber críticas negativas? Sim, a maioria. Lulu mostra que o Metallica, inquieto por natureza mesmo com os milhões de dólares de suas contas bancárias, continua buscando desafios criativos em sua carreira. Essa atitude, que muitas vezes não é entendida pelos fãs, é extremamente saudável, pois mantém a banda viva artisticamente e não apenas como uma enorme empresa da indústria musical, como muitos gigantes por aí. No final, o Metallica sai ganhando ao experimentar novas sonoridades, assim como Reed, que teve um acompanhamento literalmente de peso para as suas letras.

Ouça, e tire as suas próprias conclusões. Para mim, o saldo é mais positivo do que negativo.

Lou Reed & Metallica - Lulu (Vertigo, 2011)

Tracklist:Tracklist:

CD 1

Brandenburg Gate
The View
Pumping Blood
Mistress Dread
Iced Honey
Cheat On Me

CD 2

Frustration
Little Dog
Dragon
Junior Dad

Link: http://www.filesonic.com/file/2828860875/Metallica_e_Lou_Reed_-_Lulu_(2011).zip

Tom Cruise em Missão Impossível 4 : Protocolo Fantasma (2011)

2011-12-26T10:00:00.007-02:00

Pouco importa quem é a mocinha, o inimigo ou o objetivo: este novo episódio se delicia com todos as peripécias que a imagem e a tecnologia conseguem produzir.

Tom Cruise havia lançado a deixa: este novo Missão Impossível seria, de longe, o melhor episódio da saga, que já havia sido dirigida por Brian de Palma, John Woo e J.J. Abrams. Embora o argumento seja puramente comercial (qual ator não elogia o próprio filme?), a crítica começou a ficar interessada neste projeto curioso, dirigido por um dos realizadores de animação mais apreciados do cinema contemporâneo, Brad Bird (Os Incríveis, Ratatouille). Como um diretor de animação se sairia com filmagens reais?

A primeira reação, reproduzido pela metade da crítica, foi a de insinuar que este novo episódio se parecia com um filme de animação – espécie de argumento fácil, em função do passado do diretor. O ritmo frenético, as cenas de ação espetaculares nunca foram uma exclusividade dos desenhos e animações, basta ver os próprios Missão Impossível anteriores e tantas outras grandes produções dos estúdios de Hollywood.

Existe, no entanto, um certo encanto pela tecnologia irreal e astuciosa que, se não pertence à animação, parece vir de um universo tipicamente infantojuvenil. O roteiro e a direção do filme parecem ter se inspirado nas criações fictícias de algum inventor maluco, algo que pôde ser representado em tela devido ao orçamento faraônico de 145 milhões de dólares do filme. Assim, ao invés de vencer os inimigos na base da porrada e das bazucas ultra potentes, nossos heróis são mais próximos de geeks extremamente inteligentes, que vencem com o uso de máscaras, celulares incríveis, carros super equipados, luvas que se colam em paredes e sustentam um grande peso (vide foto acima), e mesmo telas infláveis que produzem hologramas – referência à ilusão da imagem cinematográfica que agradou bastante aos cinéfilos/críticos.

Contra a facilidade e misoginia de um James Bond, contra o excesso de virilidade de todos os episódios de Velozes e Furiosos, este filme não se apoia nem no enaltecimento do herói, nem na desumanização dos vilões. As motivações de cada um (bandidos ou mocinhos), as maneiras como eles obtém as informações necessárias, ou como desenvolvem uma tecnologia tão avançada, são questões que o roteiro prefere ignorar. Aqui não interessa o porquê, mas o como, o que faz deste Missão Impossível algo mais próximo da série Onze (e doze, treze) Homens e Um Segredo do que de outros filmes de ação justiceiros, em que se deve salvar uma criança inocente, uma donzela em perigo etc.

Neste caso tudo está no seu lugar, a ameaça é a mais simbólica possível – um louco, sem razões específicas, quer destruir o mundo com uma bomba nuclear – e nosso grupo deve logicamente pará-lo “antes que seja tarde”. Este imperativo de tempo é o mais importante, com a famosa contagem regressiva da saga: as mensagens que se destroem em cinco segundos, as bombas que devem ser desativadas um segundo antes de a Terra explodir. Com tais aparatos high-tech à disposição dos adversários, o único obstáculo que representa um risco real aos heróis é realmente o tempo, razão pela qual a maldade dos vilões é tão secundária. Mesmo quando se descobre que tal inimigo era na verdade um amigo, isso não surpreende ninguém. Eles se abraçam e acaba a disputa.

Isso porque este filme é composto de um mecanismo dos mais simples, que se parece menos com a complexidade do filme de guerra do que com os jogos esportivos, uma disputa de xadrez ou mesmo uma “batalha naval”. Existem duas equipes, adversas, que buscam o mesmo objetivo, no caso, a tal maleta com os códigos permitindo detonar a arma nuclear. Quem chegar primeiro, ganha. Ambos lutam com as mesmas armas, no mesmo terreno de jogo, de acordo com as mesmas regras. Ambos matam com a mesma ausência de piedade – o protagonista Ethan Hunt inclusive assassina seis inocentes apenas para criar um disfarce ideal. Resta apenas o melhor geek, aquele com melhor desempenho estratégico e informático.
Parte da crítica reclamou da referência assumida à Guerra Fria (os inimigos, loucos, são terroristas russos), mas o elemento parece ser o mais simples de um imaginário americano que evita qualquer contato com a realidade atual. A ação evolui num Oriente vasto e impreciso, do Oriente Médio à Rússia e à Índia. Se o inimigo fosse afegão, ou mesmo chinês, a situação seria outra. O velho inimigo russo é hoje em dia um fantasma como o do título, uma referência histórica que dificilmente encontra um eco preciso na cabeça do jovem público-alvo deste novo filme. Missão Impossível 4: Protocolo Fantasma retira do seu caminho o realismo da História, a justificação moral e mesmo o romance quase indispensável em outras sagas de ação machistas, para deixar o caminho livre às peripécias mais deslumbrantes, que estampam na tela todos os milhões de dólares gastos. E isso constitui um prazer moral e cinematográfico muito diferente dos sentimentos, tão americanos, de justiça e liberdade.

Trailer

Missão Impossível 4 – Protocolo Fantasma (2011)

Filme estadunidense dirigido por Brad Bird.

Com Tom Cruise, Paula Patton, Simon Pegg, Jeremy Renner, Léa Seydoux, Josh Holloway, Anil Kappor, Vladimir Mashkov, Michael Nyqvist, Tom Wilkinson.

Em memória de James Brown (1933-2006) Funky Christmas

2011-12-25T10:00:00.008-02:00

Feliz Natal! Hoje fazem 5 anos que o Godfather of Funk James Brown foi quebrar o assoalho com seu som no andar de cima. Pra relembrar dele que faleceu no dia de Natal, aqui vai o seu álbum de Natal, Funky Christmas.

James Brown - Funky Christmas - (Polydor - 1995)
Tracklist
01. Go Power At Christmas Time 3:12
02. Let's Unite The Whole World At Christmas 2:44
03. Santa Claus Go Straight To The Ghetto 3:03
04. Merry Christmas Baby 3:56
05. Let's Make Christmas Mean Something This Year 6:31
06. Soulful Christmas 3:09
07. The Christmas Song 2:44
08. Sweet Little Baby Boy 5:17
09. Christmas Is Love 6:02
10. Please Come Home For Christmas 3:24
11. Santa Claus Is Definitely Here To Stay 4:24
12. Tit For Tat (Ain't No Taking Back) 3:07
13. Santa Claus, Santa Claus 4:04
14. Merry Christmas, I Love You 2:33
15. Signs Of Christmas 4:39
16. Christmas In Heaven 2:56
17. Hey America 3:56
Link: http://www.filesonic.com/file/r000216945/162955201/James

Kenny G - Miracles: The Holiday Album (1994)

2011-12-24T13:06:00.004-02:00

Miracles: The Holiday Album é o primeiro álbum natalino do saxofonista Kenny G. Foi lançado pela Arista Records em 1994, e alcançou o topo do Billboard 200, tops de Álbuns de Jazz Contemporâneos e Álbuns de R&B/Hip-Hop

Kenny G - Miracles: The Holiday Album (Arista, 1994)

"Winter Wonderland" – 3:00
"White Christmas" – 2:59
"Have Yourself A Merry Little Christmas" – 3:54
"Silent Night" – 3:44
"Greensleeves" – 3:26
"Miracles" – 2:30
"Little Drummer Boy" – 4:02
"The Chanukah Song" – 2:28
"Silver Bells" – 3:57
"Away In A Manger" – 2:36
"Brahms Lullaby" – 3:13

Link: http://www.filesonic.com/file/182022751/Kenny

The Best Christmas Album in the World ...Ever!

2011-12-24T08:00:00.002-02:00

CD 1
1 - John Lennon & Yoko Ono - Happy Xmas (War Is Over) (3:36)
2. Paul McCartney - Wonderful Christmastime (3:49)
3. Roy Wood With Wizzard - I Wish It Could Be Christmas Everyday (4:37)
4. Slade - Merry Christmas Everybody (3:46)
5. Band Aid - Do They Know It's Christmas (3:45)
6. The Pogues & Kirsty MacColl - Fairytale Of New York (4:35)
7. Greg Lake - I Believe In Father Christmas (3:34)
8. Pretenders - 2000 Miles (3:37)
9. Chris De Burgh - A Spaceman Came Travelling (4:05)
10. Frankie Goes To Hollywood - The Power Of Love (5:30)
11. Chris Rea - Driving Home For Christmas (4:00)
12. Elton John - Step Into Christmas (4:13)
13. Shakin' Stevens Merry Christmas Everyone (3:39)
14. Gary Glitter - Another Rock And Roll Christmas (3:49)
15. Beach Boys - Little Saint Nick (2:01)
16. Jackson 5 - Santa Claus Is Coming To Town (2:23)
17. Mike Oldfield - In Dulci Jubilo (2:53)
18. Jona Lewie - Stop the Cavalry (2:57)
19. Waitresses - Christmas Wrapping (5:23)
20. Jethro Tull - Ring Out, Solstice Bells (3:47)
21. David Bowie & Bing Crosby - Peace On Earth - Little Drummer Boy (4:25)

CD2
1. Bing Crosby - White Christmas (3:09)
2. Nat 'King' Cole - The Christmas Song (3:13)
3. Dean Martin - Let It Snow Let It Snow Let It Snow (2:02)
4. Harry Belafonte - Marys Boy Child (2:59)
5. Johnny Mathis - When A Child Is Born (3:55)
6. Cliff Richard - Mistletoe And Wine (3:55)
7. Aled Jones - Walking In the Air (3:27)
8. Robson & Jerome - I Believe (2:08)
9. Doris Day - Winter Wonderland (2:57)
10. Adam Faith - Lonely Pup (In A Christmas Shop) (1:49)
11. Mel & Kim - Rockin' Around The Christmas Tree (3:36)
12. State Of The Heart - Last Christmas (3:46)
13. Dean Martin - Rudolph The Red Nosed Reindee (2:17)
14. Eartha Kitt - Santa Baby (3:25)
15. Mud - Lonely This Christmas (3:35)
16. Roy Orbison - Pretty Paper (2:48)
17. Jim Reeves - Silver Bells (2:57)
18. Perry Como - God Rest Ye Merry Gentlemen (2:55)
19. The Weavers - We Wish You A Merry Christmas (2:29)
20. The Spinners - The Twelve Days Of Christmas (3:55)
21. Steeleye Span - Gaudete (2:27)
22. Bert Jansch - In The Bleak Midwinter (2:24)
23. Mary Margaret O'Hara - What Are You Doing New Year's Eve (3:11)

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Espetacular: Primeiro trailer de The Hobbit: Uma Jornada Inesperada (2012)

2011-12-23T12:17:00.003-02:00

Essa é pra dar ataque cardiaco de ansiedade em fãs de J.R.R.Tolkien para esperar até 14/12/2012 para assistir a estréia de The Hobbit - An Unexpected Jorney, onde o diretor da trilogia O Senhor dos Anéis Peter Jackson retorna à Terra - Média para contar em duas partes a história de Bilbo Baggins, o prólogo de O Senhor dos Anéis, onde ele vai com Gandalf e uma comitiva de anões enfrentar perigos, encarar o dragão Smaug e pegar o Um Anel do Gollum. É esperar mais um espetáculo cinematográfico, confiram pelo primeiro trailer.

Também pode ser visto aqui:

http://www.traileraddict.com/trailer/the-hobbit/trailer

Os 50 melhores discos de 2011 segundo a Mojo

2011-12-22T12:05:00.000-02:00

A respeitada revista Mojo publicou a sua lista com os melhores álbuns do ano. Não segmentada em um estilo específico, mas com um olhar mais atento para artistas clássicos, a listinha da Mojo tem uns sons bem interessantes aí no meio, novos trabalhos de nomes já consagrados e muitas novidades.

Confira, e comente:

PJ Harvey – Let England Shake
The Horrors – Skying
Fleet Foxes – Helplessness Blues
Jonathan Wilson – Gentle Spirit
Kate Bush – 50 Words for Snow
White Denim – D
Josh T. Pearson – Last of the Country Gentlemen
Anna Calvi – Anna Calvi
Tom Waits – Bad As Me
Wild Beasts – Smother
Laura Marling – A Creature I Don't Know
Kurt Vile – Smoke Ring for My Halo
Cat's Eyes – Cat's Eyes
King Creosote & Jon Hopkins – Diamond Mine
Paul Simon – So Beautiful or So What
Bon Iver – Bon Iver, Bon Iver
Bill Wells & Aidan Moffat – Everything's Getting Older
Thurston Moore – Demolished Thoughts
James Blake – James Blake
My Morning Jacket – Circuital
The War on Drugs – Slave Ambient
Beirut – The Rip Tide
Bill Callahan – Apocalypse
EMA – Past Life Martyred Saints
The Stepkids – The Stepkids
Drive-By Truckers – Go-Go Boots
Arbouretum – The Gathering
Lykke Li – Wounded Rhymes
Wilco – The Whole Love
Girls – Father, Son, Holy Ghost
Nick Lowe – The Old Magic
Bjork – Biophilia
Glenn Jones – The Wanting
Gillian Welch – The Harrow & The Harvest
Tinariwen – Tassili
Shabazz Palaces – Black Up
Duane Eddy – Road Trip
The Sand Band – All Through the Night
Arctic Monkeys – Suck It and See
Charles Bradley – No Time for Dreaming
Destroyer – Kaputt
Booker T. Jones – The Road From Memphis
Gwilym Simcock – Good Days at Schloss Elmau
Glenn Campbell – Ghost on the Canvas
tUnE-yArDs – w h o k i l l
Noel Gallagher – High Flying Birds
Radiohead – The King of Limbs
Wire – Red Barked Tree
Frank Ocean – Nostalgia, Ultra
Joe Henry - Reverie

Gil Scott-Heron and Jamie XX - We're New Here (2011)

2011-12-21T08:52:00.001-02:00

Pode um álbum como I’m New Here (2010), o clássico moderno de Gil Scott-Heron ser superado, ainda mais por uma versão alternativa composta apenas de remixes? Se isso era um feito até então inalcançável, o jovem Jamie XX rompe todos os limites e mostra como isso pode ser possível, ou pelo menos como chegar perto disso. We’re New Here (2011) traz as mesmas treze canções e poemas entregues no último trabalho Scott-Heron, agora embaladas dentro de uma linguagem própria e renovada. A obscuridade do disco é a mesma, porém agora trabalhada em toques discretos de música eletrônica e programações sintéticas.

Que uma coisa fique bem clara: Não há como criar comparações sobre nenhum dos álbuns, afinal, cada um segue em um caminho e flui dentro de uma linguagem muito distinta. Contudo é preciso concordar que a sapiência de Jamie Smith – que é também um dos integrantes do grupo inglês The XX – em dar continuidade a sonoridade minimalista proposta por Scott-Heron foi mais do que coerente. Se valendo da levada dubstep e de batidas comportadas o rapaz conseguiu transformar o resultado final em um material único e próprio.

Os poemas do estadunidense Scott-Heron chegam envoltos por meio de camadas cirurgicamente encaixadas de reverberações, através das mãos cuidadosas do jovem produtor. Overdubs maciços, colagens e mais colagens de sons, batidas milimetricamente construídas vão aos poucos criando um álbum que não é mais de Scott-Heron, mas sim do próprio Jamie. O músico de outrora se converte em uma ferramenta nas mãos hábeis do inglês. Mas é preciso que se entenda uma coisa: se ele é uma “ferramenta” é pelo menos dotado de alma.

I’m New Here (a faixa, não o álbum) abre de maneira praticamente idêntica ao disco de 2010. A voz cuidadosamente talhada pelo tempo, álcool e substâncias ilícitas de Scott-Heron entra entoando versos com toda sua seriedade acalentadora. A diferença agora é que as bases e o fluxo das faixas é outro. Logo entrem as sobreposições de sons, batidas em looping, colagens de vozes, alguns teclados coerentemente instalados e pronto, estamos dentro de We’re New Here.

Com Home o rapaz traga influências do dub no melhor modelo jamaicano. A faixa se traduz em algo quase palpável, se retorce, se fragmenta, volta a se agrupar enquanto segue o tempo todo acompanhada por inserções moderadas de teclados e programações eletrônicas minimalistas. A voz de Scott-Heron em nenhum momento se afasta, está ali como se monitorasse cuidadosamente o trabalho do produtor. Se com o álbum Heron se perde nas graças da música soul, com esse trabalho de remixes é o hip-hop que dá o ar de sua graça. O britânico vai jogando as vozes como se elas estivessem versando, feito que se intensifica por conta das batidas reforçadas ao fundo.

Mesmo na curtíssima Certain Things Interlude com seus singelos 17 segundos, XX não perde a oportunidade de fazer suas alterações e inclusões cuidadosas. Em Running é o ritmo mais acelerado e voltado para o grime que transparece já I’ll Take Care Of You surge como a faixa mais distinta do disco, menos ponderada que as demais canções e também tendo como foco um ritmo menos preso ao dubstep.

Primeira faixa que saiu desse novo projeto ainda no final de 2010, New York Is Killing Me é a canção em que Jamie XX alcança seu ápice. A forma como reconstrói a faixa deixa ainda transparecendo a mesma agonia expressa por Scott-Heron em seu álbum. As programações eletrônicas surgem mais abertas, a composição segue em ritmo mais enérgico e os samplers que acompanham cada segundo da faixa embelezam ainda mais o arranjo.

Na resenha do álbum I’m New Here o texto abria com a seguinte dúvida: “Como reintroduzir um artista ao meio musical passados quase vinte anos desde seu último lançamento? De que maneira apresentar a um público totalmente novo um músico que tem seus maiores (se não únicos) sucessos criados apenas na década de 1970?”. A resposta que já estava dada no lançamento anterior de Scott-Heron apenas se confirma com essa parceria. O poeta voltou, ainda que por pouco tempo, e talvez o metafórico pacto com o demônio na regravação Me and The Devil não seja algo tão simbólico assim.

Gil Scott-Heron and Jamie XX - We're New Here (XL Recordings, 2011)

Tracklist

01 I'm New Here 3:27
02 Home 3:11
03 I've Been Me [Interlude] 0:28
04 Running 3:32
05 My Cloud 4:27
06 Certain Things [Interlude] 0:10
07 The Crutch 3:10
08 Ur Soul And Mine 4:18
09 Parents [Interlude] 0:29
10 Piano Player 1:16
11 NY Is Killing Me 5:44
12 Jazz [Interlude] 0:50
13 I'll Take Care Of U 4:43
Link:

http://www.filesonic.com/file/4308858925/gil_scott_-_heron_and_jamie_xx_-_were_new_here_2011.rar

Os riscos de um apocalipse econômico europeu

2011-12-20T11:00:00.016-02:00

A crise econômica que atingiu a Europa nos anos 1930 preparou a catástrofe que viria com a 2ª Guerra. Também foi terreno fértil para o fascismo.
Algumas previsões sobre a atual crise européia não estão muito longe disso. É o que mostra reportagem de Diego Viana para o Valor, publicada em 16/12. Com o título de “O roteiro catastrófico da morte da moeda”, o texto diz:

Uma recessão severa, "talvez um cenário de depressão", nas palavras do economista Jens Nordvig, do banco Nomura, pode não ser o pior dos prospectos para a Europa nos próximos anos. Analistas de bancos como ING, UBS, Crédit Suisse e Citigroup publicaram nas últimas semanas estudos sobre o continente caso o euro seja abandonado por um país ou mesmo todos. As projeções incluem corridas bancárias, inflação explosiva, desintegração do comércio e graves retrocessos políticos. Dentre as consequências estimadas por Nordvig, figuram "o calote generalizado de dívidas soberanas e corporativos, crise bancária, fuga de capitais, inflação muito elevada. Em alguns países a política monetária ficaria impossível".

O fim do euro significaria o retorno às antigas moedas. Marcos, francos, escudos e pesetas voltariam a ser emitidos. Para a maioria dessas moedas, a desvalorização seria inevitável. A reportagem cita alguns exemplos:

... a nova moeda grega se estabeleceria em nível 57,6% abaixo da cotação atual do euro; a portuguesa, a 47,2%; e a espanhola, 35,5%. Países mais sólidos teriam desvalorizações bem menores: 6,8% na Áustria e 9,4% na França. A Alemanha é o único país com potencial de alta: 1,3%.

Ou seja, diz o texto:

... a quebra da união seria desordenada. Além de moratórias soberanas e corporativas - empresas com dívidas em euro não poderiam honrá-las -, corridas bancárias, como houve nos EUA em 1933 e na dissolução da Tchecoslováquia em 1993, têm 90% de chance de ocorrer nos países periféricos. Em caso de colapso total, os saques teriam risco de 30% nos centrais.

Um cenário que teria “probabilidade de quase 100% para Grécia, Portugal ou Irlanda”. Mas “mesmo Alemanha, França e Itália correm o risco de um desastre em suas relações comerciais, já que as linhas de financiamento dependem de bancos que correriam o risco de quebrar”, diz a reportagem.
E o texto conclui em tom quase apocalíptico:

Com o aumento do desemprego, o colapso do comércio e a explosão da inflação, a história ensina que o desfecho provavelmente descamba para a política. O colapso do euro representaria, segundo a equipe do UBS, um risco de 75% de regime autoritário, golpe militar ou guerra civil nos países periféricos. Mesmo os centrais correm esse risco (10%).

É o que dá colocar a economia acima da política. Infelizmente, algo cada vez mais constante em um sistema dominado pelo valor de troca.

Presente de Natal para os banqueiros europeus. O Banco Central Europeu (BCE) aprovou um empréstimo de quase 490 bilhões de euros a 523 bancos afetados pela crise na Zona do Euro. São praticamente todos os bancos da região. Receberam um enorme presente de Natal. Os juros cobrados serão de 1% ao ano pelo período de três anos.
A idéia é que o dinheiro seja usado para compra de títulos da dívida da Espanha e da Itália. Papéis que estão pagando juros de mais de 5%. Ou seja, um lucro enorme garantido.
Desse modo, os bancos se recuperariam ao mesmo tempo em que ajudariam a bancar as dívidas públicas da região. Mas não há garantia de que isso venha a acontecer. Até porque o valor liberado mostra que a situação é ainda mais grave do que se esperava. As previsões eram de um rombo de, no máximo, 250 bilhões de euros. É possível que vários desses bancos usem a dinheirama apenas pra se manter longe da falência.
Mesmo que os banqueiros façam o que o BCE espera, a única coisa certa é a continuidade da terrível situação social dos povos europeus. Para estes, o Natal já está sendo dos mais amargos.

Presentão Musical de Natal - A Very Special Christmas Collection

2011-12-19T13:30:00.001-02:00

"A Very Special Christmas" é uma coletânea beneficiente lançada pela A&M Records, com design do artista plástico Keith Haring, inicialmente em 1987, onde grandes nomes da música dos EUA e Reino Unido se reuniram para cantar músicas clássicas de Natal e material novo composto especialmente para celebrar o Natal e ajudar instituições de caridade. O resultado? Fez tanto sucesso que se seguiram mais 4 volumes. Aqui disponibilizo todos os 5 álbuns num só link:

http://www.filesonic.com/file/4081042535/A_Very_Special_Christmas.byfonzie.rar
É só baixar, queimar os cds e a trilha sonora do seu natal está garantida. Feliz Natal a todos, são os sinceros votos deste escriba da net, Marcello Blum

Confiram os grandes nomes que participaram das 5 coletâneas:

The Pointer Sisters, Eurythmics, Whitney Houston, Bruce Springsteen, The Pretenders, John Cougar Mellecamp, Sting, Run DMC, U2, Madonna, Bob Seger & The Silver Bullet Band, Bryan Adams, Bon Jovi, Alison Moyet, Stevie Nicks, Tom Petty, Randy Travis, Luther Vandross, Frank Sinatra & Cyndi Lauper, Boys II Men, Paul Young, Aretha Franklin, Ronnie Spector & Darlene Love, Michael Bolton, Extreme, Bonnie Ratt & Charles Brown, Tevin Campbell, Debbie Gibson, Vanessa Williams, Ann & Nancy Wilson, Wilson Phillips, Sinead O' Connor, The Smashing Pumpkins, Natalie Mercharnt, No Doubt, Sheryl Crow, Blue Traveler, Enya, Hootie & The Blowfish, Chris Cornell, Marie J. Blige, Jonny Lang, Dave Matthews & Tim Reynolds, Steve Winwood, Tracy Chapman, Patti Smith, Eric Clapton, Macy Gray, Stevie Wonder & Wyclef Jean, Eve 6, Dido, B.B.King, Powder.

Various Artists - A Very Special Christmas, Volume 1 (A&M 1987)

Various Artists - A Very Special Christmas, Volume 2 (A&M 1992)

Various Artists - A Very Special Christmas, Volume 3 (A&M 1997)

Various Artists - A Very Special Christmas, Volume 4 (Live) (A&M 1999)

Various Artists - A Very Special Christmas, Volume 5 (A&M 2000)

Morre aos 88 Anos o ator e diretor Sergio Britto

2011-12-17T19:47:00.001-02:00

Sérgio Britto morreu aos 88 anos, vítima de complicações respiratórias

Foto: TV Globo/Divulgação

O sábado ficou mais triste para muitos famosos com o anúncio da morte do ator e diretor Sérgio Britto. No Twitter, as frases eram de lamentações e pesar com a notícia: "um sábado mais triste com a notícia da morte do ator e diretor Sérgio Britto. #RIP", escreveu o colega Cacá Rosset

"Morre o grande Sérgio Britto. Grande perda, grande tristeza", comentou o cantor Lobão. As atrizes Carol Castro e Leda Nagle também lamentaram a notícia: "especialmente triste com a morte de Sérgio Brito. Ator talentoso, pessoa encantadora! Vai fazer falta! Meus respeitos! Descanse em paz!", disse Leda.

Carol Castro, uma das primeiras a falar sobre a morte do ator, demostrou seu pesar no microblog: "que Deus receba de braços abertos o grande e completo artista Sérgio Britto. Descanse em paz...farás muita falta!"

Sérgio Britto morreu aos 88 anos, vítima de complicações respiratórias. O ator estava internado há cerca de um mês no hospital Copa D'Or, no Rio de Janeiro.

As mortes da cantora Cesária Évora e do carnavalesco Joãosinho Trinta também abalaram o mundo das artes neste sábado: "Joãosinho Trinta....Sérgio Britto ...Morre o homem, fica o legado. Aprendemos muito com vocês, mestres", disse a humorista Nany People.

Dezenas de pessoas, entre parentes, amigos e fãs, estiveram no velório do ator e diretor Sérgio Britto, na tarde deste sábado (17), na Assembleia Legislativa do Rio. Ele estava internado há um mês no Hospital Copa D'Or por causa de problemas cardiorrespiratórios. A atriz Fernanda Montenegro foi uma das primeiras pessoas a chegar ao local.

"Ele era um homem excepcional. Viveu uma grande vida. Neste país tão caótico, do ponto de vista ético e comportamental, ele é uma liderança. Não foi uma liderança, ele é uma liderança, destacou a atriz.

Fernanda Montenegro lembrou das companhias de teatro as quais liderou com o dramaturgo, como o Teatro dos Sete, em 1959, e o Teatro Tupi, em que contracenou com Britto durante dez anos semanalmente. Ela destacou a generosidade e honestidade do ator durante os mais de 60 anos de amizade. Sérgio sempre passava por cima de algumas desavenças, nunca vi uma atitude persecutória de sua parte.

Na TV Brasil, o ator apresentava o programa semanal Arte com Sérgio Britto, em que abordava temas sobre teatro, cinema e literatura, fazia críticas sobre peças e filmes que estão em cartaz e entrevistava personalidades do meio teatral e cinematográfico brasileiro.

Para Montenegro, o programa deveria continuar por sua importância na divulgação da cultura. Ele atendeu, com esse programa, a todas as manifestações culturais. Acho que o programa deveria continuar com o nome dele, mostra a integração tão forte do Sérgio com a cultura do nosso país.

Sérgio Britto deixa um buraco enorme em nossas vidas e no teatro brasileiro. Não posso dizer que seja insubstituível, mas será difícil que nasça alguém com tanta importância e valor para o teatro brasileiro, ressaltou o bancário e ator amador Lucas Souza, que compareceu ao velório para prestar as últimas homenagens a Britto, de quem diz ser o maior fã.

O governador do Rio, Sérgio Cabral, decretou luto de três dias pela morte do dramaturgo e, em nota, declarou que Britto foi um dos maiores atores da história da dramaturgia brasileira.

Culto, elegante, sarcástico, explorou todos os canais de comunicação para a sua arte. Entretanto, no teatro foi o maior. Também em nota, o prefeito Eduardo Paes declarou que "o Rio de Janeiro hoje amanheceu mais triste com a perda de dois ilustres e queridos "cariocas".

"Um dos mais completos artistas da dramaturgia brasileira, o ator e diretor Sérgio Britto, que nasceu no Rio, dedicou sua vida às artes e, em especial, aos palcos, diz a nota que acrescenta que a história de Britto se confunde com a história do teatro no Brasil.

A outra perda à que Paes se refere foi a morte do carnavalesco Joãosinho Trinta, em São Luís, no Maranhão. O enterro de Britto está marcado para o próximo domingo (18/12) de manhã, no Cemitério São João Batista, na zona sul da cidade.

Carreira
Sérgio Britto, que chegou a cursar até o sexto ano de medicina, foi consagrado ator, diretor, apresentador e roteirista de cinema, televisão e teatro. Ele foi responsável pela direção de Ilusões Perdidas, primeira telenovela produzida e exibida pela TV Globo.

Ele também foi o criador, diretor e ator do Grande Teatro Tupi, que foi ao ar por mais de dez anos, trabalhando com nomes como Fernanda Montenegro, Ítalo Rossi, Natália Thimberg, Manoel Carlos, Fernando Torres, Zilka Salaberry, Aldo de Maio e Cláudio Cavalcanti. o teleteatro apresentou sob o seu comando repertório de mais de 450 peças.

Em 2009, Britto ganhou o Prêmio Shell de melhor ator, por A última gravação de Krapp e Ato sem palavras I. Ele também apresentou o programa semanal Arte com Sérgio Britto, na TV Brasil. Britto lançou, em 2010, sua segunda autobiografia O Teatro e Eu, uma revisão de seus 86 anos de idade, dos quais 65 de carreira na televisão, cinema e, principalmente, no teatro.

*Com informações da Agência Brasil

A falência da grande fábrica soviética

2011-12-15T13:29:00.000-02:00

Em dezembro de 1991 a União Soviética chegava ao fim. Pouco a comemorar. Por um lado, nos livrávamos de um monstrengo que o senso comum aprendeu a identificar com socialismo e comunismo. Por outro, sua desaparição passou a simbolizar a vitória do capitalismo.
E em 1847, um documento da Liga Comunista, organização da qual participavam Marx e Engels, declarava:

Não estamos entre aqueles comunistas que pretendem destruir a liberdade pessoal, transformar o mundo em um imenso quartel ou em uma gigantesca casa de correção (...) não queremos de forma alguma trocar a liberdade pela igualdade.

A definição se adequa bem ao que acabou se tornando a União Soviética depois que Stalin assumiu o poder. Na verdade, o imenso país passou a ser dirigido como se fosse uma grande fábrica. Sob forte disciplina, sem liberdade, com muita exploração e usando os heróicos atos da revolução de 1917 como ideologia para manter o poder. De socialismo, só o nome.
Tratava-se de um capitalismo fortemente dirigido pelo Estado e de um Estado sob controle de uma classe burocrática. Era o capitalismo burocrático de Estado. Seu fim foi uma espécie de falência da grande fábrica.
É o que defendem autores como o marxista inglês Tony Cliff, que escreveu “Capitalismo de Estado na União Soviética” em 1955. Infelizmente, ainda sem tradução para o português.
Até hoje, esta definição não é consensual na esquerda. Muitos seguidores de Trotsky, por exemplo, consideram que a União Soviética era um Estado operário degenerado. Mas já em 1951, a própria viúva de Trotsky manifestou posição diferente. Em carta à direção da IV Internacional, Natalia Sedova Trotsky afirmou:

Obcecados por fórmulas velhas e ultrapassadas, vocês continuam considerando o Estado stalinista como um Estado operário. Eu não posso e não acompanharei vocês nisto. Praticamente todos os anos depois do começo da luta contra a burocracia stalinista usurpadora, Trotsky repetia que o regime estava se movendo para a direita, sob as condições de uma revolução mundial morosa e a conquista de todas as posições políticas na Rússia pela burocracia. Repetidas vezes ele mostrou como a consolidação do stalinismo na Rússia conduzia ao agravamento das posições econômicas, políticas e sociais do proletariado, e ao triunfo de uma aristocracia tirânica e privilegiada. Se esta tendência continuar, disse, a revolução chegará a um fim e a restauração do capitalismo será alcançada.

Mas o pior mesmo são as viúvas do stalinismo. Cada vez mais numerosas e desavergonhadas. A reforçar uma visão autoritária e estatal do socialismo. É tudo o que a direita precisa.
A íntegra da carta de Natalia Sedova pode ser acessada aqui

Os 100 Maiores Rockstars Vivos na capa da Revolver

2011-12-13T12:43:00.017-02:00

Estes são alguns dos 100 maiores rockstars vivos pela revista Revolver: Rob Zombie, Alice Cooper, Dave Grohl, Dave Mustaine, Dave Navarro, Kerry King, Vinnie Paul, Phil Anselmo, Ozzy Osbourne, Tommy Lee, James Hetfield, Slipknot, Slash, Lemmy, Axel Rose, Marilyn Manson, Gene Simmons

A Democracia Corinthiana e a nobreza dos meios

2011-12-11T12:57:00.024-02:00

O documentário “Ser campeão é detalhe - democracia corinthiana” está disponível na internet. Vale a pena assistir. Principalmente, diante da triste coincidência entre seu lançamento e a morte de Sócrates. Ao lado de Casagrande, Wladimir, Biro Biro, Zenon, o “doutor” protagonizou um dos momentos mais bonitos do futebol mundial.
Sócrates explica que não se tratava apenas de revolta contra a concentração obrigatória. Todas as decisões eram tomadas de forma coletiva e igualitária. Como diz Sócrates no filme:
Eu era o único jogador de seleção no Corinthians. Meu voto tinha o mesmo peso que o do terceiro goleiro, do cara que limpava minha chuteira e tinha o mesmo peso do que o do diretor do clube. Era um pra um.

Num ambiente autoritário como o do futebol, e ainda sob a ditadura militar, tratava-se de um posicionamento radical. Mas não só isso. Em uma das finais que disputou pelo campeonato paulista, o time entrou em campo com a seguinte faixa:
Ganhar ou perder, mas sempre com democracia.

Era um desafio à própria lógica competitiva. O sacrifício dos fins em nome da nobreza dos meios. Algo inadmissível não apenas no meio esportivo. Desafiava a própria lógica daquilo que Florestan Fernandes chamou de “ordem social competitiva”, ao se referir ao capitalismo.
Felizmente, a ousadia foi recompensada com dois títulos paulistas numa das campanhas mais bonitas do clube em sua história. Bonita também foi a participação de Sócrates e seus companheiros no movimento pelas eleições diretas para presidente, entre 83 e 84. Infelizmente, a democracia acabou derrotada em ambos os movimentos.
No documentário, Juca Kfouri lamenta a ausência de herdeiros para um movimento tão importante. Mas os elementos e contradições que permitiram seu surgimento continuam presentes no esporte e na vida. A eles devemos acrescentar a necessidade de resgatar as lições da democracia corinthiana.
A se lamentar o grande desfalque de Sócrates no time dos lutadores.

Sem Limites (2011)

2011-12-05T12:00:00.000-02:00

Sem Limites (Limitless – Direção: Neil Burger – 2011) (DVD)

80% dos cérebros que comandam hollywood não funcionam. Os 20% restantes se esforçam para tentar evocar algo que traga de novo os bons tempos. A idéia é criar uma droga que faça com que esses executivos de LA trabalhem com todo cérebro.

A pílula NZT é a solução encontrada.

Contando com atores da nova geração, Bradley Cooper interpretando Eddie Morra, e da velha geração, Robert De Niro interpretando Carl Van Loon, um diretor jovem e de talento promissor – vide O Ilusionista (2006), e um roteiro bem elaborado, e sem falhas, têm-se um grupo certo para testar essa nova droga que promete revolucionar o cinema estadunidense.

A pílula NZT avança através do globo ocular a partir da inserção do disco em seu player. Seus efeitos são perceptíveis a partir de 30 segundos após o início do filme.

A experiência poderá trazer efeitos colaterais tais como: repetição do filme e da acertada trilha sonora, vislumbres de achar um dos melhores filmes do ano, e um período de abstinência voluntária.

Sócrates brasileiro

2011-12-04T12:56:00.001-02:00

O ex-jogador Sócrates Brasileiro Sampaio de Sousa Vieira de Oliveira morreu às 4h30m da madrugada de domingo (4/12), em consequência a um choque séptico, no Hospital Albert Einstein, em São Paulo. Ele tinha 57 anos e era pai de seis filhos, sendo irmão do ex-jogador Raí. O corpo de Sócrates será velado em Ribeirão Preto, cidade onde cresceu. O enterro deve ocorrer às 17h no cemitério Bom Pastor.
Sócrates estava internado desde quinta-feira (1/12) à noite, depois de ter se sentido mal durante o jantar. O quadro clínico dele chegou a apresentar leve melhora neste sábado, graças a um antibiótico mais potente, que fez regredir o quadro de infecção intestinal. Mas os médicos já vinham alertando que o caso dele era grave. Sócrates estava sedado na UTI, respirando por aparelhos e passando por tratamento dialítico, que consiste na remoção do excesso de líquidos e substâncias prejudiciais acumuladas no organismo do paciente renal crônico. A expectativa era que ele permanecesse em observação por pelo menos 72 horas. Sócrates começou a carreira de jogador no Botafogo, de Ribeirão Preto, foi contratado pelo Corinthians no fim da década de 70 e vendido para Fiorentina, da Itália, nos anos 80. Também jogou no Flamengo e no Santos e pela Seleção Brasileira.

"Ao tocar de calcanhar o nosso fraco, a nossa dor / Viu um lance no vazio, herói civilizador". É assim que um samba de José Miguel Wisnik, professor talentoso, compositor refinado e santista convicto, homenageia o “doutor” Sócrates, idolo do Corinthians.

Mas nada melhor que lembrar algumas frases ditas pelo próprio Sócrates:
Perguntaram a Fidel se as universitárias cubanas estavam se prostituindo. Ele respondeu: “Não sei. Mas com certeza todas as prostitutas cubanas têm nível superior”. Não estou nem querendo isso. Só peço segundo grau completo.
Em entrevista, defendendo a obrigatoriedade de escolaridade de segundo grau para os jogadores de futebol - CartaCapital nº 152
A manipulação dos resultados de alguns jogos do Campeonato Brasileiro tirou dos manos não só a calma como também a única riqueza que podiam ter em mãos. Tirou o sonho e roubou a alegria simples e corriqueira de quem pouco pode sorrir. Desencadeou uma corrente de agonia que explode nas ruas e nos campos de futebol como uma forma de demonstrar que esse povo está vivo. Pouco articulado, mas vivo. E que um dia, não tenham dúvidas, há de lutar por alicerces mais resistentes para a sua existência. É, os manos estão se matando, mas, no fundo, estão mesmo é buscando uma brecha de cidadania em que possam se apoiar. Na verdade, eles estão sangrando. E muito.
Sobre brigas de torcidas após as denúncias envolvendo fraudes no futebol – CartaCapital - 02 de Novembro de 2005
Se temos de aplaudir alguém, são os nossos abnegados atletas. Muitos vivem, treinam, vestem-se e alimentam-se com pouco mais de um salário mínimo por mês.
Sobre os jogos panamericanos do Brasil – CartaCapital – 26/07/2007
Uma coisa é Copa do Mundo, outra coisa é o futebol. Futebol é essência. É o exercício dessa prática. Outra coisa é a Copa, que é um negócio, onde tem um monte de ladrão roubando dinheiro.
Brasil de Fato – novembro de 2007
É que neste país nada mobiliza e agrega mais que o futebol e poderá ser por meio dele que teremos os exemplos que determinarão os caminhos que devemos seguir para transformar nossa sociedade em algo mais humano e da qual possamos nos orgulhar.
CartaCapital – 13/03/2009

Com problemas de som, New Order faz "baile da saudade" no UMF

2011-12-03T22:00:00.017-02:00

LÚCIO RIBEIRO
COLUNISTA DA FOLHA

Em show marcado por hits monumentais e problemas de som da mesma magnitude, a banda inglesa New Order fez seu "baile da saudade" agora há pouco no Ultra Music Festival, no sambódromo do Anhembi, em São Paulo.

Veja galeria de fotos do festival

Os mais velhos dançavam, os mais novos procuravam entender por que essa banda de "tiozinhos" que ainda tocam foi um dos principais nomes da história da música indie, eletrônica, pop. Já a banda toda em si passava bom tempo de sua apresentação tentando transmitir recados à mesa de som, para aumentar, diminuir, equalizar, equacionar a problemática sonora.
Não tivesse o New Order hits como "Temptation", "Blue Monday", "True Faith", "Crystal", para ficar em apenas quatro das nove músicas tocadas, o show teria sido um fiasco.
Mas o passado do New Order salvou o New Order do presente. Ainda mais sem o charme "prepotente" do baixista Peter Hook, que saiu do grupo recentemente, fica a dúvida se o New Order terá futuro.
Set List dia 03/12/11

01 Crystal
02 Ceremony
03 Age Of Consent
04 Bizarre Love Triangle
05 True Faith
06 586
07 The Perfect Kiss
08 Blue Monday
09 Temptation
Alexandre Rezende/Folhapress

Bernard Sumner, vocalista do New Order, durante apresentação da banda no Ultra Music Festival

3 Anos de Parabólica do Blum - 2008-2011

2011-12-02T10:00:00.021-02:00

Este era o logo original de 2008, no inicio do blog.

3 anos se completam hoje desde o meu primeiro post na Parabólica, "Começar de novo, em um projeto pessoal" em 02/12/2008, dizendo um pouco da minha trajetória escrevendo na web. Em 02/02/2011, o blog teve a sua maior repaginação de design, veja no post Novo Design e comemoração dos 10.000 acessos.

Muita coisa aconteceu na web, na minha vida pessoal, mas minha proposta inicial de disponibilizar e democratizar a informação de qualidade continua, tudo que no mundo se irradia, aqui se capta, cada vez mais, seja sobre história, sociologia, política, boa música, literatura e filmes, de graça, sem patrocinio, só com a minha paixão de compartilhar conhecimento.

Aqui vão alguns números para se medir o sucesso da proposta do blog:

Em Dezembro de 2009, quando o blog completou 1 ano, tinha atingido 18.159 visualizações de páginas.

Em Janeiro de 2011, 16.488, Fevereiro de 2011, 15.217 (a partir daqui, novo design e funcionalidades interativas by Suzy Koch, minha namorada, hoje minha esposa), Março de 2011, 22.635, Abril de 2011, 17.591, Maio de 2011, 16.107, Junhode 2011, 50.681, Julho de 2011, 53.236, Agosto de 2011, 69.653, Setembro de 2011, 65.797, Outubro de 2011, 60.746, Novembro de 2011, 55.523 e estamos dia 02 de Dezembro e já contabilizamos 3.276 visualizações, totalizando 545.251 visualizações.

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Visualizações de página por país - Top 5
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Estados Unidos 281.329
Brasil 190.975
Portugal 11.641
Alemanha 11.631
Bélgica 9.822

Depois destes números, só posso dizer: MUITO OBRIGADO A TODOS VOCÊS PELA AUDIÊNCIA! THANK YOU VERY MUCH FOR THE AUDIENCE!
Só posso prometer que a Parabólica 2012 será cada vez melhor.
Namastê!
MARCELLO BLUM

HIVE FIVE! NICE! My Name is BlumBorat

Dia Mundial da AIDS – 1º de dezembro de 2011

2011-12-01T10:00:00.000-02:00

Mensagem do Secretário-Geral da ONU, Ban Ki-moon.

“Entrando na quarta década da AIDS, estamos finalmente em condição de terminar com a epidemia.
O progresso feito até hoje é a prova de que podemos atingir nosso objetivo de zero novas infecções, discriminação zero e zero mortes relacionadas à AIDS.
O número de novas infecções caiu mais de 20% desde 1997. Novas infecções continuam a cair na maioria das regiões do mundo. Na África Subsaariana, região mais afetada pela epidemia de AIDS, índices de HIV caíram em 22 países.
Entre as populações em risco, a maré está mudando. O acesso a serviços de prevenção ao HIV está ajudando jovens, profissionais do sexo e seus clientes, usuários de drogas injetáveis, homens que têm relações sexuais com homens e transexuais a ter controle sobre sua saúde para um melhor bem estar.
O tratamento evitou a morte de 2,5 milhões de portadores do HIV desde 1985. Somente no último ano, 700 mil pessoas foram salvas. Cerca de 6,6 milhões de pessoas, número correspondente à metade daqueles que precisam de tratamentos para o vírus nos países de baixa e média renda, estão sendo atendidas.
Sinergias entre prevenção e tratamento estão acelerando o processo.
No entanto, para terminar com AIDS, precisamos apresentar resultados ainda melhores.
Em junho desse ano, a Reunião de Alto Nível da Assembleia Geral sobre AIDS adotou metas ousadas para 2015: reduzir a transmissão sexual de HIV pela metade, eliminar novas infecções em crianças, fornecer tratamento para 15 milhões de pessoas vivendo com HIV, terminar com o estigma e a discriminação e fechar a lacuna de financiamento para a luta contra a AIDS.
Com forte vontade política, fontes consideráveis de financiamento e uma abordagem firme com os direitos humanos, podemos atingir todos esses objetivos.
O financiamento será fundamental para o sucesso. Peço a todos os interessados que ajam no quadro de investimento definido pela Programa Conjunto das Nações Unidas sobre HIV/Aids (UNAIDS) e financiem integralmente a meta global anual de investimentos de 24 bilhões de dólares. Os resultados compensariam os custos iniciais em menos de uma geração.
Precisamos continuar construindo a partir do comprometimento político, do investimento, da energia, do ativismo e da determinação que nos trouxeram até esse ponto de mudança.
O momento está do nosso lado. Devemos usá-lo para acabar com a AIDS – de uma vez por todas.”

Para que servem bonecos e bonecas? Por Contardo Calligaris

2011-11-30T13:10:00.001-02:00

Esse artigo é sobre como nunca alcançaremos a beleza e a perfeição estética da boneca Barbie e seu namorado metrossexual Ken (praticamente uma bichona, que é zoado até por outros brinquedos em Toy Story 3, acima), e da nossa vontade de mutilá-los, é perfeito.
Agora fiquem com a lucidez de Contardo Calligaris.

É graças aos bonecos que a criança pode mutilar,
despedaçar e queimar os ídolos que lhe são propostos

KEN, O companheiro de Barbie, chega aos 50 anos e não envelhece: a camiseta de sua última versão anuncia, sem falsa modéstia, que ele continua sendo "o namorado perfeito".
Tenho mais simpatia por Barbie que por Ken. Barbie foi detestada pelas feministas por ser incansavelmente consumista e narcisista. No entanto, ela foi uma batalhadora, competindo com os garotos em todos os campos do saber e do trabalho. Ken, em compensação, sempre me pareceu desmiolado por sua própria convicção de ser o objeto irresistível do desejo de todos -homens e mulheres (tudo bem, concordo: ele se redimiu um pouco em "Toy Story 3").
Enfim, o aniversário de Ken está sendo celebrado com um novo boneco, Sweet Talking Ken (Ken fala doce), que contém um sistema de gravação e fala: você aperta seu coração e grava a frase que ele repetirá quando você soltar o botão. Nos EUA, a propaganda diz: Ele é o namorado perfeito para todas as ocasiões. Por quê? Porque ele diz tudo o que você quer que ele diga.
De fato, apresentei o boneco a uma menina de 12 anos, que aprovou: os garotos não têm muito para dizer, melhor a gente escolher o que eles vão falar. Será que ela tem razão? Eis o caso que fez que, no fim de semana passado, eu me interessasse por Ken.
Um casal de conhecidos me ligou dos EUA, preocupado. Eles ofereceram o novo Ken à filha de oito anos, e logo constataram que o irmão (quatro anos mais velho) brincava com ela feliz (fato raro). Ótimo, eles pensaram -até perceberem que o jogo funcionava assim: o rapaz se enfiava no closet, gravava uma fala de Ken, saía e soltava o botão (e o verbo) para Barbie e a irmã ouvirem. Das frases que os pais escutaram, a mais simpática era: "Vou te encher de porradas, sua vaca".

Aparentemente, a menina achava graça, mas os pais não gostaram e mandaram o rapaz escrever cem vezes
"Devo respeitar minha irmã e todas as meninas". Como se não bastasse, logo naquele dia, os pais verificaram o histórico do uso da internet pelo filho e descobriram que ele tinha descarregado três vídeos mórbidos, em que uma garota, presumivelmente australiana, tortura uma boneca Barbie -quem tiver estômago, confira: migre.me/ 3PE9X. O rapaz confessou gostar de suplícios aplicados a bonecos e bonecas.
Recomendei um psicólogo e sugeri que o rapaz mostrasse os vídeos a seu terapeuta (se o colega fizer seu trabalho como manda o figurino, a garota australiana receberia um dia a visita preventiva de um serviço social de seu país).
Agora, patologias à parte, por que será que maus-tratos e torturas aplicados em bonecos e bonecas são estranhamente populares?
Barbie é um modelo impraticável para as meninas e um sonho impossível para os meninos. Mudando os gêneros, o mesmo vale para Ken (que também é vítima de suplícios pela net afora). Barbie e Ken, em suma, são ideais inatingíveis, e essa seria uma boa razão para odiá-los: eles estariam sendo supliciados por um bando de frustrados que não conseguem ser como eles ou que não encontram parceiros como eles.
Concordo em termos: bonecas e bonecos não servem apenas para propor ideais deprimentes de tanto que eles estão fora do alcance da espécie humana, eles servem para tornar esses ideais acessíveis. Como assim? Simples: é graças aos bonecos que cada criança pode mutilar, despedaçar e queimar os ídolos que lhe são propostos.
Ao longo da infância, tive bonecos e soldadinhos lindos; mais de uma vez decidi e jurei que eu os conservaria intatos. Mas nunca consegui. Misteriosamente, minhas mãos bem intencionadas sempre acabavam os ultrajando brutalmente. Por quê? Suspeito que os bonecos nos sirvam para nos livrar do estereótipo de nossa própria infância feliz (a infância que todos os adultos parecem desejar por nós): não sou nem serei perfeito como um boneco, até porque, de qualquer forma, olhe só, Barbie está queimando na cruz e Ken está passando por apuros parecidos. Que alívio!

Ken e Barbie Sado-Maso
De 12 a 28 de fevereiro de 2011, no shopping Pátio Higienópolis, em São Paulo, Ken será homenageado na exposição "Barbie & Ken - O Casal Perfeito". Antes de passear por lá, só para se lembrar de que "perfeito" é um jeito de falar, procure, na internet, as obras dos anos 90 (David Levinthal, Carol McCullen), em que Barbie era ultrajada e deturpada, como talvez seja normal e bom que aconteça com bonecas e bonecos.
Contardo Calligaris - FSP - 10/02/2011

Malcolm X (1992) de Spike Lee

2011-11-29T13:08:00.000-02:00

• Título Original: Malcolm X
• Direção: Spike Lee
• Ano: 1992

• Roteiro: Spike Lee
• Gênero: Biografia, Drama
• Origem: Estados Unidos
• Duração: 202 minutos
• Tipo: Longa-metragem
• Diálogo: Inglês
• Legenda: PT-BR
• Cor: Colorido

O carismático líder Malcolm X (Denzel Washington), que durante sua adolescência descobriu o islamismo, teve seu pai assassinado por membros da Klu Klux Klan. Ele se torna um fervoroso religioso, criando um movimento de pacificação entre as raças. A luta pelos direitos dos negros tornou Malcolm X um dos mais importantes líderes afro-americanos da história.

616+ 659 MB/ AVI / IMDb / TRAILER

DOWNLOAD CD1 + DOWNLOAD CD2

Fogo Contra Fogo (1995): Pacino & DeNiro Juntos

2011-11-27T12:55:00.000-02:00

• Título Original: Heat
• Ano: 1995

• Direção: Michael Mann
• Roteiro: Michael Mann
• Gênero: Drama/Policial
• Origem: Estados Unidos
• Duração: 170 minutos
• Tipo: Longa-metragem
• Diáologo: Inglês
• Legenda: PT
• Cor: Colorido

Neil McCauley (Robert De Niro) é um ladrão especialista em grandes e arriscados roubos que passou muitos anos na prisão. Agora livre, pensa em nunca mais voltar. Porém acaba reunindo uma série de outros criminosos que cometem um assalto no valor de US$ 1,6 milhão, onde três policiais são mortos. Agora um detetive indignado assume o caso e pretende fazer tudo o que for possível para acabar com essa quadrilha, mesmo com poucas pistas.
Neil atribui parte de seu sucesso a uma decisão: não criar laços afetivos que não possa abandonar de uma hora pra outra. Do outro lado está Vincent Hanna (Al Pacino), um policial determinado a pegar McCauley e que vê sua vida pessoal afundar em problemas por se dedicar demais ao trabalho. Os dois são mais que inimigos: o trabalho de um desafia o trabalho do outro, faz com que ajam com mais cautela e com mais coragem, que tracem planos mais elaborados e inteligentes. O resultado é um filme de ação e suspense como poucos, no qual a presença de Al Pacino e Robert De Niro é apenas parte do espetáculo.
683MB / AVI / IMDB / TRAILER
DOWNLOAD

Discografia Soundgarden

2011-11-26T10:00:00.041-02:00

Soundgarden é uma banda de rock estadunidense formada em 1984, em Seattle, Washington e que, ao lado de Nirvana, Alice in Chains e Pearl Jam, constituiu-se como um dos principais representantes do movimento Grunge, incorporando, no entanto, uma maior variedade musical que as restantes bandas. Tal como Alice in Chains, Soundgarden exibe um componente mais pesado, principalmente na primeira metade da sua carreira, sendo muitas vezes considerada uma banda de Heavy Metal/Hard Rock, o que os diferencia de bandas mais comerciais como Nirvana e Pearl Jam.

Soundgarden foi a primeira banda a assinar com uma grande editora, mas só atingiu sucesso comercial no começo dos anos 90, devido à popularização do estilo.
A banda atingiu seu maior sucesso com o álbum de 1994 Superunknown, que estreou na primeira posição da Billboard e gerou os singles vencedores do Grammy, "Black Hole Sun" e "Spoonman". O grupo foi colocado como nº14 na lista de 100 Maiores Artistas do Hard Rock, da VH1.

Terminaram em 9 de abril de 1997 devido a brigas internas pela direção criativa da banda. Em 31 de dezembro de 2009 o site oficial da banda anunciou a reunião dos integrantes e sua volta, a notícia foi confirmada por Chris Cornell no Twitter, estando já em estúdio a trabalhar num novo álbum.
Discografia:

Ultramega OK (1988) : Download

Louder Than Love (1988) : Download

Screaming Life-Fopp (1990) : Download

Badmotorfinger (1991) : Download

Superunknown (1994) : Download

Down on The Upside (1996) : Download

A-Sides (1997) : Download

Brasil comemora o Dia Nacional de Ação de Graças nesta quinta-feira

2011-11-24T14:00:00.007-02:00

Celebração da data terá eventos públicos em seis estados do país
O Dia Nacional de Ação de Graças, celebrado no dia 24 de novembro (quinta-feira), é comemorado em vários países e cresce a cada ano no Brasil, com ações e eventos estimulados por empresas ou instituições. A data é instituída pela Lei Federal de nº 5.110 de 1949 e este ano será comemorada em seis estados: Pernambuco, Rio Grande do Norte, Maranhão, Brasília, Espírito Santo, Sergipe e Santa Catarina.
Para ajudar a destacar a data no calendário nacional, o Movimento de Regaste do Dia Nacional de Ação de Graças (DNAG) tem desenvolvido uma série de ações em busca da massificação do dia e para trazer orientações de como as pessoas podem comemorar. No Brasil, o dia é celebrado na quarta quinta-feira de novembro, seguindo o que foi instituído pelo presidente Eurico Gaspar Dutra, em 1949.
“Precisamos multiplicar a cultura do agradecimento para fazermos do Brasil um país melhor. É um sentimento que envolve ainda ação social e ajuda a promover a paz”, diz Jonas Alvarenga, presidente do Comitê Nacional de Resgate do Dia de Ação de Graças, movimento criado em 2006 com a proposta de estimular a união de pessoas e instituições com o objetivo de agradecer.
O movimento une organizações privadas, públicas e religiosas de diversos credos e tem como lema: “Digamos sempre obrigado, pois não conquistamos nada sozinhos”. Além do apoio de empresas privadas e instituições e do poder público, o movimento conta com a adesão nacional dos Correios e do Exército, que tem ajudado na arrecadação e distribuição de donativos no Nordeste. “Outro propósito nosso é incentivar as pessoas a fazerem ação social em prol dos menos favorecidos”, completa Alvarenga.

Nota: Hoje à noite desfrutarei e agradecerei com minha esposa em nosso jantar de ação de graças, peito de peru com batatas no forno, arroz, chucrute com purê de maçã.

Discografia Alice in Chains

2011-11-24T10:00:00.035-02:00

Alice in Chains foi uma das mais famosas 'bandas de Seattle', e retornou à atividade em 2009, para lançar seu novo álbum. Aí vão os links para download:

Facelift (1990) : Download

Dirt (1992) : Download

Sap (1992) : Download

Jar of Files (1994) : Download

Alice in Chains (1995) : Download

MTV Unplugged (1996) : Download

Criadores do Pirate Bay são condenados à prisão

2011-11-23T22:42:00.000-02:00

A noticia não é nova, mas é interessante pra quem faz downloads via torrent.

O site Pirate Bay é um dos mais utilizados sites para download do mundo. Possui uma vasta quantidade de arquivos em torrent, facilitando a vida de muitos que precisam encontrar um álbum ou filme antigo.
Porém, hoje, os 4 criadores do site foram condenados à prisão num tribunal sueco. A Suécia não possui legislação que proíba o compartilhamento de arquivos pela internet, mas sob pressão estadunidense, acabaram por condenar os réus, que já haviam sido julgados em 2009.
Por enquanto, o site continua no ar, mas resta a dúvida de por quanto tempo. Tal atitude demonstra que há uma grande resistência dos governos contra sites que disponibilizam conteúdo gratuitamente na internet; em contrapartida, a grande quantidade de internautas que colaboram com a democratização da cultura torna impossível a paralização do processo já dito.
Dessa forma, o mais provável é que muitos links continuem a ser removidos, mas estes serão sempre consertados, principalmente com a colaboração do leitor, que pode sempre avisar-nos quando links estiverem off.
Para quem quiser conferir os downloads disponíveis no Pirate Bay, aí vai o link : The Pirate Bay

Lollapalooza Brasil: cartaz revela prováveis atrações

2011-11-22T13:14:00.000-02:00

Sobre os Estudantes da USP - Bancários SP

2011-11-21T10:00:00.000-02:00

“So, understand! You waste your time always searching for those wasted years!
Face up! Make your stand! And realize your living in the golden years!”

“Então, entenda! Você perde seu tempo sempre buscando por aqueles anos perdidos!
Encare! Tome uma posição! E perceba que você está vivendo nos anos dourados!”

Iron Maiden, “Wasted Years”
_________________________________________
MOÇÃO DE APOIO À LUTA DOS ESTUDANTES DA USP

Na manhã do dia 8 de novembro a tropa de choque da PM, com um contingente de 400 soldados, invadiu o campus da USP para retirar os estudantes que haviam ocupado a reitoria da universidade. Com força desproporcional e abusos foram detidos 73 estudantes e apoiadores (que não apresentaram resistência), obrigados a pagar fiança e ameaçados de processo criminal.
Os meios de comunicação em uníssono condenaram a ocupação, apresentando os estudantes como vândalos interessados apenas em fumar maconha. Uma massiva campanha de difamação foi desencadeada contra o movimento de ocupação, descaracterizando a luta e seus objetivos. O governo estadual, a reitoria e a PM foram apresentados como defensores da ordem e da segurança.
Os meios de comunicação que procedem um verdadeiro linchamento contra os estudantes esquecem de mencionar que havia negociação marcada entre os estudantes e a reitoria para a quarta-feira 9/10, mas o reitor optou por romper o diálogo e partir para uma medida de força.
Rejeitamos essa abordagem superficial dos fatos e repudiamos a ação repressiva da PM. Podemos eventualmente discordar de algumas das táticas, métodos e propostas dos estudantes, mas reconhecemos a justeza de sua luta e apresentamos nossa solidariedade irrestrita ao movimento.
O ato de ocupar um prédio público é considerado violento, mas não se questiona a violência que representa contra a universidade a presença da PM e todo o atual projeto de gestão em curso. A ocupação da reitoria foi o método escolhido para protestar contra a presença da PM no campus da universidade. O pretexto para o convênio que há alguns meses autorizou a PM a entrar na USP foi a questão da segurança, devido aos crimes na Cidade Universitária. Entretanto, a PM não estava lá para reprimir o crime e sim para perseguir os estudantes. Policiais abordavam estudantes sem qualquer critério, revistando, humilhando, esculachando, criando um clima de terror e intimidação digno dos tempos da ditadura militar. A questão que deveria estar em foco não é o porte de maconha por alguns estudantes, mas o retrocesso que significa para a autonomia universitária a presença de uma tropa policial no campus.
O verdadeiro objetivo da reitoria é impedir as lutas dos estudantes e funcionários (que por sua vez são perseguidos por meio de processos arbitrários e demissões ilegais de dirigentes sindicais), que estão enfrentando o sucateamento da universidade e sua privatização por meio de fundações e convênios com grandes empresas. Faltam professores, equipamentos e recursos em várias faculdades, enquanto outras firmam lucrativas (e obscuras) parcerias com grandes empresas, as quais beneficiam apenas a cúpula da burocracia universitária. Não são os estudantes que depredam o patrimônio público da universidade, mas grandes empresas que se apropriam do conhecimento gerado na USP.
Sabemos que é necessário discutir o problema da segurança na USP e que podem ser adotadas medidas como melhorias na iluminação noturna, mais ônibus circulares, uma guarda universitária reformulada (que não seja terceirizada, mas concursada, com gestão partilhada com estudantes e funcionários). Mas a segurança, ou falta dela, são problemas do conjunto da sociedade e não exclusivos da USP.
Não é com mais polícia que se combate o crime, mas com a redução da pobreza. E os verdadeiros criminosos não são os estudantes que ocupam um prédio público, mas os políticos corruptos, responsáveis diretos pela miséria. Esses criminosos são muito mais nefastos que um usuário de maconha, independentemente da posição que se tenha sobre a legalização ou não da droga. Há inclusive denúncias de corrupção no interior da própria USP, as quais nunca são apuradas.
Por isso, toda solidariedade à luta dos estudantes! Contra a reitoria e seu projeto privatista de universidade!
• Fim do convênio da USP com a polícia militar. Fora a PM do campus!
• Retirada dos processos persecutórios contra estudantes, trabalhadores e professores da USP!
• Pelo fim dos processos criminais contra os estudantes que participaram da ocupação!
• Fora Rodas! Por uma gestão democrática na USP! Por uma forma democrática de eleição da direção!
• Não aos projetos de privatização nas universidades públicas!

Coletivo Bancários de Base – São Paulo

Pink Floyd Discovery Box Set - 14 Albuns (2011)

2011-11-20T10:00:00.076-02:00

Download musicas Pink Floyd Discovery Box Set
A coleção Discovery do Pink floyd com 14 álbuns em excelente qualidade (320 kb), todos com as capas em HD.
Desde 1967, o Pink Floyd criou um dos acervos mais espetaculares e duradouros da história do rock.
Os seus 14 álbuns de estúdio originais foram remasterizados digitalmente por James Guthrie (co-produtor de The Wall) e estão agora disponíveis numa edição única, que inclui 14 álbuns remasterizados do Pink Floyd:

• The Piper At The Gates Of Dawn
• A Saucerful Of Secrets
• More
• Ummagumma
• Atom Heart Mother
• Meddle
• Obscured By Clouds
• The Dark Side Of The Moon
• Wish You Were Here
• Animals
• The Wall
• The Final Cut
• A Momentary Lapse Of Reason
• The Division Bell

Tracklist:

1967 – The Piper At The Gates Of Dawn

01. Astronomy Domine 04:12
02. Lucifer Sam 03:07
03. Matilda Mother 03:08
04. Flaming 02:46
05. Pow R. Toc H. 04:26
06. Take Up Thy Stethoscope And Walk 03:06
07. Interstellar Overdrive 09:40
08. The Gnome 02:13
09. Chapter 24 03:42
10. Scarecrow 02:11
11. Bike 03:23

1968 – A Saucerful Of Secrets

01. Let There Be More Light 05:38
02. Remember A Day 04:32
03. Set The Controls For The Heart Of The Sun 05:27
04. Corporal Clegg 04:12
05. A Saucerful of Secrets 11:56
06. See-Saw 04:36
07. Jugband Blues 03:00

1969 – More

01. Cirrus Minor 05:18
02. The Nile Song 03:26
03. Crying Song 03:33
04. Up The Khyber 02:12
05. Green Is The Colour 02:58
06. Cymbaline 04:49
07. Party Sequence 01:08
08. Main Theme 05:26
09. Ibiza Bar 03:19
10. More Blues 02:12
11. Quicksilver 07:13
12. A Spanish Piece 01:05
13. Dramatic Theme 02:18

1969 – Ummagumma

Disc One – Live Album
01. Astronomy Domine 08:32
02. Careful With That Axe, Eugene 08:49
03. Set The Controls For The Heart Of The Sun 09:27
04. A Saucerful Of Secrets 12:51

Disc Two – Studio Album

Sysyphus:
01. Part One 01:09
02. Part Two 03:30
03. Part Three 01:49
04. Part Four 06:59
05. Grantchester Meadows 07:27
06. Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together
In A Cave And Grooving With A Pict 04:58
The Narrow Way:
07. Part One 03:28
08. Part Two 02:53
09. Part Three 05:57
The Grand Vizier´s Garden Party:
10. Part One – Entrance 00:59
11. Part Two – Entertainment 07:05
12. Part Three – Exit 00:41

1970 – Atom Heart Mother

01. Atom Heart Mother 23:42
a) Father’s Shout
b) Breast Milky
c) Mother Fore
d) Funky Dung
e) Mind Your Throats Please
f) Remergence
02. If 04:30
03. Summer ´68 05:28
04. Fat Old Sun 05:23
05. Alan´s Psychedelic Breakfast 13:01
a) Rise And Shine
b) Sunny Side Up
c) Morning Glory

1971 – Meddle

01. One Of These Days 05:55
02. A Pillow Of Winds 05:12
03. Fearless 06:08
04. San Tropez 03:43
05. Seamus 02:14
06. Echoes 23:34

1972 – Obscured By Clouds

01. Obscured By Clouds 03:05
02. When You´re In 02:31
03. Burning Bridges 03:30
04. The Gold It´s In The… 03:07
05. Wots…Uh The Deal 05:09
06. Mudmen 04:17
07. Childhood´s End 04:33
08. Free Four 04:16
09. Stay 04:07
10. Absolutely Curtains 05:52

1973 – The Dark Side Of The Moon

01. Speak To Me 01:07
02. Breathe 02:49
03. On The Run 03:45
04. Time 06:53
05. The Great Gig In The Sky 04:44
06. Money 06:23
07. Us And Them 07:49
08. Any Colour You Like 03:26
09. Brain Damage 03:46
10. Eclipse 02:12

1975 – Wish You Were Here

01. Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5) 13:32
02. Welcome To The Machine 07:31
03. Have A Cigar 05:07
04. Wish You Were Here 05:34
05. Shine On You Crazy Diamond (Parts 6-9) 12:29

1977 – Animals

01. Pigs On The Wing 1 01:25
02. Dogs 17:05
03. Pigs (Three Different Ones) 11:26
04. Sheep 10:18
05. Pigs On The Wing 2 01:28

1979 – The Wall
Disc One

01. In The Flesh? 03:20
02. The Thin Ice 02:26
03. Another Brick In The Wall, Part 1 03:11
04. The Happiest Days Of Our Lives 01:50
05. Another Brick In The Wall, Part 2 03:58
06. Mother 05:34
07. Goodbye Blue Sky 02:47
08. Empty Spaces 02:07
09. Young Lust 03:29
10. One of My Turns 03:36
11. Don´t Leave Me Now 04:15
12. Another Brick In The Wall, Part 3 01:14
13. Goodbye Cruel World 01:17

Disc Two

01. Hey You 04:40
02. Is There Anybody Out There? 02:41
03. Nobody Home 03:22
04. Vera 01:33
05. Bring The Boys Back Home 01:27
06. Comfortably Numb 06:22
07. The Show Must Go On 01:36
08. In The Flesh 04:15
09. Run Like Hell 04:23
10. Waiting For The Worms 03:57
11. Stop 00:30
12. The Trial 05:18
13. Outside The Wall 01:46

1983 – The Final Cut

01. The Post War Dream 03:00
02. Your Possible Pasts 04:26
03. One Of The Few 01:13
04. When The Tigers Broke Free 03:15
05. The Hero´s Return 02:42
06. The Gunner´s Dream 05:18
07. Paranoid Eyes 03:41
08. Get Your Filthy Hands Off My Desert 01:16
09. The Fletcher Memorial Home 04:10
10. Southampton Dock 02:12
11. The Final Cut 04:42
12. Not Now John 05:01
13. Two Suns In The Sunset 05:18

1987 – A Momentary Lapse Of Reason

01. Signs Of Life 04:23
02. Learning To Fly 04:52
03. The Dogs Of War 06:03
04. One Slip 05:08
05. On The Turning Away 05:41
06. Yet Another Movie 06:13
07. Round And Around 01:13
08. A New Machine Part 1 01:45
09. Terminal Frost 06:15
10. A New Machine Part 2 00:39
11. Sorrow 08:46

1994 – The Division Bell

01. Cluster One 05:56
02. What Do You Want From Me 04:21
03. Poles Apart 07:03
04. Marooned 05:29
05. A Great Day For Freedom 04:17
06. Wearing the Inside Out 06:49
07. Take It Back 06:12
08. Coming Back To Life 06:19
09. Keep Talking 06:10
10. Lost For Words 05:13
11. High Hopes 08:34

LINKS:
http://www.fileserve.com/file/UeS5TaG
http://www.fileserve.com/file/5NrXFeJ
Nota: baixe as 2 partes do arquivo rar e depois descompresse os álbuns.
Estão todos perfeitos, menos a música Sorrow do A Momentary Lapse of Reason, pegue o album ok aqui:
http://www.filesonic.com/file/3154966705/Pink_Floyd_-_A_Momentary_Lapse_Of_Reason_[Discovery_Edition]_(2011).rar

A Foot In The Door-The Best Of Pink Floyd (2011)

Year Of Release: 2011
Genre: Progressive Rock
Label: EMI Records
Quality: MP3
Bitrate: VBR236kbps
Total Time: 01:19:29
Total Size: 136 MB

Tracklist:

1. Hey You 4:40
2. See Emily Play 2:48
3. The Happiest Days Of Our Lives 1:32
4. Another Brick In The Wall (Part 2) 3:48
5. Have A Cigar 5:08
6. Wish You Were Here 5:05
7. Time 6:20
8. The Great Gig In The Sky 4:36
9. Money 6:34
10. Comfortably Numb 6:19
11. High Hopes 6:55
12. Learning To Fly 4:49
13. The Fletcher Memorial Home 4:11
14. Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5) 11:05
15. Brain Damage 3:46
16. Eclipse 1:53
Links: http://filebeep.com/68pzhb7d1wsd/PiFloy.rar.html
http://www.megaupload.com/?d=ERSB81JM
http://www.fileserve.com/file/8KwhAdV

Black Sabbath - Reunion Live 1998

2011-11-19T10:00:00.002-02:00

Black Sabbath - Reunion (Live) (1998 Epic/Sony Music UK)
Disco 1

"War Pigs" – 8:28
"Behind the Wall of Sleep" – 4:07
"N.I.B." – 6:45
"Fairies Wear Boots" – 6:19
"Electric Funeral" – 5:02
"Sweet Leaf" – 5:07
"Spiral Architect" – 5:40
"Into the Void" – 6:32
"Snowblind" – 6:08

Disco 2

"Sabbath Bloody Sabbath" – 4:36
"Orchid/Lord of This World" – 7:07
"Dirty Women" – 6:29
"Black Sabbath" – 7:29
"Iron Man" – 8:21
"Children of the Grave" – 6:30
"Paranoid" – 4:28
"Psycho Man" (Osbourne, Iommi)(inédita) – 5:18
"Selling My Soul" (Osbourne, Iommi)(ínédita) – 3:10

Ano: 1998
Tamanho: CD1: 49.1MB | CD2: 70MB

CD1 | CD2

Em 1997, a formação original do Sabbath anuncia turnê e disco com faixas inéditas. As primeiras apresentações da reunião ainda se deram com Mike Bordin (ex-Faith No More, Ozzy) na bateria, o que gerou certos aborrecimentos para Bill Ward. Ozzy e Tony, em algumas entrevistas, disseram que devido à sua performance no show do Brasil, o baterista não teria mais condições de tocar um show inteiro. Talvez envergonhados pela situação, Tony e Ozzy chamam o velho companheiro e gravam os dois primeiros shows com ele na bateria para o disco Reunion.
Álbum duplo lançado em 1998, com encarte de luxo e duas canções novas da formação original quase vinte anos após a separação. Muito se diz que as gravações foram refeitas em estúdio, usando pro-tools e toda a teconlogia moderna disponível, mas com esta “coletânea” fica difícil querer falar mal. Destaques para as não-arroz-de-festa “Behind The Wall Of Sleep”, “Spiral Architect”, “Fairies Wear Boots” e “Dirty women”.
Jás as duas faixas inéditas “Psycho Man” e “Selling My Soul” são meio que dispensáveis. Não agregam em nada à carreira da banda e acabam parecendo faixas de lado b de algum single do Ozzy se não fosse pela SG de Iommi. Curiosidade, Geezer em uma entrevista deixou bem claro que a bateria de “Selling My Soul” foi gravada por Mr. Roland (bateria eletrônica) e que Bill Ward só teve conhecimento desta segunda canção quando o disco foi lançado comercialmente.
Após a turnê de Reunion, foi anunciado que a banda entraria em estúdio para gravar um disco novo com a formação original. O plano logo veio abaixo quando Ozzy desistiu por achar o material apresentado por seus companheiros “fraco e bobo”, enquanto os demais deixaram bem claro que não eram “a banda de apoio” de Ozzy e queriam seu envolvimento direto com a banda. Eles chegaram a tocar uma nova, chamada “Scary Dreams” num dos últimos shows.
Mas depois da notícia da nova reunião da banda dia 11/11/11, da turnê 2012 e finalmente do disco de inéditas produzido por Rick Rubin, devemos agradecer que mesmo com todos os contratempos, o Black Sabbath é realmente 'Die Hard', duro de matar, ainda bem, veremos como eles vão soar depois de tantos anos sem trabalhar juntos num estúdio.

Black Sabbath: Fotos e Videos da Reunião dia 11/11/11

2011-11-18T10:00:00.004-02:00

De acordo com o tablóide britânico The People, o Black Sabbath deve arrecadar um valor em torno de 100 milhões de libras (equivalente a 280 milhões de reais) com a nova turnê e disco.
No acerto entre os músicos, ficou combinado que tudo será dividido em partes iguais, com nenhum membro ganhando mais. O primeiro show confirmado acontece no Download Festival, em Donnington, dia 10 de junho do ano que vem.

Acabou-se o mistério! Assim como eu, muitos fãs da banda estavam ansiosos por este dia 11/11/11, onde o Black Sabbath anunciou em Los Angeles a reunião da formação original do grupo. As primeiras imagens em fotos, tiradas durante a coletiva no Whisky A Go-Go, foram divulgadas. A primeira foto foi tirada pela própria filha de Ozzy, Kelly Osbourne. Ozzy Osbourne (Vocal), Tony Iommi (Guitarra), Geezer Butler (Baixo) e Bill Ward (Bateria), esses caras estão juntos, e o Black Sabbath está de volta:

The Cure lança novo disco ao vivo em Dezembro

2011-11-17T10:00:00.018-02:00

Sai dia 6 de dezembro o novo o vivo do The Cure. O disco, duplo, foi gravado na edição desse ano do Bestival, que aconteceu nos dias 8, 9 e 10 de setembro na lendária Ilha de Wight, na Inglaterra, evento no qual o Cure foi a principal atração.

Confira abaixo o extenso tracklist de Bestival Live 2011, que conta com 32 músicas:

CD 1

Plainsong
Open
Fascination Street
A Night Like This
The End of the World
Lovesong
Just Like Heaven
The Only One
The Walk
Push
Friday I'm in Love
In Between Days
Play for Today
A Forest
Primary
Shake Dog Shake

CD 2

The Hungry Ghost
One Hundred Days
End
Disintegration
Lullaby
The Lovecats
The Caterpillar
Close to Me
Hot Hot Hot!!!
Let's Go to Bed
Why Can't I Be You?
Boys Don't Cry
Jumping Someone Else's Train
Grinding Halt
10:15 Saturday Night
Killing Another

Especial New Order 4 - Projetos dos integrantes

2011-11-16T10:00:00.031-02:00

Electronic

A primeira gravação do grupo foi Getting Away With It, em dezembro de 1989 e contava, também, com Neil Tennant do Pet Shop Boys nos vocais. O single foi bem nas paradas inglesas e norte-americanas, chegando ao quarto lugar na parada Modern Rock e em sétimo na de dance music. Apesar disso a banda se separou por dois anos. Tennant e Sumner voltaram para suas respectivas bandas e Johnny Marr começou a trabalhar com vários músicos britânicos, aparecendo em discos do The The e de Billy Bragg.

Electronic (Parlophone/WB, 1991)

01. Idiot Country
02. Reality
03. Tighten Up
04. The Patience Of A Saint
05. Getting Away With It
06. Gangster
07. Soviet
08. Get The Message
09. Try All You Want
10. Some Distant Memory
11. Feel Every Beat

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Raise The Pressure (Parlophone/WB, 1996)

01 - Forbidden City
02 - For You
03 - Dark Angel
04 - One Day
05 - Until The End Of Time
06 - Second Nature
07 - If You've Got Love
08 - Out Of My League
09 - Interlude
10 - Freefall
11 - Visit Me
12 - How Long
13 - Time Can Tell

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Twisted Tenderness (Koch Records, 1999)
Disco 1

01 - Make It Happen
02 - Haze
03 - Vivid
04 - Breakdown
05 - Can't Find My Way Home
06 - Twisted Tenderness
07 - Like No Other
08 - Late at Night
09 - Prodigal Son
10 - When She's Gone
11 - Flicker

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Disco 2

01 - King For A Day
02 - Warning Sign
03 - Make It Happen (Remix)
04 - Haze (Alternative Mix)
05 - Prodigal Son (Star In Your Own Mind Mix)
06 - Radiation
07 - Prodigal Son (Touched By The Hand Of Inch)
08 - Prodigal Son (Two Lonesome Swordsmen)
09 - Prodigal Son (Harveys Greatly Deluded Mix)
10 - Come Down (Cevin Fisher Mix)

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Revenge

Revenge foi uma banda formada por Peter Hook (vocal, baixo, teclados) , o cantor Rawhead Davyth Hicks (Dave Hicks) na guitarra e vocal, e Chris Jones (teclados). Formado após um hiato do New Order entre 1989 e 1990, e alguns shows finais em Janeiro de 1993. Após o álbum "One True Passion" ser lançado, a banda foi acompanhado no palco por David Potts (baixo e guitarra) e Ash Taylor na bateria.

One True Passion (Factory, 1990)

01 - Pineapple Face
02 - Big Bang
03 - Kiss the Chrome
04 - Slave
05 - Bleachman
06 - Surf Nazi
07 - 7 Reasons
08 - Fag Hag
09 - It's Quiet

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Monaco

A banda Monaco foi formada em 1995 como um projeto paralelo ao New Order, por Peter Hook e David Potts. O primeiro disco, Music for Pleasure, de 1997, trazia o hit What do you Want from me?, maior sucesso da curta carreira da banda. A dupla encerrou os trabalhos em 2000, depois do segundo disco ser lançado e não fazer barulho algum.

Music For Pleasure (Polydor, 1997)

01 - What Do You Want From Me?
02 - Shine
03 - Sweet Lips
04 - Buzz Gum
05 - Blue
06 - Junk
07 - Billy Bones
08 - Happy Jack
09 - Tender
10 - Under The Stars
11 - Sedona

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Monaco (Papillion/Chrysalis:EMI, 2000)

01 - I've Got A Feeling
02 - A Life Apart
03 - Kashmere
04 - Bert's Theme
05 - Ballroom
06 - See-Saw
07 - Black Rain
08 - It's A Boy
09 - End Of The World
10 - Marine

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The Other Two

The Other Two é a dupla formada por Gillian Gilbert (vocais, guitarra e sintetizadores) e Stephen Morris (bateria, sintetizadores), respectivamente tecladista e baterista do New Order. O casal é veterano na produção de trilhas sonoras para as TVs britânica e estadunidense, mais notadamente para o programa America´s Most Wanted, do grupo 20th Century Fox, entre outros.
No início da década de 90, após Bernard Sumner e Peter Hook alcançarem as paradas com os seus próprios projetos paralelos, Electronic e Revenge (embrião do Monaco), Gillian e Stephen decidiram gravar eles mesmos o seu primeiro single, Tasty Fish (lançado ainda pela Factory Records em 1991). Com a ironia que lhes é peculiar, batizaram seu novo grupo como The Other Two (“Os Outros Dois”), em alusão aos seus colegas mais populares do New Order.
O primeiro álbum, The Other Two & You, foi lançado pela London Records em novembro de 1993, acompanhando o single Selfish. Um outro single, Innocence, saiu apenas em vinil pela Qwest Records EUA, em fevereiro de 1995. Após um intervalo de seis anos, a dupla retornou na Inglaterra com o segundo álbum, Superhighways, cujo primeiro single, You Can Fly foi inexplicavelmente cancelado. Entretanto, em junho de 1999, lançaram o single Superhighways, não conseguindo obter grande repercussão na mídia.
The Other Two & You (Qwest, 1993)

01 - Tasty Fish
02 - The Greatest Thing
03 - Selfish
04 - Movin' On
05 - Ninth Configuration
06 - Feel This Love
07 - Spirit Level
08 - Night Voice
09 - Innocence
10 - Loved It (The Other Track)

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Super Highways (Qwest, 1999)

01 - You Can Fly
02 - Super Highways
03 - The River
04 - One Last Kiss
05 - Voytek
06 - Unwanted
07 - New Horizons
08 - Cold Feet
09 - The Grave
10 - Hello
11 - Ripple
12 - Wierd Woman

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Bad Lieutenant

Bad Lieutenant é a banda formada pelos integrantes do New Order menos o baixista encrenqueiro Peter Hook, mais o guitarrista Jake Evans.
A banda lançou sua primeira música de trabalho no Myspace: “Sink or swim”, que é bem empolgante e traz uma sonoridade bem, hã, New Order, só que sem o lado eletrônico que ficou marcante na “banda-mãe” do Bad Lieutenant.
Seu disco de estréia, Never Cry Another Tear, foi lançado dia 5 de outubro de 2009 e tem participação do baixista do Blur, Alex James, que também fará parte da formação da banda em apresentações ao vivo.

Never Cry Another Tear ( Triple Echo Records, 2009)

01 - Sink Or Swim
02 - Twist Of Fate
03 - Summer Days
04 - This Is Home
05 - Running Out Of Luck
06 - Dynamo
07 - Poisonous Intent
08 - These Changes
09 - Walk On Silver Water
10 - Shine Like The Sun
11 - Runaway
12 - Head Into Tomorrow
13 - Falling Trees
14 - Split The Atom

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Freebass

Freebass é uma banda formada por três baixistas: Andy Rourke (The Smiths), Peter Hook (Joy Division, New Order e Monaco) e Gary "Mani" Mounfield (The Stone Roses, Atual Primal Scream). Tambem se inclui o cantor Gary Briggs (Haven).

A idéia de formar uma banda centralizado em torno de três baixistas saiu em uma noite de embriaguez e foi iniciado por Hook e Mani como “uma reação porque o nosso grupo New Order e Primal Scream haviam sidos paralisados”. Em uma entrevista final de 2005 com o NME Peter Hook afirmou que todas as músicas têm três contrabaixos; “Mani faz a parte de baixo, Andy Rourke no meio e eu faço o pouco alto … ele funciona muito bem”. Em 2006 a banda gravou a música-tema para o Channel 4 Radio, programa The Tube, uma faixa instrumental chamada “The Tower”

O album debut foi lançado no dia 26 de abril de 2010.

Two Worlds Collide Ep (Haçienda Records, 2010)

01 - Intro

02 - You Don't Know This About Me (feat. Tim Burgess)
03 - The Milky Way Is Our Playground (feat. Pete Wylie)
04 - Dark Starr (feat. Howard Marks)
05 - Live Tomorrow You Go Down (feat. Peter Hook)
06 - Thats Life

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It's A Beautiful Life (Haçienda Records, 2010)

01 - Not Too Late
02 - The Only Ones Alone
03 - Lady Violence
04 - World Won't Wait
05 - Kill Switch, Pt. 141
06 - Stalingrad
07 - Secrets and Lies
08 - She Said
09 - The God Machine
10 - Plan B
11 - I'm a Believer [*]
12 - Bury Me Standing [*]
13 - Sister Surrender [*]

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Especial New Order 3 - Discografia Oficial

2011-11-15T10:00:00.004-02:00

Movement (Collector's Edition) Factory, 1981

Disco 1
01 - Dreams Never End
02 - Truth
03 - Senses
04 - Chosen Time
05 - ICB
06 - The Him
07 - Doubts Even Here
08 - Denial

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Disco 2
01 - Ceremony
02 - Temptation [7 Inch Version]
03 - In a Lonely Place
04 - Everything's Gone Green
05 - Procession
06 - Cries and Whispers
07 - Hurt
08 - Mesh
09 - Ceremony [Alternate Version]
10 - Temptation [12 Inch Version]

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Power, Corruption & Lies (Collector's Edition) Factory, 1983

Disco 1
01 - Age Of Consent
02 - We All Stand
03 - The Village
04 - 5 8 6
05 - Your Silent Face
06 - Ultraviolence
07 - Ecstasy
08 - Leave Me Alone

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Disco 2
01 - Blue Monday
02 - The Beach
03 - Confusion
04 - Thieves Like Us
05 - Lonesome Tonight
06 - Murder
07 - Thieves Like Us [Instrumental]
08 - Confusion [Alternate Version] [Instrumental]

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Low-Life (Collector's Edition) Factory, 1985

Disco 1
01 - Love Vigilantes
02 - The Perfect Kiss
03 - This Time of Night
04 - Sunrise
05 - Elegia
06 - Sooner Than You Think
07 - Sub-Culture
08 - Face Up

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Disco 2
01 - The Perfect Kiss
02 - Sub-Culture
03 - Shellshock [John Robie Remix]
04 - Shame of the Nation
05 - Elegia
06 - Let's Go
07 - Salvation Theme
08 - Dub Vulture

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Brotherhood (Collector's Edition) Factory, 1986

Disco 1
01 - Paradise
02 - Weirdo
03 - As It Is When It Was
04 - Broken Promise
05 - Way of Life
06 - Bizarre Love Triangle
07 - All Day Long
08 - Angel Dust
09 - Every Little Counts

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Disco 2
01 - State of the Nation
02 - Bizarre Love Triangle
03 - 1963
04 - True Faith [Shep Pettibone Remix]
05 - Touched by the Hand of God
06 - Blue Monday '88
07 - Evil Dust
08 - True Faith [True Dub]
09 - Beach Buggy

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Substance 1987 (Factory, 1987)

Disco 1
01 - Ceremony
02 - Everything's Gone Green
03 - Temptation
04 - Blue Monday
05 - Confusion
06 - Thieves Like Us
07 - Perfect Kiss
08 - Subculture
09 - Shellshock
10 - State Of The Nation
11 - Bizarre Love Triangle
12 - True Faith

Disco 2
01 - In A Lonely Place
02 - Procession
03 - Mesh
04 - Hurt
05 - The Beach
06 - Confusion Instrumental
07 - Lonesome Tonight
08 - Murder
09 - Thieves Like Us Instrumental
10 - Kiss Of Death
11 - Shame Of The Nation
12 - 1963

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Technique (Collector's Edition) Factory ,1989

Disco 1
01 - Fine Time
02 - All the Way
03 - Love Less
04 - Round & Round
05 - Guilty Partner
06 - Run
07 - Mr. Disco
08 - Vanishing Point
09 - Dream Attack

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Disco 2
01 - Don't Do It
02 - Fine Line
03 - Round & Round
04 - Best & Marsh
05 - Run 2
06 - MTO
07 - Fine Time [Silk Mix]
08 - Vanishing Point [Instrumental]
09 - World in Motion [Calbinieri Mix]

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Republic (London Records, 1993)

01 - Regret
02 - World
03 - Ruined In A Day
04 - Spooky
05 - Everyone Everywhere
06 - Young Offender
07 - Liar
08 - Chemical
09 - Times Change
10 - Special
11 - Avalanche

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Get Ready (London Records, 2001)

01 - Crystal
02 - 60 Miles an Hour
03 - Turn My Way
04 - Vicious Streak
05 - Primitive Notion
06 - Slow Jam
07 - Rock the Shack
08 - Someone Like You
09 - Close Range
10 - Run Wild

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Waiting For The Sirens' Call (London Records, 2005)

01 - Who's Joe
02 - Hey Now What You Doing
03 - Waiting for the Sirens' Call
04 - Krafty
05 - I Told You So
06 - Morning Night and Day
07 - Dracula's Castle
08 - Jetstream
09 - Guilt Is A Useless Emotion
10 - Turn
11 - Working Overtime

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Singles (London Records, 2005)

Disco 1
01 - Ceremony 4:39
02 - Procession 4:29
03 - Everything's Gone Green 4:10
04 - Temptation 5:24
05 - Blue Monday 7:26
06 - Confusion 4:56
07 - Thieves Like Us 3:57
08 - The Perfect Kiss 4:51
09 - Sub-Culture 3:26
10 - Shellshock 4:24
11 - State Of The Nation 3:32
12 - Bizarre Love Triangle 4:22
13 - True Faith 5:54
14 - 1963 (Arthur Baker Mix) 4:21
15 - Touched By The Hand Of God 3:43

Disco 2
01 - Blue Monday '88 4:09
02 - Fine Time 3:10
03 - Round And Round 4:00
04 - Run 4:31
05 - World In Motion 4:32
06 - Regret 4:10
07 - Ruined In A Day 3:58
08 - World (The Price Of Love) 3:40
09 - Spooky 3:45
10 - Crystal 4:21
11 - 60 Miles An Hour 3:50
12 - Here To Stay 3:57
13 - Krafty 3:47
14 - Jetstream 3:44 Vocals [Featuring] – Ana Matronic
15 - Waiting For The Sirens' Call 3:52
16 - Turn 4:13
17 - Temptation (Secret Machines Remix) 4:37

http://www.wupload.com/file/69305194/New.Order.Singles.part1.rar
http://www.wupload.com/file/69305195/New.Order.Singles.part2.rar
http://www.wupload.com/file/69305196/New.Order.Singles.part3.rar
http://www.wupload.com/file/69305197/New.Order.Singles.part4.rar

Site Oficial: http://www.neworderonline.com/

Especial New Order 2 - Ao Vivo Via Funchal SP, 13-14/11/2006

2011-11-14T10:00:00.078-02:00

RECORDAÇÕES EM ORDEM: A VOLTA DO NEW ORDER AO BRASIL

Depois de 18 anos da primeira apresentação (e até agora única) no Brasil em novembro e dezembro de 1988, muita espera para os fãs, o New Order se apresentou em São Paulo nos dias 13 e 14 de novembro, nos shows que certamente podem ser considerados sem dúvida entre os melhores de 2006, quem sabe até os melhores shows de nossas vidas. Hoje já se passou 5 anos daquele show memorável... Fomos eu e meu camarada e brother Herbert, vejam na foto acima.

Música eletrônica de primeira qualidade que teve a honra de lotar o Via Funchal em São Paulo por dois dias consecutivos, com ingressos esgotados. Mais de 15 mil fãs numa segunda e terça-feira pagaram em torno de 150 reais para ver os gênios do New Order e ouvir ao vivo as músicas que marcaram suas vidas. Foi realmente emocionante.

Depois de quase uma hora de atraso em ambas as apresentações, dia 14 fizeram a abertura com Crystal, logo depois incendiaram a pista com Regret e mantiveram o ritmo crescente com o segmento Joy Division do show, com Ceremony,Twenty Four Hours, These Days, Transmission, passando para fase atual com as deliciosas pop songs Krafty e a faixa título do álbum de 2005, Waiting For The Siren’s Call, chegando ao auge da noite com a seqüência clássica dos anos 80, Your Silent Face, True Faith (com novo arranjo, que eles tocam desde 1998), Bizarre Love Triangle, Temptation e The Perfect Kiss mixada com Blue Monday. Melhor impossível!

No primeiro bis, emenda do passado Joy Division com Atmosphere com o presente de Turn. Fechando com show com chave de ouro, o clássico da melancolia romântica de Love Will Tear us Apart, do Joy Division, banda da qual o New Order carrega o DNA após a morte do vocalista Ian Curtis, homenageado nas diversas músicas da banda sendo tocadas em ambos os shows.

No segundo show do dia 14/11, com a impressão do primeiro dia em que apareceram também fãs do JD, aumentaram a dose de Joy Division. Não faltou também um pouco do “brit guitar rock” atual para os descolados que dividiram a pista com os fãs inveterados na faixa dos 30 que era com certeza a maioria do público. Esses fãs de carteirinha do New Order com certeza foram ao delírio com a maravilhosa Your Silent Face, a primeira sonoridade Kraftwerkiana, música que abria o ápice do show - de Your Silent Face a Blue Monday, quando nós pudemos relembrar os melhores momentos de nossas vidas.

Bernard Sumner continua com aquela voz de adolescente mesmo com 50 anos, que nunca foi de soltar vozeirão e nunca tentou ser um Mick Jagger ou Iggy Pop no palco, mas consegue passar para quem ouve a música todo o sentimento implícito nas letras e melodias. Stephen Morris, sempre escondido atrás da sua bateria, continua sendo o melhor baterista e programador de todos os tempos. O “novato” Phil Cunninghan, na banda desde 2000 substituindo Gillian Gilbert, a sra. Morris, mostrou competência pilotando os teclados e segunda guitarra.

Peter Hook, ah... esse é um espetáculo a parte. É o “Incrível Hook”, um dos melhores baixistas do mundo em ação, um performer estiloso. Faz pose, caras e bocas para todas as máquinas e câmeras fotográficas apontadas na sua direção. Segura a mão dos fãs, joga várias palhetas e baquetas para a galera, dança, sempre com seu baixo de som inconfundível tocado na altura dos joelhos, enfim, faz a alegria de todos os fãs que camuflaram suas máquinas e tiraram muitas fotos, pois os fãs do New Order de carteirinha não perderiam essa chance única de registrar o show dos ídolos depois de tanto tempo de espera.

O New Order sempre foi uma banda meio caótica, de espírito punk meio “to nem aí”, joga com os erros e suas limitações ao vivo e isso os faz especiais. A devoção do público à banda não foi abalada nem pela equalização do som no Via Funchal, grave demais e mal distribuído.

Muitos podem pensar que se trata de uma banda cansada (que anda até declarando que estes podem ser os seus últimos shows ao vivo e aposentando-se em 2007, com 30 anos de carreira, mas basta um descanso e eles voltam), velha e saudosista? Mas lembre de uma banda atual que consiga atualmente chegar a genialidade e qualidade do New Order, destes proletários de Manchester que chegaram a realeza do rock inglês.

Nestes 5 anos que se passaram deste show, o new Order acabou e agora está voltando, mas sem Peter Hook, e vai se apresentar em SP dia 03/12/2011.

No próximo post, discografia oficial completa do New Order.

Especial New Order 1

2011-11-13T10:00:00.003-02:00

A história do New Order é uma história incessante de inícios e finais, de dilaceramento, mitologia, suicídio, excessos, sabedoria, independência, experimentação e sucesso comercial, e de orgulho e maturidade.
É a mais curiosa e caótica das histórias do Rock. New Order existe em várias formas há mais de 30 anos, desde fins de 1976, desde o obscuro passado underground como Warsaw e Joy Division, com suas canções desesperadas sobre a condição humana, dor, sofrimento, depravação, perdição e angústia, que pareciam nascer de um profundo pesar de uma alma em conflito com o ser e o nada. A música deles era fantástica.
Poucos notaram, por que depois de gravarem vários compactos e dois álbuns intimistas, quando o Joy Division ia começar a sua sensacional aventura... talvez até para se tornarem superstars, o vocalista e letrista Ian Curtis, bardo do desespero e da decadência, dividido entre o prazer de tudo aquilo e sua dor interior, suicidou-se na casa de seus pais em McClesfield, em 18 de Maio de 1980. 4 anos de trabalho árduo se desintegraram, mas a essência do seu som soturno, desesperado e ‘dark’ ainda influenciaria bandas nos anos 80 e 90. O Joy Division agüentou a perda de Ian Curtis, livrou-se de seu espectro, reergueu-se e começou de novo, com um novo nome, New Order, uma essência e identidade musical nova, diferente de seu som original, uma garota foi integrada nos teclados e um empresário dedicado e compreensível – Rob Gretton. Mudou por causa da fascinante e obscura música Tecnopop e Disco das noites de Manchester, que fez do cenário pop algo louco e perigoso.
Eles ansiavam por sucesso e reconhecimento, mas precisavam preservar sua própria identidade, queriam o glamour e buscavam o anonimato ao mesmo tempo. Podiam ter sido contratados por qualquer grande gravadora multinacional, e vendido mais discos que qualquer outro grupo. Por medo ou por desafio, pois não tinham medo, preferiram permanecer em seu primeiro selo independente de Manchester, propositalmente sem grande potencial comercial, a Factory Records.

Era a única gravadora romântica bastante para dar-lhes total liberdade e controle criativo, para agirem como e quando bem lhes aprouvesse, sem nenhuma interferência estética ou musical pela gravadora, para fazerem o ‘som da moda’ por motivos comerciais (no caso, eles próprios influenciaram mais os outros grupos de dance music e estilo / moda / atitude).
Em fins de 1988, quando o New Order desembarcou pela primeira vez no Brasil para uma série de shows, já ocupava uma posição invejada no cenário pop: a independência há muito conquistada se somava ao megaestrelato mundial. Não entram no jogo da mídia: continuam evitando a imprensa sempre que possível, preferem passar meses em estúdio à realizar mega turnês, nunca gostaram de se apresentar ao vivo repetidas vezes, reservando o bis para ocasiões especiais. Nem sonham em deixar os arredores de Manchester na Inglaterra, onde sempre viveram. Trabalham basicamente com a mesma equipe que os assessorava no início da carreira em 1977; em suas poucas fotos divulgadas é ainda mais difícil associá-los à imagem de pop stars – afinal, eles parecem pessoas incrivelmente normais.
Ainda sem novo nome, fazem sua (re)estréia no Beach Club de Manchester, no dia 29/07/1980. Logo o trio passa a se apresentar como New Order, nome escolhido por trazer implícita a idéia de mudança – e não uma referência ao nazismo, versão sistematicamente levantada pela imprensa e negada pela banda. Depois de testar alguns candidatos para a vaga de vocalista, eles acabam decidindo que Bernard Sumner assumiria os vocais. Para completar a formação, decidem chamar uma amiga de Morris, sua futura esposa Gillian Gilbert para dividir os teclados com Bernard. Gillian, uma desenhista gráfica, havia conhecido a banda quando ensaiava com a banda punk Inadequates e chegara a tocar guitarra com eles durante um show em Liverpool. Morris: “Nós queríamos alguém que não soubesse tocar, que se adaptasse mais facilmente ao grupo. Tínhamos visto Gillian tocar, e definitivamente, ela não sabia muito”.
Com uma sonoridade própria, misturando rock com música eletrônica, ritmos que com o tempo se popularizaram na dance music, o New Order produziu alguns dos grandes hits dos anos 1980: "Blue Monday", "The Perfect Kiss", "Bizarre Love Triangle", "Confusion", entre outros.
O primeiro single lançado pelo grupo continha duas músicas escritas ainda na frase do Joy Division: "Ceremony" e "In a Lonely Place". Em setembro de 1981, a Factory Records, gravadora independente que também abrigou o Joy Division, lançou um compacto intitulado 'Procession', que antecedeu 'Movement', o primeiro álbum do New Order, lançado em novembro daquele ano.
O disco 'Movement' ainda traz referências sonoras e a atmosfera melancólica da Joy Division. Porém, a partir de 'Power, Corruption and Lies' (1983), o segundo álbum, o New Order começou a distanciar da sombra de Ian Curtis e criar músicas mais dançantes, tendo Kraftwerk, Afrika Bambaataa, disco music e o produtor italiano Giorgio Moroder como influências.
Ainda em 1983, a banda lançou o single "Blue Monday", que é considerada por muitos seguidores de música pop como a música mais importante da cena eletrônica dos anos 1980 e o single independente mais vendido da história da Inglaterra, mais de 1 milhão de cópias..
'Low Life', álbum de 1985, traz o hit "Perfect Kiss", que teve o videoclipe dirigido pelo cineasta estadunidense Jonathan Demme (O Silêncio dos Inocentes).
Em 1986, com o álbum 'Brotherhood' veio uma das músicas mais famosas do quarteto, "Bizarre Love Triangle". No ano seguinte saiu a essencial coletânea 'Substance', reunindo todos os singles lançados pela banda.

Sob forte influência da acid house, o disco 'Technique', de 1989, trouxe os hits "Fine Time" e "Round and Round". Esse álbum saiu na época que a casa noturna Hacienda, pertencente á Factory Records, estava sendo invadida pela acid house.
Ainda, em 1989, Bernard Sumner formou o projeto paralelo Electronic em parceria com o ex-guitarrista dos Smiths, Johnny Marr. E, Peter Hook também formou o seu projeto, o Revenge.
Em 1992 foi declarada a falência da Factory Records e o próximo álbum do New Order, 'Republic' (1993) saiu pela London Records. Depois de 'Republic', que teve a faixa "Regret" como principal single, a banda entrou em uma longa pausa.
Durante a década de 1990, seus integrantes se lançaram em projetos paralelos: Electronic, com Bernard Sumner e Johnny Marr (ex- The Smiths), Revenge, de Peter Hook, The Other Two, com Stephen Morris e Gillian Gilbert, Monaco, de Peter Hook e David Potts.
Um novo álbum de estúdio do grupo somente saiu em 2001. 'Get Ready' traz a música do grupo mais orientada pelo guitarra, fugindo do estilo eletrônico. Destaque para as faixas "Crystal" e "60 Miles an Hour". Nessa época, Gillian Gilbert saiu da banda para se dedicar à sua filha. Ela é casada com o baterista Stephen Morris. E em seu lugar entrou Phil Cunningham.
Em 2005, a banda lançou 'Waiting For The Siren's Call', que segue a mesma fórmula do seu antecessor.
A banda foi pioneira na união do rock com ritmos eletrônicos dançantes (principalmente a disco music sintetizada e o eletropop). Tanto por sua música quanto por sua própria casa noturna inaugurada em 1982, a Haçienda, o New Order é um dos nomes da música mais importantes no rock e na música eletrônica, ao lado de bandas como Depeche Mode e Kraftwerk.

A formação atual inclui Bernard Sumner (vocais, guitarra), Stephen Morris (bateria) e Phil Cunningham (guitarra, sintetizadores). Em 2001, a tecladista/guitarrista Gillian Gilbert (entrou em 1980, casada com Stephen Morris) saiu da banda devido a problemas familiares, e em 2007 o baixista Peter Hook anunciou sua saída da banda devido a desentendimentos com Bernard e Stephen. Após a saída de Hook, a banda se desfez.

Bernard e Stephen continuaram com Phil Cunningham, chamaram Alex James (Blur), o guitarrista vocalista Jake Evans e montaram o Bad Lieutenant. Lançaram seu CD de estréia em 2009, "Never Cry Another Tear"
Peter Hook montou o Freebass, com os baixistas Andy Rourke (The Smiths) e Mani (The Stone Roses).
Em 03 de Dezembro de 2011, o New Order vai se apresentar novamente em SP num festival de música eletônica, com Gillian Gilbert voltando aos teclados depois de 10 anos de ausência e Phil Cunnigham, mas infelizmente, sem a volta do baixista Peter Hook, o que vai ser uma grande perda no som da banda, pois o baixo do Hook é uma das marcas mais reconheciveis no som da banda. Quem for substitui-lo vai ter de saber imitar muito bem as linhas de baixo. Não sei se conseguirei ir nesse show, a lembrança do show de 5 anos atrás está bem marcada para mim.
Continuando o especial no próximo post, teremos minhas impressões do show de 2006 do New Order em SP na Via Funchal, discografia oficial completa do NO e alguns projetos paralelos dos seus integrantes.

500.000 Visitas na Parabólica!

2011-11-13T09:00:00.001-02:00

Novembro 2011! Mais de 300.000 visitas em 5 meses! Obrigado a todos que curtem boa música, bons filmes, literatura, posts de assuntos que interessam a mim e outros também curtem! Namaste!

Marcello Blum

Discografia Sonic Youth

2011-11-12T10:00:00.002-02:00

Sonic Youth é uma banda de rock alternativo formada em Nova Iorque em 1981. O Sonic Youth tem um estilo que mistura rock alternativo, noise rock, avant grade, post punk, entre outros. Ícone da música e da cultura alternativa estadunidense, seu estilo é considerado bastante peculiar e criativo, fundamentado em experimentações e melodia, com influências do punk rock, hardcore, noise e underground em geral.
No inicio de sua carreira, o Sonic Youth foi associado com a cena No Wave de Nova Iorque. Parte da primeira onda de grupos estadunidenses de Noise Rock, a banda teve sua própria interpretação da filosofia Punk, mais focada no "Faça Você Mesmo" do que no som em si. Eles conquistaram um sucesso moderado no Mainstream, e são vistos como um dos grupos pioneiros de Rock Alternativo de sua época.
O Sonic Youth foi inspirado nas sinfonias de guitarra de Glenn Branca, no protopunk dos Stooges, The Velvet Underground e MC5, a poesia punk de Patti Smith, o Krautrock de Can, o psicodélico Garage Rock do 13th Floor Elavators, assim como compositores de Avant-Garde como John Cage. Muitas vezes a banda é aclamada por (re)definir o que uma guitarra pode fazer, ao usar uma variedade de afinações alternativas e "montar" a guitarra com objetos como baquetas e chaves de fenda para alterar o timbre
Links dos albuns

Sonic Youth (1982)
Confusion Is Sex (1983)
Bad Moon Rising (1985)
Evol (1986)
Sister (1987)
Daydream Nation (1988)
Goo (1990)
Dirty (1992)
Experimental Jet Set Trash and No Star (1994)
Washing Machine (1995)
Made in the USA (1995)
Master-Dik
A Thousand Leaves (1998)
NYC Ghosts and Flowers (2000)
Sonic Nurse (2004)
The Destroyed Room [b-sides and raridades] (2006)
Rather Ripped (2006)
The Eternal (2009)

O que era o Black Sabbath 11/11/2011

2011-11-11T13:08:00.000-02:00

Durante um tempo, no site oficial http://www.blacksabbath.com/,

colocaram o logo do nome da banda, do álbum Masters of Reality e a data 11/11/11.

Muita gente sabia que seria talvez a confirmação que a formação original do Black Sabbath estaria reunida novamente, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward.

Hoje no site, temos a foto acima e link para o Facebook e Twitter.

Ao entrar no Facebook, temos a foto e o seguinte link : http://bitly.com/goandbeware

que vai para o google maps neste endereço, em Hollywood :

Whisky a Go Go

8901 West Sunset Boulevard, West Hollywood, CA

(310) 652-4202 ‎ · whiskyagogo.com

Ou a banda vai se apresentar hoje no legendario Whisky a Go Go, onde os The Doors começaram sua carreira em Los Angeles, ou será o anúncio oficial da reunião da banda.

Aguardamos mais noticias da volta do Black Sabbath, via comentários por aqui.

Marcello Blum

O câncer do SUS

2011-11-10T10:00:00.000-02:00

Houve alguma polêmica envolvendo a doença de Lula e o SUS, semana passada. Artigo publicado no Valor de 28/10 sobre o sistema público de saúde ajuda a esclarecer algumas coisas. O texto é de Alexandre Marinho e Carlos Octávio Ocké-Reis, pesquisadores do Ipea. Para começar, eles constatam que:
O Sistema Único de Saúde (SUS) é um modelo público universal, mas o perfil do nosso gasto público em saúde é parecido com o dos Estados Unidos, que é baseado em seguros de saúde privados. Por isso, o gasto público brasileiro em saúde é, em termos percentuais, menor do que o canadense e o australiano, que se destacam pela intervenção ativa do Estado.

O baixo gasto público no setor em saúde no Brasil explica a falta atendimento de qualidade para todos. Por isso não surpreende que as famílias brasileiras gastem tanto com planos de saúde. O artigo diz que as despesas com serviços médicos e medicamentos chegam a 29,2%. Mais que o dobro do verificado nos Estados Unidos: 12,1%.

Não é só isso. Os autores citam a Terapia Renal Substitutiva (TRS) e os transplantes de rim. Dois dos procedimentos mais procurados. Segundo eles:
As TRS custaram ao SUS, no ano de 2010, R$ 1,6 bilhão. A hemodiálise é a TRS mais frequente e cobre 70 mil brasileiros. Assim, a TRS possui o maior orçamento dentre os procedimentos ambulatoriais de média e alta complexidade, crescendo sua quantidade ao longo dos anos. Porém, apenas 10,3% dos 18.780 equipamentos de hemodiálise pertencem ao Estado Brasileiro, cabendo ao setor privado, contratado pelo SUS, 83,3% desses equipamentos. Consequentemente, o SUS paga 95% do custo total.

Só para ter uma idéia em 2010 os planos de saúde faturaram R$ 72,7 bilhões. Mas desembolsaram apenas 5% das despesas com pacientes renais.

Por descaso dos governos, o SUS atende mal dezenas milhões de pacientes pobres. Pessoas que já pagaram a conta de seu atendimento através de impostos. Mas o maior problema é a indústria da saúde. Um tumor que parasita os recursos já tão limitados do sistema público de saúde.

The Essential Ozzy Osbourne (2003)

2011-11-09T10:00:00.023-02:00

As melhores músicas do "Prince of Fucking Darkness" Mr. Ozzy Osbourne. Esquentando para o mais que certo anúncio oficial da nova reunião dos membros originais do Black Sabbath, Ozzy, Tommi Iommi, Geezer Butler e Bill Ward no site oficial na cabalística data de 11/11/2011.

http://www.blacksabbath.com/

Tracklist

Disco 1

01.Crazy Train
02.Mr. Crowley
03.I Don’t Know
04.Suicide Solution
05.Goodbye To Romance
06.Over The Mountain
07.Flying High Again
08.Diary Of A Madman
09.Paranoid
10.Bark At The Moon
11.You’re No Different
12.Rock ‘n’ Roll Rebel
13.Crazy Babies
14.Miracle Man
15.Fire In The Sky
16 Breakin' All the Rules

Disco 2

01.Mama,I’m Coming Home
02.Desire
03.No More Tears
04.Time After Time
05.Road To Nowhere
06.I Don’t Want To Change The World
07.Perry Mason
08.I Just Want You
09.Thunder Underground
10.See You On The Other Side
11.Gets Me Through
12.Dreamer
13.No Easy Way Out

Banda:Ozzy Osbourne
Nome do Álbum:The Essential
Gênero:Heavy metal
Ano de Lançamento:2003
Gravadora:Sony Music
Informações
Tamanho:134.02 MB
Formato:Rar
Qualidade:128 Kbps
Link: http://www.megaupload.com/?d=4XHYFBCA

É hora do U2 se aposentar?

2011-11-08T10:00:00.032-02:00

Por Neil McCormick
Tradução: U2BR

Houve muita discussão sobre se o U2 está terminando após os comentários de Bono para a Rolling Stone. Recentemente, ele esteve falando muito sobre o U2 estar "à beira da irrelevância por 20 anos" e sugeriu que "estaríamos muito contentes parando no No Line on the Horizon". Apesar de falhar na entrega de um single de sucesso e a percepção geral de que não é um clássico, o álbum atingiu recentemente a marca de cinco milhões de cópias vendidas, e o U2 acabou de completar a maior, mais ambiciosa, tecnológica e lucrativa turnê da história do rock. A Q Magazine presenteou o U2 com um prêmio de Maior Atuação dos Últimos 25 Anos. Talvez isso signifique um momento oportuno para o U2 cair fora?
Não há um roteiro certo para uma banda terminar. Normalmente, acontece mais ou menos de forma acidental e espontânea, através de conflitos internos. Frequentemente é acompanhado por uma queda na popularidade e aumento nas divisões criativas. Mas quando você está junto por tanto tempo quanto o U2 (há mais de 36 anos) e é bem sucedido durante toda a sua carreira, um tipo de inércia pode se instalar, onde a banda continua existindo apenas porque, bem, por continuar existindo.
O R.E.M. foi largamente aplaudido pela recente decisão de acabar por conta da ideia de que seus melhores dias ficaram para trás. Os Rolling Stones continuam apesar disso, domando as críticas para dar música e entretenimento para sua enorme base de fãs. Você não pode dizer que um está certo e outro está errado - isso vai de cada um. Mas o R.E.M. está próximo ao U2 e pertence à geração pós-punk, para qual a fidelidade como uma banda de rock vem com altos ideais e um senso de propósito. Falando do término do R.E.M. no Newsnight desta semana, Mike Mills explicou que "foi uma oportunidade para nós seguirmos em frente nos nossos próprios termos. Não há forças externas, não há problemas, nós podemos seguir em frente como amigos e sentir como se tivessemos feito tudo o que queriamos realizar."
O U2 certamente fez muita coisa, provavelmente mais do que eles mesmos jamais sonharam - embora eles tenham sonhado grande. Lembro de Bono quando lançou Boy, em 1980, me falando de forma entusiasmada que um dia eles gravariam algo tão grande quanto Sgt Peppers. Eles foram a maior banda de rock do mundo por grande parte da carreira, se reinventaram constantemente e se revigoraram musicalmente, fizeram grandiosas e recordistas turnês e estiveram no centro de campanhas políticas e de caridade que tem ajudado a moldar o mundo em que vivemos. Acho que isso é parte do problema atualmente: a verdadeira causa da crise existencial da banda encontra-se neles mesmos. Bono gosta de ser o centro das coisas, parte das conversas musical, política e cultural. "Muitas pessoas possuem álbuns do U2 por que elas gostariam de ter outro é a questão ressonante", admitiu recentemente. "Não sei se é possível pra gente fazer algo que atualmente seja significativo, não apenas para o nosso público mas para a época em que vivemos. Mas este é o tipo de trabalho para mim".
O U2 gravou muitas músicas ao longo dos últimos dois anos, com vários produtores diferentes, incluindo novas composições com Danger Mouse, faixas pop 'club' com Red One e materiais meditativos, quase ambientais, com sua consagrada equipe formada por Brian Eno e Daniel Lanois. Eu gostaria de ouvir todas essas gravações. Mas parece haver um pequeno senso na banda de qual é a música que o mundo precisa imediatamente, algo singular, original e poderoso o bastante para levantar-se com o seu melhor, tão grande e forte como o emocionalmente contagiante The Unforgettable Fire, a pedra áspera e talhada do The Joshua Tree, a energicamente industrial reinvenção do Achtung Baby ou a harmonia matadora do All That You Can't Leave Behind. E então eles apenas continuarão navegando em busca desse avanço indescritivelmente criativo. Mas pode uma banda de homens ricos e de meia idade sempre alcançar os altos níveis criativos de sua juventude, quando fazer música realmente parece uma questão de vida ou morte?

A convicção do Bono de que eles precisam fazer algo de sucesso mundial toda vez efetivamente cria uma pressão nas suas costas. Quais bandas já fizeram seus melhores e mais impactantes trabalhos na meia idade de suas carreiras? Quando o U2 gravou os seus primeiros clássicos, eles trabalharam dia e noite em busca de um ideal, sacrificando tempo pessoal e vida privada, dando tudo de si à causa musical. Inevitavelmente não é mais o caso. Eles arranjam reuniões e sessões de gravação de acordo com as suas cada vez mais complexas agendas pessoais. Seus fãs podem continuar acreditando que o U2 vive na Irlanda e os músicos se encontram em pubs locais ou grupos de oração (o que tornam ridículas as acusações de evasão fiscal que fazem contra eles). Na verdade, Bono vive principalmente em Nova York, The Edge em Los Angeles, Adam em Londres e apenas Larry permanece mais ou menos o tempo todo em Dublin. Todos possuem (menos Adam) esposas e filhos que precisam de tempo e atenção. Eles têm o tipo de riqueza extrema que garante um conforto fabuloso. E Bono, força motriz do grupo, encontra seu tempo e energia muito reduzidos por sua extensa gama de interesses e compromissos extra-curriculares, particularmente atividades políticas e de caridade que inspiram muito antagonismo em pessoas que pensam que uma estrela do rock deve estar apenas no negócio de fazer músicas. Como Bono reconhece, "nós somos a banda mais amada e mais odiada na Terra", e muitos dos motivos das pessoas não gostarem do U2 atualmente são por causa dele - que disse que entende, "pois tenho que conviver comigo também".
Quando propus entrevistar Bono sobre o relançamento especial de vinte anos de Achtung Baby, ele recusou porque sentia que já tinha feito trabalho promocional demais e precisava dar um tempo. Disse que está ficando envergonhado pela quantidade de foco que há sobre ele, ao contrário do resto da banda. É uma ocorrente piada que ele simpatiza com pessoas que estão enjoadas da sua voz, porque ele também está. E ele está claramente esgotado. Ou como ele colocou numa mensagem apologética: "morto de cansaço pela exaustão".
A turnê mundial de dois anos do U2 pode ter terminado no verão mas, às vezes, eu acho que Bono não sabe como parar. Ele continuou sua caminhada incessante em conexão com todos os seus compromissos filantrópicos, humanitários e de negócios. Ele cantou no funeral de Steve Jobs na Califórnia em 17/10, encontrou Nicolas Sarkozy em Paris no dia 19/10 como parte de um grupo de lobby para a coalisão global anti-pobreza e esteve em Londres há poucos dias com o resto do U2 para receber o prêmio da Q Magazine. É muito surpreendente que ele tenha dito à Rolling Stone que seu único plano para o futuro era tirar um tempo de folga: "Eu quero pegar meus filhos e minha esposa e apenas desaparecer com meu iPod Nano, alguns livros e um violão". Então, na segunda-feira desta semana, ele estava em Dublin como parte de uma delegação tentando convencer companhias estrangeiras de tecnologia a investir na Irlanda. Ele é a estrela do rock que não consegue dizer não.
É por isso que, pessoalmente, eu não acho provável que o U2 faça como o R.E.M. e aposente-se graciosamente. Se eles chegarem a isso, será em um momento de glória ou em um ato de loucura escandalosa, provocado pela louca ambição de seu vocalista. De imediato, é provavelmente justo dizer que o U2 precisa de um tempo e o mundo precisa de um tempo deles. Mas os fãs de U2 já ouviram essa conversa de desilusão e dissolução antes - notavelmente em 1989, após os excessos de Rattle and Hum, quando Bono declarou que eles tinham que "ir embora e sonhar tudo novamente". Eles voltaram com Achtung Baby em 1991, provavelmente seu melhor momento.
Pela minha experiência, o que eles tendem a fazer é construir uma sensação de crise para expulsá-los. Edge refere-se a isso como perigoso, um chavão constante em suas discussões sobre seu processo criativo. O U2 precisa sentir que há coisas em jogo quando eles estão compondo e gravando, deliberadamente usando tensão e riscos para manter o foco. Isso, presumivelmente, é mais difícil de se obter para os indivíduos mais bem sucedidos e confortáveis. Quando Bono declara que o U2 está "à beira da irrelevância", o que ele realmente está fazendo é arrumando os desafios para ele próprio e sua banda, empurrando-os abruptamente para fora de sua zona de conforto.
O U2 está temporariamente descansando enquanto seu líder recarrega suas baterias, mas o seu próprio auto-questionamento não é realmente uma indicação de desilusão, mas sim uma intimação à ação. Fãs preocupados por Bono estar sugerindo que o U2 se aposentará não poderiam estar mais errados. O que ele realmente quer fazer de fato, o que ele sente que precisa fazer, é mandar o U2 "ir lá e criar o álbum de nossas vidas". Eu não sei é possível para a banda, com sua longa história, se reinventar novamente. Mas, como outros milhões de fãs, eu quero ouvi-los tentar.

Led Zeppelin: os 40 anos de 'Led Zeppelin IV'

2011-11-08T09:00:00.006-02:00

Hoje, 8 de novembro, faz 40 anos que Led Zeppelin IV, quarto disco da maior banda dos anos 1970, foi lançado. O álbum mudou a carreira do grupo, transformando-o em uma entidade gigantesca e onipresente.
Com faixas que se tornariam imortais como “Black Dog”, “Rock and Roll” e “When the Leeve Breaks”, além da beleza arrebatadora de “Going to California” e “The Battle of Evermore” e o hino “Stairway to Heaven”, o disco se tornou o mais vendido de todo o catálogo do Led Zeppelin, com mais de 32 milhões de cópias comercializadas em todo o mundo. Além disso, Led Zeppelin IV é o terceiro álbum mais vendido da história dos Estados Unidos, atrás apenas de Thriller, de Michael Jackson, e Their Greatest Hits 1971-1975, dos Eagles.

Não vou falar aqui da importância, do impacto e da relevância desse disco, que me acompanhou por toda a vida e imagino que tenha sido também uma presença constante na vida de muita gente, não só quem era adulto nos anos 70.
A imagem acima é um outdoor veiculado pela Atlantic, gravadora da banda, pouco antes do álbum ser lançado, como um teaser. Nele, como você pode ver, não há o nome do grupo, apenas os símbolos que se tornariam famosos nos anos seguintes.

Discografia Norah Jones

2011-11-07T10:00:00.065-02:00

Filha do músico indiano Ravi Shankar, nascida Geetali Norah Jones Shankar, foi criada no subúrbio de Dallas, Texas, com sua mãe, Sue Jones, sem a presença do pai. Ela nasceu no Brooklyn, Nova York no dia 30 de março de 1979 e mudou-se para Texas aos 4 anos de idade.

Seu interesse pela música foi despertado logo cedo por influência de sua mãe, dona de uma vasta coleção de discos de Billie Holiday. Norah estudou Artes Plásticas e Visuais no Booker T. Washington High School.
Com apenas 5 anos de idade, Norah já soltava a voz em corais de igreja e começou a ter aulas de piano aos 7 anos. Mas foi com 16 anos mudou oficialmente seu nome para somente Norah Jones e fez seu primeiro show, interpretando a música "I'll Be Seeing You", de Billie Holiday em uma cafeteria local. Nessa mesma época, conquistou o prêmio Down Beat Student Music Awards, como Melhor Vocalista de Jazz e Melhor Composição Original, em 1996, e o SMA, como Melhor Vocalista de Jazz, em 1997.
Norah se especializou em piano jazz na University of North Texas e nesta mesma época, cantou com uma banda chamada Laszlo, que fazia uma mistura de jazz e rock. Porém deixou o Texas em 1999 e fez as malas para Manhattan em busca de novas oportunidades. Fez apresentações com a banda Wax Poetic por cerca de um ano, mas logo resolveu montar seu próprio grupo com Jesse Harris, Lee Alexander, e Dan Rieser.
Seu disco de estréia, "Come Away With Me" (2002), premiado como Melhor Disco do Ano pelo Grammy 2003, começou a ser gravado em 2001. Um trabalho muito elogiado, é marcado pela mistura de elementos de jazz, soul, country, e folk-pop. Norah seguiu gravando ótimos discos desde então, incluindo o seu projeto de música country, The Little Willies, lançado em 2006. Seu mais recente trabalho é a coletanea ...Featuring (2010), onde Norah faz duetos com várias bandas e artistas solo, mostrando sua versatilidade em outros ritmos e estilos.

Seu site oficial é http://www.norahjones.com

Discografia Norah Jones

First Sessions (2001) | Come Away With Me (2002)

Tracklist: First Sessions
01. Don't Know Why 02. Come Away with me 03. Something Is Calling You 04. Turn Me On 05. Lonestar 06. Peace

Tracklist: Come Away With Me
01. Don't Know Why 02. Seven Years 03. Cold Cold Heart 04. Feelin' The Same Way 05. Come Away With Me 06. Shoot The Moon 07. Turn Me On 08. Lonestar 09. I've Got To See You Again 10. Painter Song 11. One Flight Down 12. Nightingale 13. The Long Day Is Over 14. The Nearness Of You

Feels Like Home (2004) | The Little Willies (2006)

Tracklist: Feels Like Home
01. Sunrise 02. What Am I To You 03. Those Sweet Words 04. Carnival Town 05. In The Morning 06. Be Here To Love Me 07. Creepin' In 08. Toes 09. Humble Me 10. Above Ground 11. The Long Way Home 12. The Prettiest Thing 13. Don't Miss You At All

Tracklist: The Little Willies
01. Roly Poly 02. I'll Never Get Out Of This World Alive 03. Love Me 04. It's Not You It's Me 05. Best Of All Possible Worlds 06. No Place To Fall 07. Roll On 08. I Gotta Get Drunk 09. Streets Of Baltimore 10. Easy As The Rain 11. Tennessee Stud 12. Night Life 13. Lou Reed

Not Too Late (2007) | Stay With Me (2008)

Tracklist: Not Too Late
01. Wish I Could 02. Sinkin' Soon 03. The Sun Doesn't Like You 04. Until The End 05. Not My Friend 06. Thinking About You 07. Broken 08. My Dear Country 09. Wake Me Up 10. Be My Somebody 11. Little Room 12. Rosie's Lullaby 13. Not Too Late

Tracklist: Stay With Me
01. Day Is Done 02. Peace 03. What Am I To You 04. No Easy Way Down 05. More Than This 06. Something Is Calling You 07. I'll Be Your Baby Tonight 08. Ruler Of The Day 09. In The Dark 10. Butterflies 11. Wait 12. In a Whisper

The Fall (2009)

Tracklist
01. Chasing Pirates 02. Even Though 03. Light as a Feather 04. Young Blood 05. I Wouldn't Need You 06. Waiting 07. It's Gonna Be 08. You've Ruined Me 09. Back to Manhattan 10. Stuck 11. December 12. Tell Yer Mama 13. Man of The Hour

...Featuring Norah Jones (2010)

Tracklist

01. "Love Me" – The Little Willies 02. "Virginia Moon" – The Foo Fighters featuring Norah Jones
03. "Turn Them" – Sean Bones featuring Norah Jones 04. "Baby It's Cold Outside" – Willie Nelson featuring Norah Jones 05. "Bull Rider" – Norah Jones and Sasha Dobson 06. "Ruler Of My Heart" – Dirty Dozen Brass Band featuring Norah Jones 07. "The Best Part" – El Madmo 08. "Take Off Your Cool" – OutKast featuring Norah Jones 09. "Life Is Better" – Q-Tip featuring Norah Jones 10. "Soon The New Day" – Talib Kweli featuring Norah Jones 11. "Little Lou, Prophet Jack, Ugly John" – Belle & Sebastian featuring Norah Jones 12. "Here We Go Again" – Ray Charles featuring Norah Jones

13. "Loretta" – Norah Jones featuring Gillian Welch and David Rawlings 14. "Dear John" – Ryan Adams featuring Norah Jones 15. "Creepin' In" – Norah Jones featuring Dolly Parton 16. "Court & Spark" – Herbie Hancock featuring Norah Jones 17. "More Than This" – Charlie Hunter featuring Norah Jones 18. "Blue Bayou" – Norah Jones featuring M. Ward 19. "Any Other Day'' - Wyclef Jean featuring Norah Jones

Os Incríveis: Os Normais Também Querem Ser Super Heróis

2011-11-05T10:00:00.000-02:00

Publicado originalmente em 2004

Quase 10 anos após o lançamento de “Toy Story” em 1995, o estúdio de animação Pixar chega a sua maturidade com uma animação 3D de qualidade e roteiro “super divertido” como seus protagonistas, “The Incredibles” (Os Incríveis).

Lembre-se de todos os conflitos de responsabilidade do uso dos poderes para ajudar as pessoas, conflitos de identidade em se levar uma vida “normal”, um vilão intimamente ligado aos heróis (podemos usar como referência as HQs do Superman, X-Men, Spiderman e Batman). “Os Incríveis” traz uma história lúdica que aproveita o filão de filmes de super-heróis. A animação 3D é uma sátira bem humorada e humanizada que envolve questões familiares, da vida cotidiana de pessoas que são “diferentes”. “Ser diferente” é o termo que sempre é mencionado no decorrer de toda a história. Isso acontece muito nos filmes da própria Disney que nunca esquece de clichês comuns, como a filha tímida que não consegue namorar, o irmão mais novo problemático na escola, por exemplo.

A história, recheada destes conflitos, conta de forma divertida o cotidiano de uma família de super-heróis que é forçada pelo governo estadunidense a levar uma vida “normal” por sofrer vários processos, da sociedade, que insiste em dizer que os super-heróis atrapalham suas vidas. Ninguém pode nem querer se suicidar que sempre existe um super-herói por perto para atrapalhar, um trem impedido de cair de um trilho suspenso pode ter várias vítimas feridas, que processam o Sr. Incrível.

Obrigado a levar uma “vida normal”, o Sr. Incrível, ou melhor, Beto Pêra (nome atribuído à nova fase), gordo, fora de forma, chefe da família, marido de Helen, a Mulher Elástica, que agora só cuida das crianças, entediado depois de 15 anos de vida “normal”, onde os seus atos heróicos se resumem em ajudar clientes por baixo do pano para burlarem a burocracia da seguradora onde trabalha e receberem integralmente seus ressarcimentos. Ele é saudosista dos bons tempos de super-herói, decide recuperar com seu amigo Lucius “Gelado”, a vida de grandes emoções e de mais utilidade, ouvindo a faixa da polícia e fazendo ações como salvar pessoas num prédio em chamas. O pior é que sua esposa, não fica sabendo nada dessa decisão. Então, briga em casa na certa!

Com diálogos bastante ágeis que se concentram na relação familiar, o filme alcança uma dimensão na qual a Disney não tinha alcançado: pessoas humanas como personagens principais. Além disso, percebe-se que todo o roteiro é baseado na reafirmação da família como o centro de discussões, mostrando faces do dia-a-dia muito comum ao espectador e, claro, sem esquecer do humor. Tudo é feito da forma mais sátira possível, com muita ironia e a ingenuidade de desenho animado.

É comentário normal de que as animações totalmente digitais em 3D da Pixar, além de serem pioneiras nesse campo é justamente a produtora mais elogiada também pela excelência visual (seja pela criatividade, seja pelo rigor especular), o que conta não é o fato de que se faz desenhos olimpicamente realizados no computador, mas sim o de que os roteiros são bem cuidados.

Neste caso, apontamos para um traço de estabelecimento desta atual onda de longas-metragens de animação: o elogio ao roteiro é, em grande medida, elogio às falas, aos personagens bem criados, mas que são, sobretudo, bons falantes. Em grande medida, os desenhos mais elogiados desta “retomada” - iniciada justamente por Toy Story, em 1995 - são admirados porque são comédias. Não apenas no sentido em que fazem rir, mas porque também são filmes animados que desestruturam o sistema protagonista-antagonista-objetivo tradicional. E são assim, essencialmente na fala e na referencialidade, quase como se fossem sitcoms,

O que faz chegar a um traço obrigatório a ser observado em “Os Incríveis”: ele dá um passo adiante em relação ao universo da animação estadunidense atual porque, embora seja engraçado, não é uma comédia. Claro, não ser uma comédia não é um bem a priori: não há demérito nenhum em se fugir da estrutura tradicional, pelo contrário. Mas o que torna o filme singular, e o que faz do diretor Brad Bird (que também havia dirigido o belo “The Iron Giant” - O Gigante de Ferro para a WB) o primeiro nome a ser destacado como autor, depois de John Lasseter (de Toy Story 1 e 2), é o fato de que ele se faz como um filme de estrutura, um filme que se estabelece com um roteiro mais sistêmico do que pontualmente atrelado às falas.

A começar porque Brad Bird adotou uma estrutura rara para seu trabalho: diferentemente do que se pode imaginar em uma primeira olhada, “Os Incríveis” não deve somente ser visto como uma sátira. Ele deve ser visto como um filme de gênero, um clássico filme de super-herói. E como tal, trabalha com regras de gênero: superpoderes simbólicos relacionados à personalidade, alter-egos, um sistema de relações que se aproxima do das divindades gregas, arquiinimigos.

O traço mais facilmente interessante do sistema montado por ele, inclusive (e que é apontado como o traço mais forte do filme), é o cruzamento entre dois gêneros: o filme de super-herói com as comédias da vida privada - família/ adolescentes. Mas há uma regra de gênero sutilmente manipulada por Bird e que, na verdade, dita toda a estrutura do filme e que, talvez, seja a chave para sua verdadeira singularidade: é a velha regra de que a origem do vilão está ligada à origem do herói e que eles se espelham de alguma forma.

Ora, de imediato é fácil se dizer que os temas de fundo do filme são as discussões sobre a responsabilidade do poder e da necessidade de aceitação do diferente na sociedade. Mas olhe para o sistema de referências de Bird e para os filmes de super-herói. Essas discussões se tornaram regras de gênero: qualquer espectador de X-Men as reconhece facilmente. Nesse sentido, o sistema de família é mais um elemento no sistema de construção do autor. Mas no caso da relação herói-vilão, esse sistema começa a dar voltas sobre si mesmo e o filme começa a se tornar algo mais complexo do que um filme de aventuras qualquer (até porque um filme de aventura pode ser bem complexo).

Veja o que acontece: o menino fã fanático Bochecha acompanha e admira o Sr. Incrível. Tenta estar nas mesmas cenas que ele e quer se tornar seu ajudante ou coisa parecida. Quer ser o Gurincrível, uma referência clara a seu objeto de culto.

Neste momento, abre-se o primeiro traço inequívoco da complexidade desta narrativa: o personagem que será o vilão da história é mais humano que o herói. Ora, ele quer provar (como Batman prova) que não é preciso se ter superpoderes para se ser um herói. Ele quer lutar contra a natureza de divindade (ou de seleção genética) dos super-heróis – no limite, ele quer lutar contra a predestinação (nesse sentido, sim, “Os Incríveis” são um protótipo de família WASP estadunidense educada pela ética do capitalismo protestante).

Quando Bochecha cresce e se torna o vilão Síndrome (ótimo nome, aliás, já que ele é de fato um conjunto de sintomas), ele se revolta pela impossibilidade do heroísmo e se constitui como supervilão, para poder se tornar super-herói. E, mais que isso, constitui-se como super-herói fake, constituído modelarmente por observação. Síndrome planeja seus poderes, e constrói armas tecnologicamente avançadas e uma máquina com inteligência artificial, programada para aprender com seus erros; ou, para deixar claro, aprende a agir observando as ações dos heróis contra elas. Para combatê-lo e salvar o Sr. Incrível, a Mulher-Elástica irá sair da aposentadoria e os filhos Violeta e Flecha, mesmo com suas inseguranças e inexperiências, serão iniciados no super-heroísmo, usando os novos uniformes da estilista Edna Moda (que lembra uma Yoko Ono anã, hilária a segurança do seu ateliê de moda).

Síndrome nasceu da ação desastrada do herói, uma regra típica de gênero. Mas não se deve esquecer de um ponto crucial: “Os Incríveis” é um filme de origem. Ele conta a gênese de um grupo de heróis.

O Sr. Incrível que nasce dos anos de reclusão é outro e, veja, este, por sua vez, é criado pela ação desastrada de Síndrome. Igualmente a Mulher Elástica (Sra. Incrível), e mais claramente os três filhos incríveis, geneticamente providos de poderes. Esse embate, como se vê, é, sobretudo moralmente intrincado, já que ao mesmo tempo em que se constitui como um personagem patológico, um fã sem limites (como tem qualquer celebridade), Gurincrível se mostra também como a face mais demasiadamente humana possível. Ele é muito mais parecido com o homem do que o super (übermensch como diria Nietzsche) homem que é Incrível.

Por isso mesmo, o sistema da vingança de Síndrome é sempre tão ligado a referencialidade e, nesse sentido, embora haja certa semelhança física entre o protagonista e Bird, o alter-ego do autor está muito mais no vilão. Bird e Síndrome são iguais: observam o mundo dos super-heróis (um pela literatura o outro pelo noticiário) e dele recortam traços funcionais (Bird, sua mecânica psicológica; Gurincrível com mecânica e eletrônica imitativa) para produzir encenações (o diretor, de um conto de aventura, o vilão de uma aventura de fato).

Qual é o objetivo de Síndrome? Eliminar todos os verdadeiros super-heróis e ser querido por ser responsável pela salvação da cidade, mesmo sem poderes, somente com suas “gadgets”. No limite, ele não quer o mal, não quer a destruição da cidade (ele não é um terrorista da Al Qaeda, alvo do governo Bush), pelo contrário, ele quer que a cidade seja salva... Só que por ele. É a única condição. E nesse sentido, ele é tão inocente quanto os dois filhos mais velhos de Helen, que lhes diz: “Sabe aqueles bandidos de seriado que vocês vêem de manhã? Os de verdade são diferentes, eles não vão hesitar em matar criancinhas como vocês”. Igualmente, Síndrome acha que o super-herói segue um roteiro, que o perigo pode ser controlado, assim como as ameaças (o que não deixa isso de ser uma crítica ao cinema de aventura estadunidense, em que isso geralmente acontece e também a “guerra contra o terror” do warlord Bush), como se a vida fosse uma peça de um teatro de marionetes com um final pré-estabelecido.

Pois eis aí o uso supremo da regra de gênero: o herói sempre vence, é aquilo em que crê Síndrome. Não importa o que está acontecendo, ele deveria vencer o a “máquina do juízo final” que ele mesmo criou, mas se esquece de que a máquina se constitui pela reunião enciclopédica de todas as possibilidades de vitória dos heróis. A sua “Doomsday Machine” é, nesse sentido, como o computador Deep Blue, que venceu o campeão Kasparov no xadrez pela sua capacidade de processar em segundos, milhões de possíveis movimentos no tabuleiro. Embora possa ser apontado como uma sátira a um limite muito sombrio do universo nerd, este vilão é mais a porta para um jogo de espelhamento impressionante. Síndrome e Incrível são não apenas as duas faces da mesma moeda, mas são, sobretudo dois traços do mesmo sistema, e de um sistema em círculos, que apaga as motivações originais: quem veio primeiro, a galinha ou o ovo?

Filme: Os Incríveis
Título original: The Incredibles
Estúdio: Pixar/Disney
País: EUA
Idioma: Inglês
Ano: 2004
Direção: Brad Bird
Roteiro: Brad Bird
Gênero: Animação 3D
Elenco (Vozes): Craig T. Nelson (Roberto Pêra / Sr. Incrível), Holly Hunter (Helen Pêra / Mulher-Elástica), Samuel L. Jackson (Lucius Best / Gelado), Jason Lee (Bochecha / Síndrome), Spencer Fox (Flecha Pêra), Sarah Vowell (Violeta Pêra), Elizabeth Peña (Mirage), Brad Bird (Edna Moda).
Tamanho: 700 MB
Título Original: The Incredibles
Gênero: Animação / Aventura
Formato: Avi
Qualidade: DVDRip
Áudio: Português
Link: http://www.megaupload.com/?d=QA9MI55M

Adele, uma estranha (bem-vinda) no ninho espalhafatoso da música pop

2011-11-04T10:00:00.033-02:00

Cantora britânica se torna o fenômeno de vendas sem precisar de coreografias rebolativas nem letras de cunho sexual como suas oponentes
Rodrigo Levino

A voz de timbre rouco e potente serve de suporte a canções com letras confessionais que por pouco não passam da conta no açúcar
Em 2008, quando Adele lançou o seu primeiro disco, 19, foi saudada como a nova Amy Winehouse. Mas, a bem da verdade, afora as referências ao gênero musical e uma predisposição para tratar das próprias angústias em suas composições, são duas artistas distintas. Amy, sem rumo e dada a excessos; Adele, uma antimusa recatada.
É essa a imagem que ela mantém em 21, seu segundo disco, lançado aqui em abril deste ano. A voz de timbre rouco e potente serve de suporte a canções com letras confessionais que por pouco não passam da conta no açúcar - muito diferente de Amy e sua verve romântica tresloucada. Adele também se diferencia no rol de influências, lançando mão de folk e rhythm’n’blues em suas composições.
A maioria das letras da diva rechonchuda fala de namoros fracassados e de dificuldades de adequação social. A cantora nunca negou que trate de sua vida nas canções. Tanto que deu margem a que um ex-namorado pensasse em processá-la, alegando direito aos royalties das faixas que teria inspirado. Loucuras à parte, 21 é um disco que confirma Adele entre as expoentes da sua geração.

Canções como Rolling in the Deep, Someone Like You, Set Fire to The Rain e Lovesong (versão de música já gravada pela banda The Cure) impulsionaram as vendas de seus discos, 19 e 21 - os números correspondem à sua idade na época do lançamento. Do dia para a noite, Adele deixou de ser uma branquela redonda e chorosa para se tornar, até agora, o maior fenômeno de vendas do ano.
Desde 1990, quando Madonna lançou The Immaculate Collection, uma mulher não ficava em primeiro lugar por dez semanas consecutivas na parada inglesa. Adele foi lá e bateu a marca. Nos Estados Unidos, ela ultrapassou a soma de 1 milhão de discos vendidos e obrigou Lady Gaga, depois de Born This Way despencar 84% nas vendas de uma semana para outra, a disputar palmo a palmo um lugar na parada de sucessos.
Para o crítico de música da revista The New Yorker, Sasha-Frere Jones, Adele é prestigiada nos Estados Unidos por um público branco, de meia-idade, que não sabe fazer download e precisa ir à rede de café Starbucks comprar discos. O que justificaria a explosão nas vendas.
Sem muito talento para a dança nem as coreografias de apelo sexual, resta a Adele fazer o que lhe cabe bem: cantar. Produzido por nomes experientes do ramo, como Rick Rubin (Johnny Cash, Red Hot Chilli Peppers e The Gossip) e Paul Epworth (Cee Lo Green), 21 chegou ao topo como um elemento estranho, cercado por beldades como Rihanna, Shakira e Britney Spears. E deve se manter por uma mistura de talento e qualidade. Pedir autenticidade no soul de boutique que Adele canta já seria demais.

Adele - 21 (Sony Music UK, 2011)
Lista de Musicas:
01 – Rolling In The Deep
02 – Rumor Has It
03 – Turning Tabels
04 – Don’t You Remember
05 – Set Fire To The Rain
06 – He Won’t Go
07 – Take It All
08 – I’ll Be Waiting
09 – One And Only
10 – Lovesong
11 – Someone Like You
12 – If It Hadn’t Been For Love
13 – Hiding My Heart
14 – I Found A Boy
15 – Turning Tables (Live Acoustic)
16 – Don’t You Remember (Live Acoustic)
17 – Someone Like You (Live Acoustic)
Link:
http://www.filesonic.com/file/2504245314

NASI – VIVO NA CENA Por Kid Vinyl

2011-11-03T10:00:00.016-02:00

Release - Por Kid Vinyl

Escrever sobre o Nasi pra mim é um prazer, principalmente ao assistir esse DVD. De certa forma fico orgulhoso ao ver alguém da minha geração fazendo um trabalho decente, respeitável e acima de tudo que não se vendeu ou ficou deslumbrado com a possibilidade de fazer sucesso a qualquer custo. Isso porque muitos da minha geração se perderam nessa possibilidade e acabaram não desenvolvendo um trabalho mais consistente.
Em seu DVD “Vivo na Cena” Nasi dá uma verdadeira aula de rock and roll e suas vertentes.É mais do que um simples DVD gravado ao vivo no estúdio, é um workshop musical, deveria ser instituído como matéria obrigatória nas escolas de música. Essas crianças de hoje deslumbradas com o pop “coxinha” (como ele mesmo descreve no DVD) deveriam todos assistirem esse DVD, pra pelo menos terem uma noção de como se faz rock and roll.
No DVD, além das 17 músicas apresentadas, encontramos nos “extras” uma biografia comentada de toda carreira do Nasi. Fotos e ainda depoimentos dele mesmo num faixa a faixa de “Vivo Na Cena”.
Um super time de músicos acompanham Nasi em “Vivo Na cena” e são sua banda de apoio:

Johnny Boy - um multi instrumentista do rock brasileiro, trabalhou com Marcelo Nova , gravou com Raul Seixas e fez parte do Nasi e os Irmãos do Blues.
André Youssef – tecladista, fera da cena do blues brasileiro.
Nivaldo Campopiano – um dos melhores guitarristas brasileiros. Na década de 80 fez parte do Muzak.
Evaristo Pádua – excelente baterista influenciado por mestres como Ginger Baker , John Bonham e Keith Moon , acho que não preciso dizer mais nada!

Além dessa super banda o DVD conta com convidados muito especiais:
Marcelo Nova canta com Nasi a homenagem a Raul Seixas em “Rockixe”.
Vanessa Krongold (vocalista da sensacional banda paulista Ludov) em “Por Amor” música de Zé Rodrix.
Miguel Barella – guitarrista fundamental da cena pós punk paulistana da década de 80 e que junto com Nasi integrava o Voluntários da Pátria.
Apollo Nove – músico e produtor dos mais conceituados, responsável por trabalhos de Otto, Nação Zumbi a Rita Lee.
Manito – o mais cultuado saxofonista do rock brasileiro desde os primórdios do nosso rock and roll (The Clevers e Incríveis). E um super naipe de metais composto por: Ivo “ Mineiro” trompete , Rodrigo Bento sax barítono, Osmar de Aguiar trombone e Todd Murphy trombone.
Dinho Nascimento – famoso percussionista baiano, tocando congas e Berimbum (instrumento que ele criou).

A gravação / mix ficou por conta do lendário Roy Cicala (que tem um dos mais invejáveis currículos da história do rock, John Lennon, Bruce Springsteen ,David Bowie, Patti Smith, Aerosmith e mais uma invejável lista de rock stars) e sócio do Record Plant de NY.

No DVD Nasi apresenta um faixa a faixa do disco, mas vale a pena comentá-lo aqui nesse release, pois o repertório foi preparado com um tremendo bom senso e bom gosto musical, que merece ser citado:

1- OGUN -Parceira de Nasi com o guitarrista Nivaldo Campopiano abre o DVD. Nasi cita uma referencia importantíssima da história do rock britânico, The Spencer Davis Group.

2- O TEMPO NÃO PARA- A aula de rock continua com o clássico de Cazuza, numa releitura mais para um blues psicodélico. Um arranjo meio “floydeano”.

3- NÃO CAIO MAIS - Essa música é de uma banda pernambucana chamada The River Raid, que faz parte dessa nova geração de bandas independentes inspiradas em Mutantes e indie rock.

4- VERDADES E MENTIRAS - Gravada pelo Voluntários da Pátria em 1983. Uma cultuada banda do pós punk paulista formada por Nasi alem de Miguel Barella , Frippi ,Gaspa e Thomas Pappon ( Felini) .

5- AQUI NÃO É O MEU LUGAR -Fruto da parceria Nasi e Nivaldo, encontramos uma levada mais pro rock dessa década com ares de Johnny Cash.

6- GAROTA DE GUARULHOS - Essa é uma das tantas boas surpresas desse trabalho. Nasi escolheu uma versão da música “Jersey Girl” de Tom Waits um dos mais geniais compositores e interpretes vanguardistas, feita pelo compositor Carlos Careqa.

7- POR AMOR - Música de Zé Rodrix, que fez parte do acústico do Ira! E traz como convidada a cantora Vanessa Krongold da banda Ludov. A referencia The Who é fortíssima no instrumental dessa nova versão.

8- MILHAS E MILHAS - Música que fez parte do álbum “Entre Seus Rins” do Ira! Lançado em 2001, é uma parceria do baixista Gaspa, Nasi e Mauro Matoki (Ludov ) . Versão com muito drive!

9- TARDE VAZIA - Foi um dos sucessos do acústico do Ira! Outra composição de Gaspa. Dessa vez Nasi resolveu dar um jeito mais soul music ao arranjo . O melhor que a musica que já teve.

10 – ROCKIXE - Quem não é fã de Raul Seixas nesse país? Por essa razão também temos o momento “toca Raul” e Nasi escolheu Rockixe e ainda chamou Marcelo Nova pra completar os vocais. Homenagem mais que justa ao nosso “rei do Rock”. Parece que foi composta dos dois band leaders.

11- BALA COM BALA - Outra surpresa mais do que agradável. Coisa de gênio do bom gosto! Bala com Bala é uma música de João Bosco com letra de Aldir Blanc, eternizada em 1972 pela gravação de Elis Regina. A aula de Nasi continua na referencia dada a Dr. John ao arranjo . Minha nossa! Dr John esse é mais um que a garotada deveria consultar. Um dos mais importantes músicos de New Orleans. Sua obra passeia entre o jazz, o rock psicodélico, o blues, boogie woogie e os ritmos folclóricos como o Zydeco.

12- CARNE E OSSO - Outra feliz escolha de Nasi, “Carne e Osso” é da banda de pós punk carioca dos anos 80, Picassos Falsos. Já foi gravada até por Marina Lima.

13 - ONDE ESTOU? - Gravada pelo Muzak em seu primeiro álbum ,com letra de Nasi e Ciro Pessoa ( Titãs do Iê Iê Iê e Cabine C). Um lado B dos anos 80.

14 – DESEQUILÍBRIO - Gravada originalmente pela banda de Olinda Eddie em seu mais recente disco. Nasi aproveitou para fazer uma versão mais western /bluegrass.

15- POEIRA NOS OLHOS - Originalmente gravada no segundo disco de Nasi e os Irmãos do Blues. A fonte de inspiração foi a música “Equinox” de John Coltrane , uma adaptação dessa melodia. Com um sensacional solo de sax dessa lenda viva do rock brasileiro: Manito.

16- EU SÓ PODERIA CRER - Composição de Fred 04 e gravada no primeiro cd do Eddie.Com citações dos Stones e Jorge Benjor .

17- ME DÊ SANGUE - Encerra o disco com um afro blues. O percussionista Dinho Nascimento mistura seu berimbum de forma sensacional aos violões e gaita nesse country blues, a la Son House, de Nasi e Johnny boy. .

"Nasi registrou os melhores momentos de sua carreira nesse DVD, (Ira!, Voluntários da Pátria e Irmãos do Blues) resgatou perolas da musica popular (Raul Seixas, João Bosco e Zé Rodrix) o pós punk dos 80 (Voluntários, Muzak e Picassos Falsos) deu voz a nova geração ( Eddie, The River Raid, Fred 04 e Ludov ). Incluiu também canções inéditas e fez desse trabalho um dos mais incríveis feitos por alguém da minha geração. Como eu disse no começo uma aula de rock and roll."
KID VINYL

NASI – VIVO NA CENA
Gravado ao vivo por Roy Cicala e Apollo Nove no NaCena Studios em 29 e 30 de setembro de 2009
Mixado por Roy Cicala no SA Plant
Imagens Reticom Filmes – Direção de Tiaraju Aronovich e Gunther Mittermayer
Produzido por Nasi e Vagner Garcia
Lançamento Coqueiro Verde

Site Oficial Nasi - http://nasioficial.uol.com.br/vivonacena/index.htm

Faixas do CD / Lista das Músicas:
1. Ogum
2. Não Caio Mais
3. Tarde Vazia
4. Aqui Não é Meu Lugar
5. Garota de Guarulhos
6. Por Amor
7. Milhas e Milhas
8. Rockixe
9. Bala com Bala
10. Carne e Osso
11. Desequilíbrio
12. Poeira nos Olhos
13. Eu Só Poderia Crer
14. Me dê Sangue
Link Download CD: http://www.megaupload.com/?d=7DHBAMHI

Revisitando os Zumbis de Romero no Dia de Finados

2011-11-02T10:00:00.008-02:00

A NOITE DOS MORTOS-VIVOS (Night of the Living Dead, 1968)

O começo de tudo: filmado em preto-e-branco, de maneira independente e com um orçamento merreca (11 mil dólares), o clássico de Romero virou cult e foi um sucesso de bilheteria já na época do seu lançamento (estima-se que tenha faturado mais de 30 milhões de dólares nos cinemas do mundo todo). Claustrofóbico, não se preocupa em dar explicações ou apresentar os personagens, e já começa com mortos-vivos atacando um casal de irmãos que visita um cemitério. A garota, Barbra (Judith O’Dea), consegue escapar a refugia-se numa casa de fazenda no meio do nada, onde outras pessoas também irão tentar se defender do ataque crescente de zumbis. Em plenos Estados Unidos dos anos 60, Romero teve a coragem de tocar num tema como o racismo de maneira extremamente sutil: embora o protagonista, Ben (Duane Jones), seja um homem negro, em nenhum momento do filme a raça do personagem é levada em consideração, nem mesmo quando ele se desentende com um rival branco, Cooper (Karl Hardman). É na cena final que o diretor contextualiza a discriminação racial, quando um grupo de caipiras atira sem pensar duas vezes na cabeça do herói, tomando-o como zumbi (embora ele não seja), e queimando-o em seguida numa fogueira. A imagem de um negro inocente sendo abatido de forma injusta pelas “forças da lei” (brancas, claro) é a cara dos anos 60, remetendo aos linchamentos de negros promovidos em muitas cidades do interior do Estados Unidos naquela mesma época, além do assassinato do ativista negro Martin Luther King, acontecido justamente em 1968. Com “A Noite dos Mortos-Vivos“, Romero ainda assinala o fim daquele horror mais clássico (em que o Bem vence o Mal e os monstros são figuras trágicas, como Drácula e Frankenstein) e o início do horror moderno, ensopado de sangue e violência explícita, e com heróis nada perfeitos, como Ben, cujas ações vão progressivamente matando todos os personagens que o cercam, ao invés de salvá-los.
Em 1968, é bom lembrar, o senador Robert Kennedy foi morto e Richard Nixon elegeu-se presidente dos Estados Unidos, mergulhando a nação no inferno da Guerra do Vietnã. O próprio maquiador Tom Savini, colaborador habitual do diretor, não pôde trabalhar nos efeitos do filme porque foi alistado para lutar do outro lado do mundo. Assim, “A Noite dos Mortos-Vivos” traz este clima de desesperança estampado da primeira à última cena, com uma bucólica e inofensiva casa de fazenda tornando-se uma prisão e um túmulo para seus personagens, e até uma instituição sagrada, a família, revelando-se um perigo iminente (graças à filha que se transforma em zumbi e mata os próprios pais). Em 1990, “A Noite dos Mortos-Vivos” ganhou um competente remake dirigido pelo maquiador Tom Savini, que manteve-se fiel ao original, embora tenha atualizado a personagem de Barbra: se no original ela ficava praticamente catatônica, sem reação diante da ameaça desconhecida (um reflexo do papel da mulher na sociedade nos anos 60), na refilmagem ela já aparece como “mulher forte“, pois os próprios filmes posteriores de Romero trazem heroínas mulheres.

O DESPERTAR DOS MORTOS (Dawn of the Dead, 1978)

Não é à toa que o segundo filme de zumbis de Romero, produzido pelo italiano Claudio Argento, é considerado um dos grandes clássicos do horror de todos os tempos: além do fato de ser um terror competente e ainda mais sangrento que o original (Tom Savini voltou da Guerra do Vietnã e jogou na tela, em forma de maquiagem, os horrores que testemunhou no conflito), toda e qualquer temática social da época é abordada pelo roteiro em formato de alegoria, do consumismo excessivo ao militarismo, da desinformação da imprensa aos imigrantes ilegais. A trama se passa alguns dias ou poucas semanas após o despertar dos mortos do original – os zumbis estão ainda nos primeiros estágios da decomposição, com uma coloração cinza no rosto. A situação começa visivelmente a sair do controle, principalmente nas grandes cidades, como a Philadelphia, onde um casal de jornalistas, Stephen e Francine (David Emge e Gaylen Ross), resolve fugir com o helicóptero da emissora de TV. Unindo forças com dois soldados da SWAT, Peter e Roger (Ken Foree e Scott H. Reiniger), eles chegam a um enorme shopping-center afastado da cidade, onde resolvem fazer uma barricada para proteger-se dos zumbis. Tudo que podem querer é encontrado nas lojas do shopping, de comida a armas, de eletrodomésticos a roupas, mas a chegada de uma quadrilha de motoqueiros saqueadores se revela uma ameaça bem mais perigosa do que a horda de mortos-vivos que insiste em se concentrar ao redor do local. O materialismo é o grande tema de “O Despertar dos Mortos“: tanto os poucos sobreviventes vivos quanto os mortos-vivos ficam circulando pelo shopping-center repetindo praticamente os mesmos movimentos (entrando e saindo de lojas, subindo por escadas rolantes e elevadores, cambaleando sem rumo de um lado a outro), como se não houvesse diferença entre eles.

Mortos ou vivos, todos se reúnem no templo do consumo, uma referência explícita ao materialismo sem noção da América do período, quando não importavam os gigantescos problemas sociais da nação, desde que houvesse dinheiro para comprar um novo conjunto de sofás ou um moderno aparelho de som. Isso fica evidente na fala de Stephen sobre os zumbis que insistem em tentar entrar no shopping: “Isso é uma parte do que eles eram, um lugar importante em suas vidas“. Já para os vivos, enquanto houver brinquedinhos e lojas de portas abertas para aproveitar, a situação do mundo não interessa – mesmo que não existam mais laboratórios para revelar as fotografias feitas com uma câmera de último modelo. Num certo contexto, ainda, os vivos de “O Despertar dos Mortos” representam as classes de alto poder aquisitivo, que se trancam no shopping rodeadas por seus pertences e tentam impedir a invasão dos zumbis, representando os pobres e miseráveis. Como em “A Noite dos Mortos-Vivos“, este segundo filme também tem um herói negro (Peter), mas o contexto do racismo foi transferido para uma outra minoria: os latino-americanos. No início do filme, um batalhão da SWAT tenta controlar uma invasão de mortos-vivos num condomínio de baixa renda, cujos habitantes são predominantemente latinos, e um dos policiais – transtornado, mas visivelmente racista – sai explodindo cabeças sem fazer distinção entre mortos e vivos (um comportamento fascista inerente à época, quando havia forte preconceito contra a “invasão” de imigrantes ilegais nos Estados Unidos). Finalmente, sobram farpas para os militares e para a imprensa: na primeira metade do filme, ambas as instituições minimizam a ameaça como se tivessem tudo sob controle, mas logo as transmissões de rádio e TV começam a ficar confusas, divulgando informações equivocadas sobre centros de apoio a sobreviventes, e a presença do exército não é suficiente para controlar o caos. O filme termina sem propor uma solução para o impasse e sem deixar qualquer esperança para os seus sobreviventes, num mundo que tende a piorar. Também ganhou uma refilmagem, “Madrugada dos Mortos“, de Zack Snyder, em 2004, que diverte deixando de lado qualquer tentativa de crítica social para apostar unicamente na ação (a subtrama da invasão de motoqueiros ao shopping, por exemplo, foi completamente deletada).

DIA DOS MORTOS (Day of the Dead, 1985)

Meses ou anos se passaram desde “O Despertar dos Mortos“. As cidades estão desertas, como grandes cemitérios. As transmissões de emergência no rádio e na TV silenciaram, um velho jornal com a manchete “The dead walk” é levado pelo vento num rua completamente vazia. Não há sinal dos militares que estavam tão certos de controlar a praga zumbi nos dois filmes anteriores, e os poucos sobreviventes são justamente soldados e cientistas que vivem confinados numa base subterrânea, o único lugar em que podem ficar a salvo dos ataques dos mortos-vivos (agora finalmente decompostos e putrefatos). No cenário claustrofóbico, os vivos vêm perdendo cada vez mais espaço para os mortos. Enquanto o dr. Logan (Richard Liberty) faz experiências com os zumbis para tentar entendê-los, a tensão cresce entre os dois grupos, principalmente quando um milico fascista, o capitão Rhodes (Joseph Pilato), assume o comando da unidade. Rhodes é o estereótipo do militar estadunidense dos anos 80: diante de uma situação de crise, não hesita em impor sua autoridade para defender o “american way of life” à bala, ameaçando seus desafetos de Corte Marcial mesmo num mundo em que tais burocracias nem deveriam mais existir. Os sobreviventes contam os dias rodeados por toneladas de microfilmes com declarações da Receita e dados oficiais do governo, que perderam completamente a importância diante do colapso da sociedade. E enquanto os militares esperam uma vacina ou antídoto que ajude a combater e eliminar os zumbis, o dr. Logan propõe justamente o contrário: domesticá-los para que eles possam ser reintegrados à sociedade, o tipo de solução que um militar dos anos 80 não consideraria em hipótese alguma, pois não é “imediatista” o bastante! “Dia dos Mortos” foi, durante anos, o último episódio da série de zumbis de Romero; foi, também, mal-recebido na época do seu lançamento, ganhando mais importância e notoriedade com o tempo.
Desta vez não há heróis nem personagens carismáticos; seus protagonistas, além dos militares fascistas, são uma garota feiosa e insensível (Lori Cardille), um piloto de helicóptero meio negro, meio índio (Terry Alexander), um beberrão descendente de irlandeses (Jarlath Conroy) e até um soldado muçulmano (Anthony Dileo Jr.). Este último tem um papel central na conclusão, quando literalmente abre as portas da base subterrânea para que os zumbis possam invadi-la e aniquilar os sobreviventes, numa síntese da visão, já na década de 80, dos muçulmanos como terroristas-suicidas – um detalhe que ganha uma releitura toda especial pós-11 de setembro. “Dia dos Mortos” também é o filme em que os mortos-vivos são os personagens mais secundários: a verdadeira ameaça é a relação entre os humanos, que, mesmo em minoria, não conseguem conviver juntos, apegando-se a patentes e “cargos” que não fazem mais sentido. Quando o dr. Logan explica sua grande descoberta – a de que os zumbis morrerão uma segunda vez pela deterioração do cérebro em cerca de 18 meses -, o espectador já sabe que provavelmente nenhum dos personagens humanos conseguirá sobreviver até lá, pois eles não conseguem manter-se unidos e vivem brigando. O filme ganhou um remake simplesmente pavoroso dirigido por Steve Miner em 2008, que elimina todas as ideias do original e parece mais interessado em copiar “Madrugada dos Mortos“. Também deu origem a um misterioso e picareta “Dia dos Mortos 2 – O Contágio” (2005), péssima produção classe Z dirigida por Ana Clavell e James Glenn Dudelson, sem qualquer relação com o filme de Romero além do título mentiroso.

TERRA DOS MORTOS (Land of the Dead, 2005)

Nos 20 anos que separam “Terra dos Mortos” de “Dia dos Mortos“, aconteceu tanta coisa no mundo e nos Estados Unidos que Romero poderia muito bem ter feito um filme tão longo quanto “Zombie – O Despertar dos Mortos“. Optou por uma metragem convencional (97 minutos), mas isso não significa que tenha pouco a dizer. Produzido por um grande estúdio, a Universal, é o longa de zumbis mais caro do diretor, com orçamento de 15 milhões de dólares. A história se passa algum tempo depois de “Dia dos Mortos“: os zumbis putrefatos continuam dominando o mundo, mas já existe uma sociedade feudal na forma de uma luxuosa torre com apartamentos para ricaços, chamada Fiddler’s Green. O idealizador do projeto, Paul Kaufman (Dennis Hopper), manda e desmanda nos sobreviventes que ali vivem, como um autêntico ditador. Fiddler’s Green é protegida por cercas eletrificadas e um rio, que impedem o avanço dos mortos, permitindo que os seus abastados habitantes possam tranqüilamente fazer suas compras no shopping-center do local (uma auto-citação a “Zombie – O Despertar dos Mortos“). Mas é claro que alguém precisa trabalhar pesado para garantir o consumismo/materialismo dos ricos, e esta tarefa cabe às classes pobres que moram no entorno da torre. Seduzidas com a (falsa) promessa de um dia ascenderem à classe alta e poderem morar em Fiddler’s Green, homens como Riley (Simon Baker), Charlie (Robert Joy) e Cholo (John Leguizamo) arriscam o próprio pescoço saindo das fronteiras seguras da cidade para enfrentar os zumbis e recuperar mercadorias e bens de consumo no mundo devastado. Isso até “Big Daddy” (Eugene Clark), um dos milhares de zumbis das cercanias, ganhar uma espécie de consciência, liderando seus companheiros, como um autêntico líder sindical morto-vivo, para invadir a torre e aniquilar seus habitantes.
Romero retoma vários temas já trabalhados nos três filmes anteriores: os ricaços vivem uma vida despreocupada e feliz, sem pensar nos zumbis, enquanto há dinheiro e produtos nas lojas (como em “O Despertar dos Mortos“), e o morto-vivo consciente que lidera a revolução é negro, quase como uma vingança pelo fato do igualmente negro Ben ser assassinado no final de “A Noite dos Mortos-Vivos“. Além da metáfora óbvia para a luta de classes e para o sonho impossível dos menos favorecidos de “vencer na vida” e conquistar seu espaço em Fiddler’s Green, os zumbis separados dos humanos pelo rio e pelas cercas lembram novamente a questão da imigração ilegal (já abordada levemente em “O Despertar dos Mortos“), remetendo à situação na fronteira dos EUA com o México. “Terra dos Mortos” também é um perfeito retrato dos EUA pós-11 de setembro. Tanto que o principal perigo não são os mortos-vivos que cercam Fiddler’s Green, mas sim a ameaça do renegado Cholo de explodir a torre com mísseis (uma referência nada sutil ao ataque ao World Trade Center). Kaufman não pretende ceder e manda um esquadrão para acabar com Cholo – “Não negociamos com terroristas“, alega ele, bem ao estilo George W. Bush. Até mesmo uma excelente ideia do filme, os coloridos fogos de artifício usados para “distrair” os zumbis, que ficam hipnotizados olhando para o céu, torna-se uma alegoria óbvia à intervenção militar norte-americana no Iraque em 2003, quando as explosões dos mísseis ianques em Badgá, transmitidas via CNN, “distraíam” a zumbificada população norte-americana, que dessa forma não reparava nos problemas sociais e políticos da sua própria nação. “Terra dos Mortos” dividiu opiniões na época do seu lançamento, mas é um filme que, mesmo com problemas evidentes, cresce a cada revisão – e parece ainda melhor comparado com os dois filmes seguintes de George A. Romero. Não foi refilmado (ainda!).

DIÁRIO DOS MORTOS (Diary of the Dead, 2007)

Enquanto todos os outros filmes de zumbis de Romero foram separados por um longo intervalo de tempo, “Diário dos Mortos” saiu menos de dois anos depois de “Terra dos Mortos“. Não se sabe a razão da pressa (foi filmado em apenas 23 dias!), mas fica evidente, na tela, a falta de uma preparação maior: o diretor-roteirista parece perdido, sem uma história interessante para contar e tomando várias decisões equivocadas. Na verdade, “Diário dos Mortos” é tão diferente dos demais que, depois dos primeiros 15 minutos, eu fui pesquisar para ver se realmente tinha pegado o filme de Romero ou se estava vendo alguma versão genérica da The Asylum, tal a falta de estilo/objetivo da película. Romero já começa surpreendendo: esquece sua quadrilogia original e não dá continuidade a “Terra dos Mortos“, preferindo “rebootar” a franquia e mostrar o que aconteceria se “A Noite dos Mortos-Vivos” acontecesse agora, em pleno século 21 – uma desculpa para utilizar ferramentas modernas, como câmeras digitais e internet, que não teriam espaço num universo tomado por zumbis pós-”Terra dos Mortos“. A história acompanha um grupo de jovens universitários que está produzindo um filme barato de horror quando os mortos começam a despertar. Desesperados, desorientados pela falta de notícias confiáveis (apesar do imediatismo da internet, agora somando-se ao rádio e à TV dos filmes antigos), eles pegam um trailer e atravessam os Estados Unidos em busca de um lugar seguro, lutando contra zumbis e topando com estereótipos de problemas sociais já vistos nos outros episódios (negros que sofrem preconceito, militares com más intenções, humanos usando mortos-vivos como alvos e confirmando sua própria selvageria…).

No meio de tudo isso, um dos jovens, Jason Creed (Joshua Close), resolve filmar tudo para fazer um documentário sobre o retorno dos mortos, chamado “The Death of Death“. As imagens que vemos seriam uma “versão editada” do material bruto filmado pelos jovens, ao estilo “A Bruxa de Blair” e “Cloverfield“. Embora isso permita ao diretor brincar com metalinguagem e ironizar a indústria do cinema (como a jovem que quer acrescentar música e sons ao documentário para torná-lo mais assustador), também acaba se tornando o ponto mais fraco do filme, já que as imagens captadas são “profissionais” demais para parecerem a filmagem amadora de um grupo de jovens – neste aspecto, Romero perdeu feio para “The Zombie Diaries” e “REC“, dois filmes com a mesma proposta produzidos antes e ao mesmo tempo de “Diário dos Mortos“. A ideia em si não é nova, pois remete a um obscuro filme independente norte-americano chamado “Dead End“, produzido em 1985 e já mostrando a realização de um documentário durante uma infestação de mortos-vivos. Já os personagens adolescentes (nunca antes explorados nos filmes de mortos-vivos do diretor) são irritantes, levando o espectador a torcer para que os zumbis matem a todos. Talvez isso faça parte da crítica de Romero à sociedade moderna e à “idiotização” dos jovens por ferramentas como a internet, o que fica evidente na cena em que o cameraman prefere filmar um zumbi atacando uma garota do que largar a câmera e ajudá-la. Mas “Diário dos Mortos” realmente não convence e, pelo menos na minha opinião, é o mais fraco da série de zumbis de George A. Romero, sem muito a dizer e sem novidades em relação aos anteriores – além, claro, da inclusão de adolescentes xaropes nos papéis principais e de constrangedores efeitos em computação gráfica nas cenas de violência. E como é um “filme de estrada“, em que os personagens ficam zanzando de trailer para lá e para cá, perde-se também a sensação de claustrofobia dos anteriores, quando havia o isolamento num lugar fechado (casa da fazenda, shopping-center, laboratório subterrâneo, Fiddler’s Green). Como curiosidade, gente famosa (Stephen King, Wes Craven, Simon Pegg, Quentin Tarantino e Guillermo del Toro) empresta sua voz para os boletins de rádio e TV ouvidos ao longo do filme. Não foi refilmado ainda (mas bem que poderia…).

A ILHA DOS MORTOS (Survival of the Dead, 2009)

“A morte não é mais como costumava ser”, entrega o poster de um dos mais recentes filmes da safra de George Romero. De 1968 para cá, muito se fez no gênero de zumbis criados em uma única noite dos mortos vivos. Desde o mais elementar terror até a crítica social e a comédia escrachada, não houve descanso tanto para os vivos quanto para os que evitaram descansar em paz. Em A Ilha Dos Mortos (“Survival of the Dead”), o criador de um gênero entrega oficialmente os pontos e parece perder o controle da própria criatura.

Ao escolher como título uma paradoxal “sobrevivência” dos mortos, George Romero dá um passo a frente em direção ao humor negro que sempre teve lugar no pano de fundo de seus filmes. Entretanto, ao invés de pontuado numa trama assustadora, o lugar do humor em “Survival” parece ser o centro dos holofotes. Não me admirou em nada que durante a maior parte do filme, a platéia gargalhasse, o que me admiraria muito é saber que foi essa a intenção do pai dos filmes de zumbis.

Emulando uma trama de Velho Oeste, “A Ilha Dos Mortos” conta a história de duas famílias rivais, os O’Flynn e os Muldoon. Num cenário pós-apocalíptico que já não mais requer explicação, dois patriarcas – destaque para Kenneth Welsh no papel de Patrick O’Flynn – discordam sobre como abordar o crescente número de mortos vivos assolando a ilha Plum. Enquanto um adota uma política de atirar primeiro e perguntar depois, o outro pretende reeducá-los até que o mundo encontre uma cura.

Afastado forçosamente da ilha pelo bando dos Muldoon, Patrick O’Flynn retorna três semanas depois com a ajuda de um grupo de militares. Na tentativa de retomar a ilha instaura-se um grande showdown entre cowboys e zumbis, no que poderia ter se configurado numa das mais interessantes tramas do gênero, mas que acabou como um pastiche de clichês, incluindo aí gêmeas rivais, personagens estereotipados pela ascendência e uma trama que liga figurativamente nada a lugar algum.

Se era a intenção de George Romero se entregar aos críticos ao desprender-se do compromisso com o horror para abraçar a comédia , podemos declarar missão cumprida, “A Ilha Dos Mortos” não se leva a sério por nem ao menos um minuto. Longe de ser maçante, o filme banaliza o gênero assim como banaliza a própria ignorância humana diante do fim dos tempos. Ainda assim, a pergunta que fica é: seria esse o fim de uma Era?

Noel Gallagher: crítica do álbum 'High Flying Birds' (2011)

2011-11-01T10:00:00.011-02:00

Entre os fãs de Oasis, sempre existiu um temor, que também era uma certeza: um dia haveria a briga definitiva entre os irmãos Gallagher. Esse dia foi 28 de agosto de 2009, em que Liam e Noel, unidos pela música e por seu ódio mútuo, se separaram de vez. Justo quando a banda teve seu primeiro baterista decente. Todo fã se sentiu como um filho em meio a um divórcio.
O primeiro resultado deste rompimento foi Beady Eye, feita dos espólios de guerra do Oasis. É formada por Gem Archer, Andy Bell e Chris Sharrock, liderados por Liam Gallagher, que continuou na mídia sendo Liam Gallagher. No final de 2010 sairam os primeiros singles. No começo do ano seguinte, Different Gear, Still Speeding chegou às lojas. É um bom disco, mas parece que falta algo - talvez falte Noel Gallagher.
Após o fim da banda, Noel sumiu e deixou um grande ponto de interrogação sobre o que seria de sua carreira solo. E, após algumas entrevistas, também era dúvida se haveria uma carreira solo. Só que, conhecendo as figuras, era de se imaginar que um irmão não deixaria o outro sozinho na briga pelo sucesso pós-Oasis.
Noel Gallagher's High Flying Birds gerou muita expectativa antes de seu lançamento, com os singles "The Death of You and Me", "If I Had a Gun..." e "AKA...What a Life!".
A primeira coisa que fica clara ao ouvir High Flying Birds é que trata-se de um disco com uma sonoridade muito mais refinada do que a presente na estreia do Beady Eye. Isso não é nenhuma surpresa, afinal as composições de Noel sempre se destacaram pelas melodias de bom gosto e pelos arranjos inteligentes, enquanto Liam era o lado mais rocker e urgente do Oasis.
Produzido pelo próprio Noel e por Dave Sardy, responsável pelo último álbum do Oasis – Dig Out Your Soul, de 2008 -, High Flying Birds não é um álbum inovador, pelo contrário. O disco segue exatamente tudo o que Noel fazia no Oasis, retiradas da receita, obviamente, a participação dos demais músicos e as brigas familiares que pareciam alimentar a banda. O que temos aqui é um álbum que, ao contrário do Beady Eye, cairá como uma luva na vida dos órfãos de uma das maiores e mais importantes bandas do rock inglês da década de 90.
O disco prova o que muitos já sabiam: Noel Gallagher era a alma e o coração do Oasis. As dez faixas, embaladas pela voz única de Noel, formam o melhor trabalho do vocalista e guitarrista desde (What's the Story) Morning Glory?, o disco lançado em 1995 que levou o Oasis ao topo do pop.
A primeira impressão que se tem ao abrir o disco, com as matadoras "Everybody’s On The Run" e "Dream On", é de um Noel Gallagher com maior liberdade criativa. Os arranjos parecem mais soltos e elaborados, com uma sonoridade diferente do que o ouvinte médio do Oasis estava acostumado. Não é algo barroco, com as milhares de camadas de guitarras de Be Here Now (1997). É algo mais parecido com o excelente Dig Out Your Soul (2008), último trabalho do Oasis.
As próximas músicas, "If I Had a Gun...", "The Death of You and Me" e "(I Wanna Live a Dream in My) Record Machine" já eram conhecidas dos fãs, já que as duas primeiras saíram como single e a última é uma demo antiga do Oasis, facilmente encontrada no YouTube. Estas músicas ajudam a criar o clima de fuga que guia o álbum, que fica mais explícito para quem já viu os videoclipes lançados. Destas canções, vale ressaltar dois momentos. Um deles é o lindo verso de "If I Had a Gun...", “Waiting for the moment for my heart to be unbroken by the sea”, que parece ser uma sutil mensagem a Liam Gallagher. Outro é o grudento, no melhor dos sentidos, refrão de "(I Wanna Live a Dream in My) Record Machine" - dá vontade de cantar junto para sempre.
Na versão em vinil, o lado B do disco começaria agora e traz uma pegada um pouco mais forte. A semelhança com Dig Out Your Soul fica ainda mais nítida em "AKA... What a Life!", que é quase uma continuação da canção "Falling Down" - o que fica claro após ouvir as duas músicas em sequência.
Há obras-primas em High Flying Birds. O primeiro single, “The Death of You and Me”, é uma das maiores. “Dream On” segue o mesmo caminho, em uma balada com sabor sessentista e pequenos toques de psicodelismo que nasce com cara de clássico. “(I Wanna Live in a Dream in My)” tem um que de “Champagne Supernova”, principalmente no solo.
Mas, ao mesmo tempo em que refina aquilo que sabe fazer de melhor, Noel às vezes aventura-se em novos caminhos. A excelente “AKA … What a Life!”, com uma batida dançante e um bem sacado piano, é diferente de tudo o que o músico já fez em sua carreira. Os vocais, que se alternam entre o falsete e o registro normal, são os melhores do trabalho.
A influência do Kinks, que pode ser sentida timidamente em “The Death of You and Me”, surge esplendorosa em “Soldier Boys and Jesus Freaks”. Aliás, essas duas faixas merecem destaque porque trazem, também, uma latente influência dos Beatles, mas de uma forma diferente do habitual. Ao invés da cópia escancarada praticada pelo Beady Eye – e pelo próprio Oasis em alguns momentos -, a presença do Fab Four é constatada através de detalhes nos arranjos, como as insólitas cornetas que martelam a melodia, revivendo o que Paul McCartney e sua turma fizeram em discos como Sgt Peppers (1967).
High Flying Birds tem cara de coletânea, pois todas as suas faixas são hits latentes, singles a serem descobertos. Isso faz com que a audição do álbum seja extremamente agradável, carregando o ouvinte através de uma coleção de composições da mais alta qualidade.
Chegando nas últimas músicas, vamos percebendo que o fim do Oasis teve uma carga emocional pesada para Noel Gallagher. Isso fica claro nas guitarras psicodélicas de "(Stranded On) The Wrong Beach" e na estrofe de "AKA... Broken Arrow", que diz “But all the lies that they have told me / They make me wanna shiver / And I'm lost and I'm lonely / And that's not gonna ease my troubled mind” (em tradução livre, "Mas todas as mentiras que eles me contaram / Me fazem ter arrepios / Estou perdido e estou solitário / E isso não vai tranquilizar minha mente turbulenta").
O gran-finale é "Stop the Clocks", uma lenda para os fãs de Oasis. Esta música chegou até a dar nome a uma coletânea sem nunca ter sido lançada oficialmente. Não há nem o que se falar sobre a melodia - é simplesmente linda. Já a letra trata sobre um sentimento de não se saber se está vivo ou morto, que serve muito bem para explorar o medo de mudanças e se encaixa perfeitamente no final do primeiro disco solo de quem viveu mais de 15 anos em uma banda de sucesso, ao lado de seu irmão.
Em todo divórcio, o filho sempre tenta encontrar um lado positivo: há um número dobrado de presentes de aniversário e afins. No fim do Oasis, foi exatamente isso que aconteceu. A competição entre os irmãos Gallagher acabou por ser muito saudável - ao menos musicalmente.
Sem dúvida alguma, um dos melhores discos do ano. Obrigado, Noel!
Nota: 9,5

Noel Gallagher's High Flying Birds (Sour Mash Records, 2011)

Faixas:

Everybody's on the Run
Dream On
If I Had a Gun …
The Death of You and Me
(I Wanna Live in a Dream In My)
AKA … What a Life!
Soldier Boys and Jesus Freaks
AKA … Broken Arrow
(Stranged On) The Wrong Beach
Stop the Clocks

Link:
http://www.fileserve.com/file/qYc9G7X/www.NewAlbumReleases.net_Noel%20Gallagher%20-%20Noel%20Gallaghers%20High%20Flying%20Birds%20%282011%29.rar
Site oficial: http://www.noelgallagher.com/#home

Crimes e Pecados, uma obra-prima de Woody Allen (1989)

2011-10-31T10:00:00.004-02:00

Boa parte dos maiores especialistas na obra de Woody Allen considera “Crimes e Pecados” (Crimes and Misdemeanors, EUA, 1989), junto com "Match Point" (Inglaterra, 2005) a última das obras-primas que o cineasta nova-iorquino assinou durante a longa e brilhante carreira. Examinado dentro do contexto da época em que foi lançado originalmente nos cinemas, este julgamento faz sentido. Após a poeira baixar, contudo, percebe-se que ele mostra um otimismo algo excessivo, embora o filme seja bom e realize um tratamento cuidadoso de dois temas recorrentes na filmografia de Allen, a culpa e a insegurança sexual.

A verdade é que em 1989, quando o filme estreou, os fãs de Woody Allen andavam se sentindo meio órfãos do cinema cômico que sempre representou a faceta mais amada do diretor. Havia alguns anos que Woody militava em filmes mais densos, mais psicológicos, profundamente influenciados pelo ídolo sueco Ingmar Bergman. Era um comediante deixando o humor de lado. Sendo assim, “Crimes e Pecados” foi saudado como um retorno de Allen à comédia, algo que o filme é, e ao mesmo tempo não é. De fato, “Crimes e Pecados” é uma tentativa evidente de unir, através de duas histórias de adultério bem diferentes em atmosfera, as duas facetas mais conhecidas do cineasta: o cômico e o psicólogo.

A primeira história, que possui mais tempo de tela, tem como protagonista o oftalmologista Judah Rosenthal (Martin Landau). Homem respeitado como uma das maiores autoridades da profissão, ele vem enfrentando uma grave crise pessoal devido às ameaças da amante Dolores (Anjelica Huston).

Cansada dos sete anos de promessas não-cumpridas, a mulher vem pressionando o médico a assumir o romance, o que significa um penoso divórcio pelo qual ele não quer passar. É uma situação extrema, e Judah só consegue pensar em duas saídas para ela: a separação – o que significa ter a carreira e a família destruídas – ou o assassinato.

Trata-se de um ótimo estudo de personagem corroído pela culpa. Uma variação deste conto retornaria à obra de Woody Allen muitos anos depois, depois, na forma de um longa-metragem inteiro, “Match Point” (2005). Aqui, o que o diretor nova-iorquino oferece é um retrato febril e causticante da angústia de um homem, frente a uma encruzilhada que, seja qual for o caminho escolhido, promete deixar uma marca profunda e perpétua na sua vida. Não há humor nesta narrativa, e a fotografia do sueco Sven Nykvist (fotógrafo de Ingmar Bergman, diretor predileto de Allen) carrega em tonalidades escuras e sombrias, como que enfatizando o estado de espírito do protagonista.

A segunda história, narrada em paralelo, também mergulha em uma alma atormentada, mas adota um tom leve e cômico, típico dos grandes trabalhos do autor. É uma história sobre Cliff (Allen), diretor de documentários que tenta financiamento para concluir um filme sobre um velho filósofo. Com o casamento em crise, ele se apaixona perdidamente por Halley (Mia Farrow), produtora com quem está trabalhando num aborrecido episódio televisivo sobre a vida de um famoso executivo de TV (Alan Alda). Há um triângulo amoroso, como no conto anterior, mas aqui o tema principal é a insegurança sexual, pois não há culpa em Cliff.

O segmento cômico oferece um contraponto perfeito à outra narrativa; é a luz depois da sombra, a calmaria após a tempestade. Em resumo, “Crimes e Pecados” reúne dois ótimos contos independentes. O grande problema do filme é que eles são tão independentes que parecem pertencer a filmes diferentes. Nem mesmo a seqüência final, em que Woody Allen procura alinhavar as duas histórias através de um encontro entre os dois protagonistas, passa à platéia uma sensação de unidade. Isso posto, é fato que “Crimes e Pecados” oferece uma larga fatia do melhor de Woody Allen.

O DVD simples da Fox tem apenas o filme, com boa qualidade de imagem (widescreen 1.85:1 anamórfica) e som razoável (Dolby Digital 2.0). Não há extras, como de praxe nos DVDs de filmes de Woody Allen.

•Título Original: Crimes and Misdemeanors

• Direção: Woody Allen

• Roteiro: Woody Allen

• Elenco: Martin Landau, Anjelica Huston, Woody Allen, Mia Farrow

• Gênero: Comédia/Drama

• Origem: Estados Unidos

• Duração: 107 minutos

• Tipo: Longa-metragem

• Diálogo: Inglês

• Legenda: PT-BR

• Cor: Colorido

Link: http://www.megaupload.com/?d=GHXUUO80

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country for Old Men), de Joel e Ethan Coen (EUA, 2007)

2011-10-30T10:00:00.019-02:00

Desconcertado sim, desconcertante não

Podemos criticar a natureza “filme-tese” de Onde os Fracos Não Têm Vez, dos irmãos Joel e Ethan Coen, se essa natureza é a própria motivação do filme? Talvez as questões sejam outras. Que tese se defende? Com quais estratégias? A tese dos Coen é ambígua, se não por intenção, certamente como efeito.
Antes de vermos a primeira imagem, ouvimos a voz de Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), xerife cuja importância será secundária na narrativa, mas que, por meio desse único momento de narração em off, declara-se a voz interior do filme. Ele não tem outra função dramática além do papel de consciência estupefata do mundo – aparentemente a mesma posição da instância autoral. Em sua narração, o xerife afirma, não sem saudade dos velhos tempos, que, em sua juventude, a violência era mais civilizada. Era possível ser homem da lei sem empunhar armas. A própria lei impunha respeito. Como saberemos adiante, estamos nos anos 80 e, nesse momento da humanidade e dos EUA, o xerife está desorientado: a lei não vale nada, está impotente diante do horror da brutalidade.

O restante do filme, após essa introdução pela narração, mostra tanto a comprovação “literal e simbólica” dessa brutalidade desorientadora quanto o contrário da tese esboçada nas palavras do xerife. Se o narrador acredita ter testemunhado uma degradação da violência, sem entender a razão social desse fenômeno e sem aceitar a hipótese de doenças individuais como causa, relatos ouvidos no filme mostram uma outra coisa, uma violência de gênese antiga, a insinuar um mal genético na formação do americano. Assim percebemos que a voz do narrador lá no começo não é a voz do filme ou da verdade. É voz da regulação legal, de uma consciência individual e de Estado, uma voz oficial em sua subjetividade, consciente de sua falência. Era mais fácil regular a sociedade. A sociedade, porém, se desregulou. Só restar aceitar o mundo como é.

Ancestral ou contemporânea, a violência, tal qual mostrada em Onde os Fracos Não tem Vez, carrega na insanidade. É quase a bad trip de um delírio, quase parte de uma mitologia, efeito de uma droga ou encenação de algum mefistófeles. Porque o teor de levantamento de sintomas contido na narrativa, sem com isso se fazer diagnóstico da doença, é condensado de forma caricata em uma imagem-mito do mal, a de Anton Chicurgh (Javier Bardem), que encarna a doença social e/ou genética em cada gesto, como monstro de terror B e vilão de ficção científica.

Tudo nele é exagerado, absurdo e inverossímil, porque, para os Coen, a violência real é fantástica, não realista, e para representá-la é preciso exagerar em tudo. Tem cabimento essa proposição, enquanto conceito, mas, na prática, ao mitologizar o monstro pela caricatura, atenua-se o efeito dramático. Anton passa a carregar em sua imagem um tanto de desenho animado.

O filme procura demonstrar esse caráter mítico e delirante da violência de forma quase ilustrativa, menos pelo didatismo das contextualizações histórico-sociais e mais pela metaforização auto-explicativa, com a qual cada imagem também é outra de significado mais amplo. Após um cara e coroa para decidir a vida de sua última vítima, por exemplo, Anton sofre um acidente de trânsito para evidenciar a força do acaso. No entanto, assim como afirma e desmente sua afirmação ao tratar da violência, o filme também é ambíguo nesse didatismo, que traz a questão do acaso para a dança, nos induz a uma ausência completa de explicação, deixando tudo na mão dos acidentes (a suspensão da lógica), mas também insinua não acreditar nisso inteiramente, se levarmos em conta o tom de frase-verdade da última vítima de Anton ao recusar o cara e coroa porque se agarra a idéia de que viver e matar é uma questão de escolha. Nesse sentido, Anton, por extensão, longe de ser o acaso de uma DNA estragado, é escolha de uma sociedade, de maneira ampla, e de si mesmo, se o tomarmos como indivíduo para além de sua carga simbólica.

Os Coen parecem empenhados em ilustrar as idéias no roteiro e as idéias de roteiro, fingindo defender uma tese que na verdade já carrega sua relativização, assim como fingindo seguir uma convenção para depois despistá-la, como a imagem de um personagem morto sem a imagem de sua morte, invertendo qualquer expectativa de nossa parte, com o intuito principal de desviar-se do previsível. Há algo a se dizer, mas, por não haver certeza sobre nenhuma afirmação, tenta-se dizer sem afirmar.

No entanto, esse dizer sem afirmação, em mais de um sentido, grita demais. Um dos raros momentos no qual o cinema de cineasta se sobressai ao cinema de roteirista também não vai mais longe porque existe uma narração explicativa na imagem. Trata-se dos primeiros planos, todos abertos, de uma típica paisagem texana, desértica, mitológica, que carrega sinais de cultura e de História, tranqüilidade e melancolia, a nos remeter aos velhos tempos. Ao mesmo tempo, a voz do xerife, vejam só, fala dos velhos tempos. Temos tanto um lado tatibitati na condução, conforme descrito acima, quanto um lado desconfiado do tatibitati, sem conseguir omiti-lo. Porque se as imagens da paisagem desértica texana contêm em si mesmas uma notável força expressiva, inclusive por ter sido mitologizada pelo cinema, a ocupação do espaço por corpos masculinos caídos e um cão ferido perde sua energia comunicativa, tendo em vista sua antecipação pela narração do xerife.

Quando ele fala do novo padrão de violência, enquanto vemos as belas imagens do campo aberto, já podemos prever algum sinal de deterioração a marcá-la, lembrando-nos de forma mais ou menos óbvia do sangue contido naquele ambiente, não somente por ser universo de western, mas também por conta do percurso histórico de formação dos EUA. Nessa dinâmica de jeitão tatibitati de ilustrar sua visão da violência, somado à dúvida sobre essa visão, os Coen nos propiciam um cinema com olhar desconcertado por seu momento histórico, mas não desconcertante como experiência estética.

Ficha Técnica
título original:No Country for Old Men
gênero: Drama
duração:122 min
ano de lançamento: 2007
site oficial: http://www.nocountryforoldmen.com/
estúdio: Paramount Vantage / Miramax Films / Mike Zoss Productions / Scott Rudin Productions
distribuidora: Miramax Films / Paramount Pictures
direção: Ethan Coen, Joel Coen
roteiro: Ethan Coen e Joel Coen, baseado em livro de Cormac McCarthy
produção: Ethan Coen, Joel Coen e Scott Rudin
música: Carter Burwell
fotografia: Roger Deakins
direção de arte: John P. Goldsmith
figurino: Mary Zophres
edição: Ethan Coen e Joel Coen
Link: http://www.fileserve.com/file/br72QY3
779.10 mb